ADDAYA CENTRE D’ART CONTEMPORANI

SWAB BARCELONA ART FAIR programa general / stand 19 28 set - 01 oct, 2017 Pavellón italiano, Feria Barcelona

AZAHARA CEREZO

DAVID CRESPO

ÁNGELA BONADÍES & JUAN JOSÉ OLAVARRÍA

KEILA ALAVER

IGNASI PRAT ALTIMIRA

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KEILA ALAVER (Londrina, Brasil, 1970)

Formada en Artes Plásticas por la Fundación Armando Alvares Penteado (FAAP), São

Paulo, SP.

Su producción artística inicial, des de finales de los años 1990 hasta la mitad de los años

2000, contemplaba pintura, fotografía y escultura ─creando objetos que incorporaban

fotografía y otros materiales, como el cuero. Luego, pasó a producir esculturas

articulando fotografía y madera en construcciones que se proyectan en el espacio como

elementos tridimensionales. A partir de la segunda mitad de los años 2000, su producción

empieza a apuntar hacia dos vertientes: una constituida por instalaciones con objetos

extraídos de lo cotidiano, alterados por la artista y presentados en conjunto en un espacio

específico; y otra por series de trabajos individuales que imprimen a los objetos

domésticos una perspectiva geométrica, alterando sus funciones y formas originales.

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Como principales temas de toda su obra podemos destacar la presencia de la figura

humana insertada en contextos sociales y arquitectónicos, el tratamiento de la imagen

como objeto tridimensional, la geometría presente en objetos cotidianos y una

valorización de las formas y características materiales de objetos domésticos banales

producidos a gran escala.

Participa de exposiciones individuales y colectivas desde 1995, entre las que destacan:

Individuais 2015 Projeto Glory Hole - A Caixa Maravilhosa, Galeria Jaqueline Martins, São

Paulo, Brasil 2013 Corpo Mobília, Galeria Vermelho, São Paulo, Brasil 2013 O Jardim da

Pele de Pêssego, Galeria GTO- SESC Palladium, Belo Horizonte, Brasil 2011 Coletivas 2017

Past/Future/Present - Phenix Art Museum, Phenix, EUA · Contato Transitório, projeto

55SP Galeria, espaço Epicentro, São Paulo, Brasil 2015 Aprendendo a viver com a sujeira,

Galeria Vermelho, São Paulo, Brasil 2014 Mostra Verbo, Galeria Vermelho, São Paulo,

Brasil 2004 A foto dissolvida, Sesc Pompéia, São Paulo, Brasil 2002 2002 Paralela, São

Paulo, Brasil 2001 Auto Retrato, Espelho do Artista, Museu de Arte Contemporânea de

São Paulo (MAC-USP), Brasil 2001 Bienal Barro de América, Museu Alejandro Otero,

Venezuela 2000 Mujeres de Las dos Orillas, Centre Valencia de Cultura Mediterránea,

Valencia, España 1997 Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo

(MAM- SP), Brasil 1997 1a Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil.

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ÁNGELA BONADÍES (Caracas, Venezuela, 1970)

JUAN JOSÉ OLAVARRÍA (Valencia, Venezuela, 1969)

Ángela Bonadies (Caracas, 1970) es una artista cuyo trabajo fotográfico se centra en la

memoria, el archivo, la visibilidad e invisibilidad de estructuras culturales, el espacio

urbano como mapa histórico y en pensar la imagen fotográfica desde la fotografía. Entre

sus exposiciones recientes están A Universal History of Infamy en el LACMA (Los Angeles

County Museum of Art) y en 18th Street Arts Center, Santa Monica, USA; West Side en la

galería Abra Caracas; Bonadies + Caula: Cartografías de un territorio compartido en el

Centro de Historias de Zaragoza (PhotoEspaña 2015); Translocacions en Centre d'Art

Santa Mònica, Barcelona, España; Die Bestie und ist der Souverän (La bestia es el

soberano) en el WKV (Württembergischer Kunstverein Stuttgart), Alemania y en el

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MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona), España; The white elephant en la

galería After-the-butcher, Berlín, Alemania; El tormento y el éxtasis en Es Baluard Museu

d'art modern i contemporani de Palma, Mallorca, España; Magical (un)Real: Entranced

Land en Momenta Art. Brooklyn, USA, y Global Activism en ZKM (Zentrum für Kunst und

Medientechnologie), Karlsruhe, Alemania.

En el verano de 2012 dirigió el taller De la autoconstrucción a las comunidades cerradas

en la Escuela de Verano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, junto a

Antoni Muntadas y Juan José Olavarría. En la Trienal de Investigación de la Facultad de

Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela 2014 impartió el taller

Proyecto Inverso. En julio de 2015 dictó el taller Estructuras de excepción en Barcelona,

España, en el marco de Translocaciones, coordinado por la plataforma Idensitat, y en julio

de 2016 culminó el proyecto con una residencia en Homesession y la exposición de los

participantes del taller. En julio de 2017 dictó el taller Zona Intermedia, organizado

también por Idensitat, en Fabra i Coats, Barcelona.

Ha recibido diversos reconocimientos. En 2011 recibió el Best Architecture and

Landscape Projects de la revista Polis y el DomusWeb Best of Architecture por el proyecto

La Torre de David, en 2016 recibió la Residency Award en 18th Street Arts Center

otorgada por el LACMA, en 2017 la Beca Latinoamericana Experimenta-Sur, Bogotá,

Colombia y la Artist Residency Program, Goethe-Institut Salvador-Bahia/Vila Sul, y la Beca

MAEC-AECID por la Real Academia de España a Roma prevista para el 2018, entre otros.

Juan José Olavarría es un artista multidisciplinario. Se desenvuelve entre el mundo del

arte y el activismo comunitario. Ha participado en exposiciones, salones, bienales

nacionales e internacionales de artes visuales, conferencias, charlas, foros, proyectos

comunitarios, multimedia y teatros. Educador popular en sectores urbanos de la región

capital. Fue miembro del Grupo Provisional (1997), colectivo de creadores con el que

participó en varias experiencias de creación realizadas en espacios académicos,

comunitarios, productivos y artísticos.

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Entre sus exposiciones individuales, se pueden mencionar de 2008 Me cambio el nombre,

Periférico Caracas Arte Contemporáneo y Centro documental (projecte en procés), Sala

Mendoza (Caracas, Veneçuela); de 2010 Mata que dios perdona, El Anexo / Arte

Contemporáneo (Caracas, Veneçuela), de 2014 After the butcher (Berlín, Alemanya).

Ha participado en numerosas exposciones col·lectives, de las cuales las más recientes son

en 2015 La bestia y el soberano, MACBA Museu d´Art Contemporani de Barcelona y WKV

Stuttgart, (Alemanya), Colectiva, El Anexo Arte Contemporáneo, Caracas (Veneçuela); en

2016 América, Henrique Faria, Buenos Aires (Argentina); Cremar les naus, ADDAYA

Centre d’Art Contemporani, Alaró y Auditòrium Sa Màniga, Cala Millor (Espanya); Plan de

evasión, ArteBA Project Room, La Tunca Fundación. Buenos Aires (Argentina); LA

SITUACIÓN 2016: De lo que no se puede hablar hay que hablar, Facultad de Bellas Artes

de Cuenca (Espanya), Odeón, ADDAYA Centre d’Art Contemporani, Alaró (Espanya) y

Espacio Odeón, Bogotá (Colombia); Untitled, ART Henrique Faria Buenos Aires, Miami (FL.

USA); The Global South: Visions and Revisions, selections from the Brillembourg Capriles

Collection. Mana Wynwood, Miami (FL, USA); de 2017 Onomatopeyas visuales de tiempos

difíciles, Carmen Araujo Arte, Caracas (Veneçuela); Arte + Contexto, El Anexo / Arte

Contemporáneo, Caracas (Veneçuela); Anti-Readymade, Espacio monitor, Caracas

(Veneçuela). También lleva a cabo el proyecto La torre de David, juntamente con Ángela

Bonadies, y presentado en Caracas, Nova York, Madrid, Rio de Janeiro, Espanya... dentro

de este proyecto, actualment en curso, se engloba El Elefante Blanco.

La Torre de David gira entorno al edificio que lleva su mismo nombre, cuya problemàtica

se puede extrapolar a la situación venezolana. En el 1990 David Brillembourg, presidente

del consorcio financiero venezolano Confinanzas, decidió levantar una torre en Caracas,

un rascacielos de más de 40 pisos cuyas fachadas eran de vidrio, coronado por un

helipuerto: el tercer edificio más alto de Venezuela ─después de las dos torres del Parque

Central─ y el octavo de Latinoamérica. Brillembourg pertenecía a un grupo de

empresarios que, gracias al boom bursátil de los años 80, había amasado una fortuna

impresionante, parte de la cual decidió invertir en un proyecto urbanístico, junto con

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otros banqueros, que convertirían esa zona central de Caracas en un bulevar financiero

al estilo de Wall Street.

Él fue llamado el “Rey David” de las finanzas venezolanas y por eso su torre fue bautizada,

desde el inicio de su construcción, como “La Torre de David”. El 1993 el empresario

muere y en 1994 Confinanzas quiebra, junto a un numeroso grupo de entidades bancarias

que sufrieron las sanciones ejercidas por el gobierno de Rafael Caldera. Ese mismo año

se paraliza la construcción de “la torre”, que queda incompleta.

Los años siguientes “la torre de David” quedó suspendida en un vacío legal, hasta que

cayó en manos de una institución del Estado, Fogade, que la puso en subasta

internacional a finales de los 90, sin recibir oferta alguna o al menos sin concretarla. A

partir del año 2000 la torre abandonada empezó a ser saqueada: le arrebataron una

buena parte de los vidrios para obtener el marco metálico que podía ser vendido y

reciclado. La torre se deterioró frente la mirada, bastante apática, de la población de

Caracas, excepto por la de los vecinos de la zona, que sufrían en directo los problemas

que generaba la gigante y olvidada construcción. Lo que prometía ser un proyecto

modernizador que impulsaría el precio de los terrenos y casas de la zona circundante (el

barrio Sarría, por ejemplo, poblado por gente de baijos recursos) se convirtió en un

problema más, empinado e inabarcable. La torre devino ruina contemporánea en una

década. El ruido de los vidrios de las fachadas al caer se recuerda en la zona como un

bombardeo, la evidencia sonora de una guerra económica por la supervivencia que se

pretendía silenciar desde las instancias del poder.

En el año 2007 una serie de familias e individuos, instados por la necesidad y por la falta

de respuesta por parte del Estado, se organizaron para ocupar la torre y construir adentro

sus casas. En el 2013 los “ocupas” eran alrededor de dos mil quinientos y se amparaban

bajo la figura de la cooperativa habitacional “Casiques de Venezuela”. Así, con “s”.

El 2014 se inicia la desocupación de la Torre de David y nadie sabe, con certeza, a qué

intereses responde. Se ha hablado de su compra por parte de una empresa china y

también de la posibilidad que el gobierno la utilice para establecer allí un ente público.

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Esta investigación está en curso, pero tiene una gran cantidad de obstáculos. Esperamos

que se vacíe el camino ante los múltiplos y complejos intereses políticos y económicos

del gobierno.

De alguna manera, “la torre de David” es un icono que representa los últimos 30 años de

Venezuela: de la promesa modernizadora desde el capital, a la promesa revolucionaría

desde el Estado. También, extendiendo el concepto, la torre es la imagen de nuestro

proyecto moderno, que estalla con el contraste de situaciones pre y post modernas. Es

un relato que vulnera los límites entre ficción y realidad y entre significados tan básicos

como amparo-desampara, seguridad-inseguridad, pared-cortina, ventana-vacío.

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AZAHARA CEREZO (Girona, España, 1988)

Azahara Cerezo es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Autónoma

de Barcelona y Máster en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Politécnica de

Valencia. Ha sido residente en 1646 (La Haya, Holanda), Flax Art Studios (Belfast, Irlanda

del Norte) y MoTA (Liubliana, Eslovenia), entre otros. Ha expuesto recientemente en The

frame that blinds us (APA Gallery. Budapest, Hungría), In search of Thomas Pynchon

(Nieuwe Vide. Haarlem, Holanda), Especies de espacios (MACBA. Barcelona), Art in

resistance (Munich, Alemania) y The culture of ageing (St James Cavalier. Valletta, Malta).

Actualmente trabaja con la galería ADDAYA (Alaró, Mallorca).

Azahara Cerezo aborda contradicciones en la singularidad del territorio y relaciones de

in/visibilidad entre formas urbanas, procesos globalizadores y herramientas técnicas.

Estrategias de reapropiación y desplazamiento son utilizadas para la configuración de

acciones -a menudo online-, vídeos experimentales e instalaciones. Sus proyectos se

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vinculan con frecuencia a la producción en contexto en residencias artísticas y a la

colaboración con otros artistas y agentes culturales.

En Paisajes digitales de una guerra explora los mensajes políticos en muros y superficies

captados por Google Street View en diferentes escenarios relevantes de la Guerra Civil

española. En este caso, se trata de seis imágenes extraídas de Ciudad Universitaria

(Madrid), línea defensiva republicana durante el conflicto español; la zona del puerto de

Cartagena (Murcia), desde donde huyó la flota republicana y parte del casco antiguo de

Pamplona (Navarra), rápidamente controlado por el bando sublevado. Junto a las

imágenes, una pantalla LCD muestra coordenadas de las mismas áreas donde también

pueden encontrarse este tipo de mensajes, dando lugar a una suerte de inventario

geográfico en proceso.

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DAVID CRESPO (León, España, 1984)

Licenciado en Bellas por la Universidad de Vigo, Máster de fotografía en la escuela EFTI

de Madrid y Master de Creación, Arte e Investigación de la Universidad Complutense de

Madrid. Trabaja en diferentes ámbitos del arte contemporáneo, a la vez que en áreas de

educación y formación en arte. Sus proyectos han estado presentes en museos, galerías,

ferias y festivales nacionales e internacionales como la Casa Encendida de Madrid, el

Palais de Tokyo de París, Matadero Madrid, Seoul Art Space Geumcheon, Bèlit Centre

d'Art Contemporani de Girona, TEA Tenerife Espacio de las Artes, NGBK de Berlín,

ADDAYA Centre d'art contemporani de Alaró, Galería Cero en Madrid, Galería RDV de

Nantes, Photoespaña en Madrid, Goethe Institute de Barcelona, Centro de Arte de la

Complutense de Madrid, Fabra i Coats en Barcelona, Swinton & Grant en Madrid, Ingravid

Festival en Figueras, Dados Negros en Villanueva de los Infantes y Storm And Drunk en

Madrid entre otros. Ha sido otorgado con diferentes premios y becas como la Residencia

AC/E – Hangar - SAGS Corea 2017, Generación 2017, Participar.de, Propuestas de la

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Vegap, Intransit, y seleccionado en convocatorias como el Premi Ciutat de Palma o el

Miquel Casablancas entre otros.

“Trabajo en proyectos artísticos atravesando disciplinas y conceptos, abordando temas

relacionados con el empoderamiento social sobre el territorio. A través de mis proyectos,

construyo instalaciones o recreo escenarios físicos con la intención de reinventar y lanzar

una mirada crítica sobre el entorno.

Mi interés por temas presentes en el día a día, hace que mucho de mi trabajo gire

alrededor de cuestiones que refieren a lo lúdico, punto de partida desde el cual pretendo

generar alteraciones de la realidad, reformulando las reglas y las estructuras que las

sostienen, para desarrollar nuevos conceptos y también como forma de hacer política.

Por medio de la acción, la experimentación, la participación colectiva, el happening, el

juego o la ironía voy definiendo las formas de los proyectos, priorizando la experiencia y

el factor social.”

En #lifeafteraangnam, presenta el proyecto “Life After Gangnam”, realizado los meses de

abril, mayo, junio y julio en la ciudad de Seúl, con una beca en colaboración entre

Hangar.org, Acción Cultural Española y Seoul Art Space Geumcheon.

La exposición se compone por cinco piezas, cuyo conjunto marca un recorrido por

diferentes puntos de la cultura coreana. Tomando como punto de partida la canción

“Gangnam Style” del rapero surcoreano PSY, la exposición aborda temas como la cultura

K-pop o la gran presencia de las “claw machines” en la ciudad, al mismo tiempo que hace

referencia a su historia más reciente con los Juegos Olímpicos del 88 y a su cultura más

tradicional a partir de la “jjimjilbang”. Estos temas le sirven al artista para exponer

problemáticas sobre la competitividad coreana, el capitalismo sexista, el terreno de juego

como territorio político, el espacio privado y el azar.

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IGNASI PRAT ALTAMIRA (Sant Esteve de Palautordera, España, 1981)

Ignasi Prat (Sant Esteve de Palautordera, 1981). Master en producción e investigación

artística por la Universidad de Barcelona, licenciado en bellas artes por la Universidad de

Barcelona, postgraduado en fotografía por IDEP (Escuela Superior de Imagen y Diseño),

graduado superior en fotografía por la Escuela GROC y especialista en fotografía de viajes

y de autor para IEFC (Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña). Partiendo de

motivaciones políticas y temas de mi interés, mi trabajo propone un discurso político-

estético que conjuga la conciencia de la teoría cultural y el dominio de la práctica

fotográfica, concretándose principalmente en producciones seriadas, aunque hace uso

puntual de la instalación, reapropiación de imágenes, intervenciones en el espacio

público o vídeo. Ha obtenido becas de BCNProducció-La Capella, Vegap, Sala d’Art Jove,

Can Felipa Arts Visuals, UNZIP del Prat de Llobregat o del Archivo Comarcal Urgell y

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galardones como el premio visionados del festival Photoalicante, el Premio de Artes

Plásticas Ciudad de Manacor , Jeune Creation Europeenne Biennale, el primer premio en

fotografía del Certamen Pancho Cossío de Santander, segundo premio Certamen Joven

de Artes Plásticas de Granada, tercer premio Certamen de Artes Plásticas Diputación de

Ourense o el premio nacional de fotografía Valencia Crea. Actualmente esta

representado por la galería ADDAYA y ha sido incluido en la publicación Arte español

contemporáneo (1992-2013), editada por La Fabrica bajo la dirección de Rafael Doctor.

Su Trabajo En un lugar preferente toma las cuatro primeras palabras del artículo 85.2 RD

2568/1986 (aquel que obliga a tener un retrato del rey en los salones de plenos) para

poner nombre a un proyecto que utiliza la fotografía como soporte a una actividad de

arqueología de la imagen, que se adentra en los consistorios para dar cuenta de los

retratos de Estado de Felipe VI y los espacios que los enmarcan. El proyecto se completa

con la recopilación de documentos relacionados con el gasto económico que generan

estas imágenes, tales como bases de concursos para escoger un retrato del rey, facturas

de los retratos así como artículos de prensa que se hacen eco del coste de estos retratos.

En su conjunto, todo este material, se constituye como contra-relato de poder que tiene

la finalidad de denunciar cuestiones como la vigencia del culto a la personalidad a través

de la imagen física, la permanencia del uso del impacto del fasto como función política o

la perversión que supone el gasto de dinero público en la construcción de una imagen

que celebra la imposición de una minoría poderosa sobre la mayoría impotente. Por

extensión, el trabajo también predispone a una reflexión sobre temas como el uso y el

poder de estas imágenes, sobre cómo se construye la imagen del nuevo monarca o el

mensaje que se desprende de ella.

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