CURSO DE FOTOGRAFIA

Luiz Felipe Silva Louro

FOTOGRAFIA PUBLICITÁRIA E STILL

Monografia apresentada como Trabalho de

Conclusão do Curso de Fotografia na

Escola Focus, 2016.

CAMPO LIMPO PAULISTA – SP

2017

DEDICATÓRIA

Dedico esse trabalho a minha família,

aos meus entes queridos, aos meus professores

e a todos envolvidos, inclusive aos meus colegas de turma.

CAMPO LIMPO PAULISTA – SP

2017

AGRADECIMENTOS

Agradeço a todos que me acompanharam

e me incentivaram desde o começo, possibilitando

a conclusão desse trabalho.

CAMPO LIMPO PAULISTA – SP

SUMÁRIO

RESUMO............................................................................................................ 5

ABSTRACT ........................................................................................................ 6

INTRODUÇÃO ................................................................................................... 7

1. O QUE É FOTOGRAFIA DE STILL LIFE .................................................... 8

1.1 História do Still life ................................................................................ 11

1.1.1 Estúdios para Still ............................................................................. 14

1.1.2 Composição de luz para still ............................................................. 17

2. O QUE É FOTOGRAFIA PUBLICITÁRIA ................................................. 20

2.1 História da fotografia publicitária .................................................... 23

3. OS MELHORES FOTÓGRAFOS PUBLICITÁRIOS ................................. 31

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS ................................................................ 59

RESUMO

Esta monografia tem como base a publicidade, mais especificamente a fotografia

publicitaria e Still Life, falando sobre seus princípios, técnicas básicas,

equipamentos necessários para realização de uma boa foto de Still, sua origem

e história etc. Todos os assuntos tratados ao decorrer desta monografia terão

imagens para serem retratados, além de possuir breves biografias de fotógrafos

que tiveram êxito e fizeram seu nome e carreira na fotografia publicitaria.

Parte desse trabalho tem como objetivo mostrar como a fotografia publicitaria

está presente em nossa vida, mostrando suas belezas e características únicas

que definem esse estilo fotográfico, mostraremos também a revolução causada

desde a sua criação até os tempos atuais.

Sobre o mercado passaremos suas perspectivas, honorários além de tendências

atuais e principais áreas de atuação.

ABSTRACT

This monograph is based on advertising, more specifically advertising

photography and Still Life, talking about its principles, basic techniques,

equipment necessary to realize a good photo of Still, its origin and history, etc.

All the subjects treated during this monograph will have images to be portrayed,

as well as brief biographies of photographers who have succeeded and made

their name and career in advertising photography.

Part of this work aims to show how advertising photography is present in our life,

showing its beauties and unique characteristics that define this photographic

style, we will also show the revolution caused from its creation to the present

times.

About the market we will pass on your prospects, fees in addition to current

trends and key areas of activity.

INTRODUÇÃO

Primeiramente vamos esclarecer a diferença entre Publicidade e Propaganda e

conhecer alguns conceitos básicos sobre cada um desses campos. Há muita

confusão com as palavras "propaganda" e "publicidade" e algumas pessoas

chegam a empregá-las como se fossem sinônimos.

Basicamente, diferenciar os termos publicidade e propaganda é simples.

Publicidade é quando tornamos público ou divulgamos uma ideia, sem que isso

implique necessariamente em persuasão de quem recebe essa ideia.

A propaganda busca divulgar um produto ou serviço para que o consumidor o

conheça e objetiva induzir o consumidor a comprar o produto ou serviço. Além

disso, a propaganda atua através dos meios de comunicação (rádio, TV, cinema,

imprensa, outdoors, Internet, etc.), veiculando mensagens sobre produtos ou

serviços para diversos campos do mercado.

A fotografia se insere na publicidade da seguinte maneira:

A fotografia publicitaria é a fotografia especialmente produzida para a difusão

comercial de um produto, independente do suporte escolhido pelo anunciante,

que tanto pode ser a mídia impressa - jornais, revistas, cartazes, outdoors, ou

folhetos - quanto audiovisual e anúncios transmitidos pela televisão ou pelo

cinema. Na fotografia publicitária, de modo geral, a concepção prévia da imagem

é esboçada pelo diretor de arte da agência que detém a conta do cliente em

questão e a tomada da foto é respaldada na atuação de um produtor que reúne

o material necessário, podendo inclusive chegar a organizar pessoalmente os

elementos constitutivos da composição. Nestes casos, estes profissionais

podem ser legitimamente considerados como parceiros do fotógrafo na

realização da fotografia final

Fotografia Still Life

A fotografia de produtos, mais conhecida no meio como fotografia Still Life,

coloca em teste a criatividade e as técnicas de uma fotógrafo. Nesse tipo

de produção, o fotógrafo tem que ter controle total sobre o objeto, tanto na luz

quanto em sua composição, sendo bem realizada a foto dá um valor especial ao

produto.

1. O QUE É FOTOGRAFIA DE STILL LIFE

O still life não deve ser considerado a princípio como apenas uma foto comercial.

Todo still pode ser uma foto comercial, mas o inverso não funciona. Na maior

parte das vezes ele traz uma mensagem, mas há casos em que pode, apenas,

mostrar algo, sem um recado específico e é facilmente encontrado nos bancos

de fotos, é a foto conceitual em que a imagem pode se adequar a assuntos

diversos como uma reportagem, o texto de uma crônica, ou uma apresentação

como nas taças a seguir.

Seguindo uma tendência natural, o still evoluiu também como expressão artística. Com isso ele pode produzir uma natureza morta, um arranjo de joias, de ferramentas e o que a criatividade escolher, sendo que hoje já não é surpresa encontrá-lo em certas galerias, como obra de arte (fine art) e a um bom preço.

Como foto de produtos o still sempre foi imbatível e atualmente tem sido bastante usado para popularizar uma atividade que está na moda: a gastronomia! Tornou-se, inclusive, uma especialidade com profissionais se destacando no setor, que vem se firmando junto a bares, restaurantes e grandes empresas de fast-food, com fotos de divulgação.

O e-commerce também tem sido um usuário constante, com fotos de joias, roupas e objetos à venda pela Internet.

Alguns exemplos:

Still, Gastronomia.

Still,Gastronomia.

Still, e-commerce

Produção de fotos de still não requer equipamentos sofisticados. Muito embora haja mesas especiais, com suportes para spots, na maior parte das vezes uma folha de cartolina presa à parede com fita gomada, fazendo uma leve curva, criando o efeito de fundo infinito onde não se tem a noção do vertical e do horizontal, com uma lâmpada lateral a 45º e um rebatedor é o bastante.

Esquema de produção para fotografia de Still em estúdio.

Exemplo de mesa para Still ‘’ caseira ‘’.

1.1 História do Still life

A fotografia de Still life se originou de um estilo de pintura chamado natureza morta, em quem é retratado seres inanimados (sem vida), como louças, moveis, joias, frutas, legumes, flores, metais dentre tantos outros objetos existentes.

Esse gênero artístico de representação surgiu na Grécia antiga, além de estar presente em murais e afrescos encontrados nas ruinas da cidade de Pompéia.

O séc. XVII trouxe o independência da natureza morta, com o conceber do quadro de cavalete votado ao tema, que foi dividindo em diversas categorias: flores, frutos, caça, etc. Poderá afirmar-se que a pintura a óleo sobre tela, contribuiu também para o desenvolvimento do gênero, pois permitia uma pintura mais detalhada e realista, nomeadamente ao nível das texturas e tonalidades. Apesar de serem os Países Baixos que maior protagonismo deram a este tema, uma das primeiras naturezas-mortas autónomas conhecida é a Cesta de fruta de Caravaggio. Em Portugal, também no séc. XVII, por forte influência da arte espanhola, e nomeadamente de Sevilha, surgiram dois importantes pintores de natureza morta, Baltazar Gomes Figueira e sua filha Josefa de Óbidos.

Obra de Baltazar Gomes Figueira.

Obra de Josefa de Óbidos.

Com o nascimento das Academias, também no século XVII, a natureza morta foi considerada um género inferior, nomeadamente quando tratada como um tema independente. Segundo a hierarquização dos géneros, ficavam em primeiro lugar os assuntos históricos e religiosos, depois os retratos, as pinturas de género, e, por fim, as paisagens e as naturezas mortas. No entanto, no séc. XVIII, Chardin, pintor francês que cultivou o tema da natureza morta (além de temas de género), adquiriu o título de grande mestre. Só depois do Romantismo, já no séc. XIX, a natureza morta começou a alcançar um lugar de maior importância no seio da arte académica. A partir de então de acordo com sua evolução, vemos presente forte influência dessa técnica de pintura nas obras fotográficas de Still life moderno.

1.1.1 Estúdios para Still

Para a realização de uma fotografia de Still Life são necessários equipamentos específicos e um local adequado, que seria o estúdio de still.

Existem três tipos de estúdio para Still, o mini estúdio (Pop Up), mesa para Still, e o estúdio profissional.

Exemplos mini estúdio (Pop Up).

O Estúdio Portátil Pop UP Studio irá lhe proporcionar uma excelente iluminação para fotografia still, é ideal para fotografar pequenos produtos e para quem procura uma solução portátil.

Sua forma de instalação e montagem é pratica e rápida, quando desmontado fica em formado de maleta, sendo possível carregar através de uma alça de tecido embutida. Sua medidas montados são de 36 cm de largura, 32 cm de profundidade e 37 cm de altura, quando desmontado em formato de maleta ele mede 35 cm x 35 cm x 2 cm. Produzido com resistentes paredes plásticas pesa apenas 580 gramas. Acompanha três cores de fundo infinito em papel, branco, preto e verde. Conta com 54 LEDs através de uma régua tripla, e uma temperatura de cor de 6000k, o que é ideal para fotografia de produtos, pois não altera a cor do objeto fotografado.

Mesa para Still

A mesa para Still é mais uma forma que temos para fotografar produtos, ela possui quatro braços articulados, interruptores individuais para cada iluminador acoplado a mesa, 4 iluminadores com soquetes e 27 lâmpadas incandescentes ou fluorescentes.

A mesa ainda conta com um fundo de placa de poliestireno branco leitoso e pode ser desmontada.

Exemplos de mesa para still.

Estúdio para Still

Muito semelhante com a mesa de still o estúdio para o mesmo, conta com

quatros flashes profissionais de estúdio, localizados em volta da mesa, e ainda

rebatedores, snoot, soft box para diversificação da luz.

Exemplo estúdio de still e equipamentos.

Estúdio snoot

Rebatedores

Soft box Snoot

1.1.2 Composição de luz para still

É importante ao fotografar para Still ter controle sob a manipulação da luz de

modo que consigamos um resultado mais próximo o possível da realidade na

foto executada.

Ao executar devemos prestar atenção em alguns pontos importantes como, o

tipo de luz e sua direção pois isso no resultado final da foto faz uma diferença

marcante. Podemos também usar a luz natural do dia que passa por uma janela

deixando o local bem arejado, ou podemos também usar uma luz artificial.

No Still é importante que a luz exerça funções maiores que apenas iluminar que

são:

Fazer profundidade.

Textura.

Cor correta em relação.

Todos os aspectos em relação ao produto.

Não produzir reflexo.

Exemplo.

Incorreto.

Correto.

Como dito acima a luz deve fazer com que a cor do produto permaneça

fiel ao objeto, em alguns casos a corto da fotografia pode mudar

totalmente em outros apenas a tonalidade.

Exemplo.

Correto.

Incorreto.

Mais um desafio de se fotografar still e quando se trata de fotografar

objetos com propriedades reflexivas como metais, vidros, cristais, joias,

pedras preciosas.

Mas se fotografo sabe manipular a luz essa tarefa pode ser facilmente

resolvida, eliminando pontos de luz desnecessários e reflexos

recorrentes.

Existem diversos métodos para se fotografar um objeto um objeto

translucido (vidro, cristais etc).

Mas o método mais interessante é iluminar o objeto por trás, este método

é chamado de “retro iluminação”, e causa uma composição muito mais

harmoniosa em relação a aparência do objeto fotografado.

Exemplo.

Composição correta.

Composição incorreta.

Como já dito existem diversos objetos que possuem propriedades de

causam reflexo, um exemplo de objeto que também merece um cuidado

a mais ao ser fotografado são óculos de sol e metais (joias).

Nesse caso o que precisamos fazer para eliminar o reflexo é rebater a luz

criada ao iluminar o objeto e com isso dissipar a luz de forma que fique

mais suave.

2. O QUE É FOTOGRAFIA PUBLICITÁRIA

A fotografia publicitária é a fotografia especialmente produzida para a difusão

comercial de um produto, independente do suporte escolhido pelo anunciante,

que tanto pode ser a mídia impressa (jornais, revistas, cartazes, outdoors ou

folhetos), quanto audiovisual, como os anúncios transmitidos pela televisão ou

pelo cinema. Na fotografia publicitária, de modo geral, a concepção prévia da

imagem é esboçada pelo diretor de arte da agência que detém a conta do cliente

em questão e a tomada da foto é respaldada na atuação de um produtor que

reúne o material necessário, podendo inclusive chegar a organizar pessoalmente

os elementos constitutivos da composição. Nestes casos, esses profissionais

podem ser legitimamente considerados como parceiros do fotógrafo na

realização da fotografia final.

Como já foi dito, a fotografia publicitária tem o objetivo e a função de vender um

produto ou propagar uma ideia, que é responsável por atribuir importância ao

tema trabalhado, ou seja, é preciso que o fotógrafo conheça o assunto para

registrar as principais características do produto.

No mundo da fotografia publicitária, a imagem tem a função de fazer com quem

um interesse ao consumo seja despertado no público alvo em questão, para que

o anunciante tenha lucro.

A imagem publicitária pode trazer um artista ou até mesmo um personagem e

um logo como formas de atrair o público e consequentemente, aumentar as

vendas.

Exemplos de personagem:

Propaganda da Fanta

Personagem do Mc Donald’s

Exemplos de artistas:

Propaganda de Neymar Jr. para a marca de shampoo Clear.

Propaganda de Anderson Silva para a rede Burger King

2.1 História da fotografia publicitária

Primeiros registros da utilização de fotografia para fins

publicitários é datado de 1808.

Mesmo sem uma data certa sabe-se que o uso da fotografia para

substituir a ilustração se deu no brasil em meados de 1930 de

forma gradativa pois não existiam fotógrafos especializados, e a

linguagem precisava ser definida e difundida.

No início a fotografia publicitária era feita com a ausência de

conceitos que caracterizam a fotografia publicitária atual.

As fotos produzidas para fins publicitários eram feitas a partir do

modelo norte americano, trazido pela multinacional General

Motors que trouxe sua própria equipe de propaganda para o

Brasil.

De início os conceitos existentes na fotografia publicitaria atual

não eram existentes.

Como já dito a grande função da fotografia publicitaria é vender m

produto, porem no começo os anúncios publicitários eram feitos com

ausência de imagem.

Exemplo propaganda apenas com texto:

Exemplos anúncios publicitários com ilustração:

Aqui temos dois anuncios publicitários abons ilustrados mas um já apresenta

cores em seu layout.

Nos primordios da fotografia publicitaria não existiam fotografos especializados,

contanto eram uasadas tecnicas como retrato e paisagem, e composiçoes de

naureza morta. Assim os fotografos apesar de não serem especializados se

adptavam ao movimento.

Diante dos beneficios trazidos pelos anuncios publicitarios ilustrados foi criado

grande fascineo, evoluindo para o nivel visto nos dias de hoje.

Hoje podemos observar a fusão das tecnicas entre a fotografia como reprodução

real, e a ilustração em uma mesma campanha.

Exemplo campanha baseada em fotografia para passar o realismo do produto:

Exemplo fotografia mais ilustração:

Propaganda moderna com foto

Uma das maneiras de se causar um impacto na sociedade através de fotos,é

disponibilizando fotos que simbolizem o modelo de familia, bem estar e natureza.

Esses tipos de imagens foram disponibilizadas a partir de arquétipos que a

publicidade ao longo do tempo conseguiu criar baseando-se no gosto e

expectativas dos consumidores.

Propaganda da marca Belvíta.

Propaganda da Coca-Cola com modelo tradiconal de família.

Através da ECO (1968) são apontadas seis funçoes para discurso criadas por

Jakobson que podem influencias no resultado final. Que são:

Referencial

Emotiva

Fática

Estética

Metalinguística

Imperativa

Na fotografia poder ser encontrada mais de uma dessas funções ou até

mesmo todas englobadas.

A publicidade não é apenas formada por imagens mas sim por um conjunto

que inclui:

Ideia

Conceito

Perspectiva

Imagem

Palavras

Textos com temas específicos

Particularidades

Para que uma publicidade alcance seu objetivo, é necessário que o

conjunto de texto e imagens sejam bem trabalhadas.

No que se diz respeito a imagem podem ser encontrados vários níveis de

codificação, são eles: O tropológico, iconográfico, tópico, icônico e

entimemático.

No nível icônico temos algumas características que representam algo sem

que nos perguntemos o porquê.

Como em anúncios de bebidas com relação a percepção: suor ou cubos

de gelo para indicar que a bebida esta gelada.

Outro fator influenciável são as cores usadas nos anúncios que agem

diretamente em conjunto com fator percepção. Exemplo disso temos a cor

vermelha que simboliza a fome e a cor amarela a sede.

Principais técnicas utilizadas

Briefing

Briefing é um conjunto de informações e instruções que serve como um primeiro rascunho do que está sendo requerido. A indústria fotográfica trabalha com esta ferramenta para otimizar a realização do serviço.

Funciona da seguinte maneira: O cliente sabe o que quer com a campanha que está solicitando e, por isso, passa tudo para agência, que vai desenvolver o trabalho. A intermediadora organiza as principais ideias passadas dentro do briefing, que será usado, durante toda a campanha, como direcionador do trabalho.

A primeira coisa que o fotógrafo terá de uma campanha é este arquivo. Nele constarão dados, como:

Cliente; Produto ou ideia central; Público-alvo; Veiculação (meio de divulgação da foto, site, revista, outdoor, etc.) Em alguns casos, o escopo, o modelo, a ser seguido ou incrementado.

Usar objetivas ajustadas a cima de 55mm e no modo manual. Manipulação da luz isso inclui:

Uso de uma luz direta ou difusa. Uso de rebatedores, nas cores brancas e pratas para refletir e preencher

a luz, e pretas para realçar o contorno e as linhas do objeto em questão. Posicionamento de flash de estúdio.

Intensidade do flash.

Luzes artificiais coloridas para criar efeitos.

Flash em segunda cortina.

Light Paint.

Sempre fotografar em raw ou raw+jpeg

Técnica splash: é o nome dado à técnica de fotografia na qual se utiliza

o flash para congelar o movimento da água no momento exato da queda

de algum objeto nela.

Fundo infinito (O Fundo Infinito pode ser feito de diversos tipos de materiais (TNT, tecidos, borracha, pintura na parede e etc.) e é utilizado para diminuir o efeito de profundidade, cantos e espaços que possam comprometer a imagem. Dentre os materiais que constituem o Fundo infinito já mencionados, o mais comum entre elas é o de algodão. Sua textura leve e suave permite que você crie um espaço incomensurável entre o objeto a ser fotografado e a base.

Já o Fundo Infinito feito de TNT tem uma tessitura ainda mais leve e geralmente é vendido em cores mais escuras, para efeitos mais “dark” ou como complemento de outros fundos em seu estúdio fotográfico. Os que aderem à pintura em parede têm problemas por comodidade por não

poder mover quando preciso e assim, nem sempre alcançam o efeito infinito que procuram).

Edição das fotos, corrigindo a luz, saturação, balanço de branco se for preciso e imperfeições.

3. OS MELHORES FOTÓGRAFOS PUBLICITÁRIOS

Alexandre Rielo

Alexandre Rielo, nasceu em 1970, natural da cidade de São Paulo. Iniciou sua

vida profissional como assistente de fotografia em 1988. Em 1995, montou seu

próprio estúdio fotográfico no bairro de Vila Madalena, em São Paulo, onde está

até hoje.

Atua em diversas áreas, mas tem se destacado com trabalhos publicitários

produzidos para clientes como, Nestlé, Goodyear, Sony, AACD, Banco

Bradesco, Santander, Citibank, Itaú, Banco Real, Credicard, Ericsson,

Telefônica, Brasiltelecom, Johnson e Johnson, Cinemark, Abev, Aché

Laboratório, Faculdade Uninove, Governo do Est. De São Paulo, kiss FM,

Penalty, Asics, Electrolux do Brasil, Café 3corações, entre outros.

Atende grandes agências de comunicação, gravadoras e Editoras. Para Editora

Abril, por exemplo, colaborou em capas de diversas publicações mas

principalmente da Revista Veja.

Particularmente, desenvolve, desde 2003, um trabalho sobre pequenas igrejas,

históricas ou não, de vilas caiçaras entre a região de Paranaguá até o Litoral

Paulista. Embarcações, brinquedos e brincadeiras e escadas em detalhe são

outros temas escolhidos e retratados.

Du Ribeiro

Eduardo Ribeiro Pereira Fotógrafo. Desde 1965, é especializado em fotografia

publicitária, área em que atende às melhores agências de publicidade de São

Paulo, Rio de Janeiro e Porto Alegre, fotografando automóveis, still life, produtos

com gente, culinária, fotos aéreas, relatórios de diretoria. Além dessas

especialidades é fotógrafo-ensaísta, com participação em exposições e

concursos de fotografia no Brasil e no exterior. Dá aulas e seminários, é editor

de fotografia e livros. Possui trabalhos em acervo de museus. Fundador em 1984

da Abrafoto, torna-se presidente por três gestões e hoje é seu diretor-tesoureiro.

Foi membro do conselho diretivo de clientes da Kodak, do Conselho da União

dos Fotógrafos, do Conselho da NAFoto e colaborador da revista Iris.

Alexandre Salgado

Alexandre Salgado, brasileiro, fotógrafo publicitário. 25 anos no mercado.

Formação: formou-se na Faculdade da Cidade em Jornalismo Áudio visual e

recebeu o prêmio Conrado Wessel de primeiro lugar, com o trabalho para DPZ.

Estudou nos cursos do americano Richard Welton e do belga Michel Aertsens,

especialistas em still life. De 1981 a 1984 executou trabalhos para teatro e

cinema, atuando como still, produtor e diretor. A partir daí, iniciou na publicidade

e trabalha desde então para agências do Rio de Janeiro, São Paulo, Porto

Alegre, Curitiba e mais recentemente do Texas (Bromley Communications, JWT,

McCann Erickson, Fischer América, Young & Rubican, DPZ, Talent, Leo Burnett,

DM9 DDB, Artplan, Giovanni FCB, NBS, Ogilvy, Publicis, EURO RSC).

Chico Albuquerque

Francisco Afonso de Albuquerque nasceu na capital cearense em 1917 e

celebrizou-se como um dos pioneiros da fotografia de publicidade no Brasil. Foi

ele quem fotografou a primeira campanha publicitária ilustrada por um brasileiro,

em 1949, para a empresa Johnson & Johnson de São Paulo.

Chico Albuquerque, como é mais conhecido, começou a fotografar cedo, por

volta dos 15 anos de idade, passando a fotografar profissionalmente em 1934,

ainda na cidade natal. Em 1945 mudou-se para São Paulo, abrindo estúdio

próprio no ano seguinte, quando também ingressou no Fotocine Clube

Bandeirante, e desempenhou papel de liderança no movimento fotoclubista

paulistano juntamente com figuras antológicas como Thomaz Farkas, Geraldo

de Barros, Eduardo Salvatore e German Lorca. Ao se aposentar em 1975, Chico

Albuquerque retornou a Fortaleza, mas não parou de fotografar. Muito ao

contrário: montou outro estúdio e permaneceu na ativa e realizou belíssimas

naturezas-mortas com frutas tropicais brasileiras. Destacou-se também como

retratista com a impressionante exposição 130 Fotos de personalidades

paulistanas, realizada na Galeria Fotóptica, em 1982. Seu livro Mucuripe, editado

em 1989, com imagens desta conhecida praia em dois momentos distintos (1952

e 1988) é considerado um clássico do gênero.

Miro

Azemiro de Souza Filho ou Miro, como é mais conhecido, nasceu em 17 julho de

1949, sendo natural de Bebedouro, interior de São Paulo. Aos 19 anos veio para

a capital paulista sem saber o que queria fazer. Encontrou emprego como

laboratorista, virou assistente e logo passou a fotografar. Em 1973 mudou-se

para Paris, onde foi “adotado” pelo diretor de arte Peter Knapp. De volta ao

Brasil, seu trabalho em moda e publicidade virou referência de qualidade no

mercado. Fotografou campanhas para a Lycra, Rhodia e editoriais de moda para

as revistas Cláudia, Marie Claire e Vogue. Raul Cortez, Marília Pêra, a cantora

Maysa, Clodovil e o ex- presidente Juscelino Kubitschek estão entre as

personalidades que posaram para as suas lentes, assim como as tops Gisele

Bündchen e Fernanda Tavares

Klaus Mitteldorf

Klaus Werner Mitteldorf, fotógrafo forma-se em arquitetura em 1979, pela

Faculdade de Arquitetura e Urbanismo Brás Cubas, de Mogi das Cruzes, São

Paulo, mas não exerce a profissão. Inicia-se na fotografia na década de 1970,

como fotógrafo de surfe, trabalhando para as revistas Brasil Surf e Surfing. Na

década de 1980, especializa-se em fotografia de moda e publicidade. Nessa

área, colabora com as revistas Vogue, Elle e Playboy na Europa e no Brasil, e

trabalha para grandes agências de publicidade brasileiras e européias, como

DPZ, Almap BBDO, Lew Lara, J. W. Thompson, Lowe Worldwide e Mc Cann

Ericsson, entre outras. Em 1998, realiza a exposição O Último Grito, na

Pinacoteca do Estado de São Paulo, e inicia uma fase mais experimental de

sua carreira, já reconhecida pelo apuro técnico das fotografias de moda e

publicidade. Entre os vários livros que publica estão: Norami (1989), Klaus

Mitteldorf Photographs (1992), O Último Grito (1998), Katharsis (2001)

e Introvisão (2006). Sua obra tem repercussão internacional e o fotógrafo

recebe diversos prêmios, dos quais vale destacar os três Prêmio Nikon (1980,

1982 e 1986), o Prêmio da Fundação Conrado Wessel de Fotografia (2002), o

3º lugar na Bienal de Arte Internacional de Roma (2008) e o Higashikawa

International Photo Festival Overseas Prize, pelas exposições e os livros O

Último Grito (1998) e Introvisão

Bob Wolfenson

Desde que iniciou sua trajetória profissional, aos dezesseis anos, no estúdio da Editora Abril, o paulistano Bob Wolfenson já trabalhou com os principais gênero fotográficos. E o fez com sucesso, tanto em seu estúdio como em viagens pelo Brasil e mundo afora – tomando café da manhã no salão vazio do Hotel Glória em Caxambu ou pedindo o room service do Copacabana Palace. Uma das referências nacionais como retratista, fotógrafo de nu e de moda, Wolfenson transita entre a publicidade e a arte. Possui obras nos acervos do Museu de Arte de São Paulo (Coleção Pirelli-Masp), do Museu de Arte Moderna de São Paulo, do Museu de Arte Brasileira da Faap, do Itaú Cultural, entre outras coleções.

Iniciou a carreira ao 16 anos como assistente de fotografia na Editora Abril onde permaneceu por quatro anos. Em 1974, passou a trabalhar como free-lancer, fazendo algumas revistas técnicas da Editora Abril, como Químicos e Derivados, Máquinas e Metais. As fotos eram de empresários? o famoso boneco, na linguagem jornalística. Em 1978, montou seu primeiro estúdio e estudou Ciências Sociais. Em 1982 mudou-se para Nova Iorque, trabalhou como assistente do fotógrafo norte-americano Bill King. De volta ao Brasil, sua carreira tomou novo rumo e, a partir de 1985, começou a fazer editoriais para diversas revistas. A consagração como fotógrafo veio após a exposição Jardim da Luz, em 1996, no Museu de Arte de São Paulo. Foi responsável por vários ensaios para a Playboy e diversas capas e editoriais de moda. Em 2004 realizou a exposição Antifachada - Encadernação Dourada no Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado, e suas fotos passam a pertencer a diversas coleções, museus e instituições de arte. MAB - FAAP Atualmente é considerado por muitos como um dos maiores fotógrafos da América Latina. Bob Wolfenson fotografou dezenas de top models, fez muitas campanhas publicitarias importantes apesar de ser essencialmente um artista. Atualmente Bob Wolfenson é editor da revista da qual ele mesmo é co-criador.

Amaury Simões

Amaury é um dos novos talentos da fotografia publicitária especialista em

fotografia de moda, arquitetura e Still life, trabalha com marcas famosas como:

Ford, Singer, Honda, 3M, Peels, Extra, General Eletric, Benetton, Chamex,

Schincariol entre tantas outras.

Amaury possui graduação pela PUC de Campinas, cidade em que possui

estúdio próprio.

Oliviero Toscani

Oliviero Toscani é o fotógrafo italiano, que inventou campanhas publicitárias polêmicas para a marca italiana Benetton durante os anos 90. Toscani se ocupou da publicidade da Benetton entre 1982 e 2000

A maioria de suas campanhas é institucional, propagandas de marca e não de produto, normalmente composta apenas por uma fotografia polêmica e o logo da companhia.

Fotógrafo conhecido também por campanhas polemicas da marca de roupas Benetton.

Em 1990, Toscani fundou, juntamente com o designer gráfico estadunidense Tibor Kalman, a revista Colors. O slogan era "uma revista sobre o resto do mundo".

Toscani também é autor do livro A publicidade é um cadáver que nos sorri, no qual conta suas experiências e fala sobre ética publicitária.

Oliviero Toscani é conhecido internacionalmente como publicitário. Como fotógrafo de moda colaborou com os periódicos Elle, Vogue, GQ, Harper's Bazaar, Esquire e Stern.

Em 1993, fundou a Fabrica centro internacional de artes e pesquisa em comunicação, cuja sede foi projetada pelo arquiteto japonês Tadao Ando. A Fabrica produziu projetos editoriais, livros, programas de televisão, mostras e exposições para a ONU, para o Alto Comissariado das Nações Unidas para os Refugiados, la Repubblica, Arte, Mtv, Rai, Mediaset. Produziu também filmes que obtiveram três prêmios do júri do Festival de Cannes e do Festival do Cinema de Veneza.

Terry Richardson

É um polêmico fotógrafo que nasceu em Nova York no ano de 1965, costuma

fotografar ensaios publicitários e de moda. Terry já fez ensaios para ilustres

marcas de moda, como Gucci, Hugo Boss e Levi's, além de editorias para

importantes revistas como Harper's Bazaar, GC, Sports Illustrated e Vogue. Em

2007, Terry produziu o livro “Rio, Cidade Maravilhosa”, em que fotografou

brasileiros anônimos e famosos, entre eles, Cauã Reymond, Adriane Galisteu,

Ricardo Tozzi, Danielle Winits, Luiza Brunet e sua filha Yasmin Brunet, que

posaram juntas e nuas, em lugares característicos da cidade, como praias,

favelas e bailes funks.

Rafael Costa

Fotógrafo Brasileiro famoso, fez faculdade de arquitetura, nasceu em 1963 em

Belo Horizonte, é pintor e apaixonado por arte. Premiado dentro e fora do país,

premiado dentro e fora do país, já trabalhou para empresas como McDonald´s,

Avon, Fiat e Itaú. Cursou e terminou o curso de arquitetura na faculdade

Mackenzie, nos primeiros anos da década de 90, depois de morar um tempo em

Barcelona, Rafael conheceu a TVC – Televisão e Cinema Ltda., onde atuou na

cenografia publicitária e em seguida foi para a fotografia de cinema. Ficou

famoso pelas imagens realizadas ao longo de 20 anos para o seu livro

“Imaginário” que trazem uma nova técnica criada sem querer. Ele fez uma cópia

de uma imagem no verso do papel sem querer e a tinta escorreu. Em seguida

teve a ideia de refotografar o papel. O resultado se mostra como se fosse uma

pintura

Entrou no universo da publicidade, passando pouco depois para a fotografia. Em

1998 montou seu estúdio de fotografia em Belo Horizonte, onde realiza trabalhos

para grandes agências de publicidade, tendo recebido importantes prêmios

nessa área. Também desenvolve projetos autorais, tais como Bendito fruto

(2003) e Sete pecados (2005), apresentados Pinacoteca do Estado de São

Paulo.

Elliott Erwitt

Elliott Erwitt (Paris, 26 de julho de 1928), publicitário e fotógrafo documental.

Conhecido por imagens em preto e branco repletas de humor, leveza e ironia,

Elliott Erwitt é um fotógrafo franco-estadounidense que faz parte da mítica

agência Magnum desde 1953. Para muitos, trata-se de um dos poucos fotógrafos

que se dedicou ao riso na fotografia. Seu forte trabalho documental concentrou-

se na captação do inusitado, nos momentos indiscretos, na busca por certo

descuido informal em meio a cenários formais. Por isso, suas imagens costumam

provocar sorrisos. Não gargalhadas, nem tampouco um riso fácil, óbvio ou

vulgar. Sorrisos.

Nascido Ervitz, em Paris, filho de judeus-russos, emigrou para os Estados

Unidos com sua família aos 10 anos, em 1939. No país onde se estabeleceu,

estudou Cinema no Los Angeles City College e na New School for Social

Research. No ano em que concluiu seus estudos, começou a trabalhar como

fotógrafo assistente ao servir no exército americano, passando pela França e

pela Alemanha. Foi influenciado fundamentalmente pelos fotógrafos que

conheceu, Edward Steichen, Robert Capa e Roy Stryker. Este, direitor do

departamento de fotografia da Farm Security Administration (instituição criada

com o objetivo de combater a pobreza rural, uma das principais consequências

da Grande Depressão), contratou Erwitt para um projeto na Standard Oil

Company. Trabalhando como freelancer, produziu trabalhos para revistas como

Look, Life e Holiday. Foi ao entrar na Magnum, em 1953, a convite de Capa, que

começou a clicar projetos ao redor do mundo.

Innspirado pelas composições rigorosas de Henri Cartier-Bresson, Elliott se

diferencia dele por buscar o bizarro e a graça no proibido, ao invés de focar-se

no “momento decisivo” mais dramático, silencioso. Essa aparente tranquilidade

e leveza na escolha de temáticas e abordagens pode ser interpretada como uma

postura diante da vida. Curiosamente, depois de seu primeiro divórcio, em 1960,

sua casa pegou fogo, queimando grande parte de seus arquivos.

Por olhar para baixo, buscando ângulos e cenas menos observadas, animais são

um de seus principais assuntos, em especial cães, presença constante em sua

obra. Muitas vezes, eles aparecem combinados com alguma característica do

comportamento humano, parecendo retratar a realidade de seus donos. Entre

os livros publicados especialmente sobre eles, estão Son of Bitch (1974), Dog

Dogs (1998), Woof (2005) e Elliott Erwitt’s Dogs (2008). Outra marca de sua

fotografia – e essa pode ser relacionada a sua formação em Cinema – são as

sequências, fruto de um olhar contínuo e observador. Brincando com os limites

da narrativa e da poesia, esses ensaios e conjuntos de imagens são a maior

evidência de que as vezes o momento decisivo pode ser plural.

Mais recentemente, Erwitt criou um alter ego, o pretensioso André S. Solidor,

definido por ele como “um artista contemporâneo, proveniente de alguma das

colônias francesas no Caribe, não lembro qual”. Seu objetivo foi satirizar os

excessos que caracterizam muito da produção fotográfica nos dias de hoje.

Luis Crispino

Luis Lopes Crispino (São Paulo SP 1956). Fotógrafo. Estuda artes plásticas na

Fundação Armando Álvares Penteado - Faap, em São Paulo, sem no entanto

concluir o curso, pois começa a trabalhar como assistente do fotógrafo de moda

e publicidade Miro de Souza, em 1975. No início da década de 80, monta estúdio

próprio, consolidando seu nome ao longo desse período como um dos melhores

fotógrafos brasileiros nesse campos de atividade. Durante os anos de 1990 e

1991, vive em Madri, trabalhando com fotografia editorial e de publicidade.

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

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