p

Gani LlalloshiSENSITIVITY OF SIMULACRA

Gan

i Lla

llosh

iSe

nsit

ivit

y of

Sim

ulac

ra

80

GANI LLALLOSHI

Gani Llalloshi nasceu em 1965 em Pristina, no Kosovo. Depois de ter estudado com o professor N. Salihamenxhiqi na Academia de Belas Artes da sua cidade, muda-se para Liubliana onde prossegue com os estudos na Academia de Belas Artes de Liubliana (Prof. A. Jemec e Prof. L. Logar), terminando-os em 1993 nas especialidades de pintura e artes gráficas. Em 1991 realizza o master em printmaking na mesma Academia (Prof. L. Logar). Nos anos 1997 e 1998 vai para a Universidade de Berlim gracas a uma bolsa de estudo DAAD. É membro da Associacao dos artistas eslovenos de artes figurativas desde 1990. Vive e trabalha em Piran, na Eslovénia. Expôs em muitas galerias e museus da Eslovénia, Croácia, Turquia e Itália e tem sido premiado frequentemente. Vive e trabalha em Piran (Eslovénia).

Solo exhibition

1991 - Galerija Medija Nox,Maribor1992 - Galerija KUD France Prešern,Ljubljana Galerija Krka,Ljubljana Galerija Ivana Groharja, Škofija Loka1993 - Galerija Ars, Ljubljana Galerija Insula ,Ljubljana1994 - Galerija Labirint,Ljubljana1995 - Galerija Ars ,Ljubljana Galerija Meduza , Piran1996 - Mala Galerija ,Kranj Galerija EQURNA ,Ljubljana Galerija Kos ,Ljubljana1997 - Galerija Ilirija ,Ljubljana Galerija Kos ,Ljubljana1999 - Galerija EQURNA,Ljubljana2000 - Galerija Kos ,Ljbljana Galerija A.Trtenjak,Ljutomer (Slo) The Red Vayrus,Fulda(Nemčija)2001 - Galerija 35 ,Berlin2002 - Galerija I.Groharja,Škofija Loka2003 - Galerija ZDSLU,Ljubljana2003 - Obalne galerije, Piran2003 - HDLU- Pula Croacia2007 - Marin Galery, Umag Croacia2008 - Galerija Insula, Izola2009 - Galerija Loža, Koper2010 - Galerija Kresija - Ljubljana2011 - Galerija Insula, Izola2012 - Galerija Banka Koper - Koper2012 - Muzeu i Kosoves - Prishtine ( Kosova)2012 - Ljubljana Casel, Casamate- Ljubljana, Slo2013 - Tovarna UmetnostiArt Factory Majsperk,Slo2013 - Galerie Schleifmuhlgasse 12-14, Wien, A2015 - Mestna Galerija - Nova Gorica

Awards

1989 - Salon Mladi ZDUK,Pristina (Kosova)1991 - Majski Salon ZDSLU,Ljubljana1992 - Ex tempore ,Piran2002 - Ex tempora ,Piran2012 - Grand Price, Piran

Solo exhibition

1991 - Galerija Medija Nox,Maribor1992 - Galerija KUD France Prešern,Ljubljana Galerija Krka,Ljubljana Galerija Ivana Groharja, Škofija Loka1993 - Galerija Ars, Ljubljana Galerija Insula ,Ljubljana1994 - Galerija Labirint,Ljubljana1995 - Galerija Ars ,Ljubljana Galerija Meduza , Piran1996 - Mala Galerija ,Kranj Galerija EQURNA ,Ljubljana Galerija Kos ,Ljubljana1997 - Galerija Ilirija ,Ljubljana Galerija Kos ,Ljubljana1999 - Galerija EQURNA,Ljubljana2000 - Galerija Kos ,Ljbljana Galerija A.Trtenjak,Ljutomer (Slo) The Red Vayrus,Fulda(Nemčija)2001 - Galerija 35 ,Berlin2002 - Galerija I.Groharja,Škofija Loka2003 - Galerija ZDSLU,Ljubljana2003 - Obalne galerije, Piran2003 - HDLU- Pula Croacia2007 - Marin Galery, Umag Croacia2008 - Galerija Insula, Izola2009 - Galerija Loža, Koper2010 - Galerija Kresija - Ljubljana2011 - Galerija Insula, Izola2012 - Galerija Banka Koper - Koper2012 - Muzeu i Kosoves - Prishtine ( Kosova)2012 - Ljubljana Casel, Casamate- Ljubljana, Slo2013 - Tovarna UmetnostiArt Factory Majsperk,Slo2013 - Galerie Schleifmuhlgasse 12-14, Wien, A2015 - Mestna Galerija - Nova Gorica

Awards

1989 - Salon Mladi ZDUK,Pristina (Kosova)1991 - Majski Salon ZDSLU,Ljubljana1992 - Ex tempore ,Piran2002 - Ex tempora ,Piran2012 - Grand Price, Piran

GANI LLALLOSHI

Gani Llalloshi nasce a Pristina, in Kosovo, nel 1965. Dopo gli studi presso l’Accademia di Belle Arti della sua città con il professore N. Salihamenxhiqi, si trasferisce all’Accademia di Belle Arti di Lubiana (Prof. A. Jemec e Prof. L. Logar), specializzandosi nel 1993 in pittura e grafica. Nel 1991 completa il master in printmaking nella stessa Accademia (Prof. L. Logar). Grazie ad una borsa di studio DAAD negli anni 1997/98 studia presso l’Università di Berlino. Dal 1990 è membro dell’Associazione degli artisti sloveni di arti figurative. Ha già esposto in molte gallerie e musei tra Slovenia, Croazia, Turchia e Italia, vincendo anche numerosi premi. Risiede ed opera a Piran (Slovenia).

Ass. Cult.

Sete Sóis Sete Luas

Comune diPONTEDERA

Ponte de Sor (Alentejo, Portugal)16th january – 8th February 2016, Centrum Sete Sóis Sete Luas

Pontedera (Tuscany, Italy)15th October – 2nd December 2016, Centrum Sete Sóis Sete Luas

Promoted Ass. Cult. Sete Sóis Sete LuasCâmara Municipal de Ponte de SorComune di Pontedera

Coordination Marco Abbondanza (Ass. Cult. Sete Sóis Sete Luas)Câmara Municipal de Ponte de SorPedro Gonçalves (Centro de Artes e Cultura de Ponte de Sor)

Production CoordinationMaria Rolli (Ass. Cult. Sete Sóis Sete Luas)

AdministrationSandra Cardeira (Ass. Cult. Sete Sóis Sete Luas)

Staff Sete Sóis Sete LuasPaulo Gomes, Barbara Salvadori, Alexandre Sousa

Graphic DesignSérgio Mousinho (Ass. Cult. Sete Sóis Sete Luas)

Installation assistantJoão Paulo Pita, (Centro de Artes e Cultura de Ponte de Sor)Idrissa Diarra (Ass. Cult. Sete Sóis Sete Luas)

CollaboratorsRoberta Diamantis, Simona Leggerini, Giada Lombardi

TranslatorRui Aleixo

AcknowledgmentsLada Tancer (Municipality of Pirano)

Printed Bandecchi & Vivaldi, Pontedera

Info www.7sois.eu // info@7sois.org

“SENSITIVITY OF SIMULACRA”Gani Llalloshi (Slovenia / Kosovo)

Gani Llalloshi

Sensitivity of Simulacra

Sensitivity of Simulacra

Recebemos Gani Llalloshi em Ponte de Sor, na rede do Festival Sete Sóis Sete Luas com enorme carinho, sabendo que o enriquecimento das nossas comunidades neste projecto ímpar a nível europeu será profundamente importante e motivador.

Ponte de Sor sente-se feliz em receber no Centrum Sete Sóis Sete Luas / Centro de Artes e Cultura tão importante manifestação, fazendo votos que tal seja do agrado de todos, pois esta multiplicidade cultural permite augurar um futuro cada vez mais promissor.

Engº. Hugo Luís Pereira HilárioPresidente da Câmara Municipal de Ponte de Sor

Sensitivity of Simulacra

Locais de passagem, de encontro e de diálogo intercultural, onde ecoam as ondas da cultura mediterrânica e do mundo lusófono. Os Centrum SSSL estão ancorados às raízes do território que os viu nascer e os acolheu. São espaços de socialização, confronto e descoberta para a população local. São oficinas criativas onde importantes artistas do mundo mediterrânico e lusófono chegam, encontram inspiração, criam, dialogam e partilham. São locais de sinergia entre arte, música, turismo cultural e promoção do território.

Exposições de arte contemporânea, residências artísticas, laboratórios de criatividade, concertos, originais produções musicais e encontros multiculturais, acompanhados pelos aperitivos: estas são as principais atividades que animam as “casas” do Festival Sete Sóis Sete Luas. A ampla programação artística, da responsabilidade da associação Sete Sóis Sete Luas, prevê anualmente 7 a 10 projetos expositivos de dimensão internacional em cada Centrum SSSL, promovidos de forma coordenada e cujos protagonistas são diversos: os prestigiosos artistas, reconhecidos no seu país de origem, mas não ainda a nível internacional, os jovens talentos e os estudantes que participam nos laboratórios e nos programas de intercâmbio entre as cidades da Rede SSSL.

Cada Centrum Sete Sóis Sete Luas é identificável pelo mosaico de uma onda que se estende sinuosa pela parede externa com os nomes das cidades que fazem parte da Rede dos Centrum SSSL. Tem um espaço dedicado à coleção permanente, com a memória das atividades do Festival SSSL, uma sala dedicada às exposições temporárias e um bookshop onde são apresentados ao público todas as produções musicais e editoriais do Festival Sete Sóis Sete Luas: cd’s, dvd’s, livros, catálogos e os produtos eno-gastronómicos e artesanais mais representativos dos Países da Rede SSSL. Cada Centrum tem também uma sala de conferências para encontros, apresentações, debates, concertos, inaugurações e quartos para os artistas e os jovens estagiários da Rede SSSL.

Estão neste momento ativos os Centrum SSSL de Pontedera (Itália), Ponte de Sor (Portugal), Frontignan (França) e Rbeira Grande (Ilha de Santo Antão, Cabo Verde).

Marco AbbondanzaDiretor do Festival Sete Sóis Sete Luas

Sensitivity of Simulacra

Das pinturas de Llalloshi emana uma sensibilidade especial que está relacionada com a experiência no âmbito das emoções que, por si só, é parcial e fragmentária, mas, no contexto da experiência percetiva, é unitária. Este mundo só poderá ser compreendido e explicado conclusivamente se, nos seus ínfimos pormenores, conhecermos a sua história quase pessoal que, de um ponto de vista meramente figurativo ou, melhor, pictórico, germina (de forma inexplicável) na tela. A superfície é semeada de formas que atuam como pontos cegos: embutidos espirituais, estigmas, que proporcionam retraimentos e dilatações das imagens em simultâneo; como se se tratassem de pontos de vista muito especiais. Mas, será que a pintura imita mesmo alguma coisa? Transforma-se em mancha de cor, em ecrã, em mancha na tela, que é, em boa verdade, a inscrição do mundo físico ou espiritual na realidade artística e, por isso, a inclusão do tema na pintura – que é sobre ela própria. Não se trata de imitação ou paródia nem de camuflagem; aqui, o tema não aparece revelado por uma manobra de artifício ou traição: o assunto não surge em função da ilusão, mas de per si, algo que, agora, posso olhar e ver enquanto realidade.

A pintura é o resultado de simulações que criam um novo espaço, uma espécie de território para a representação dos impulsos artísticos e quotidianos, que não são mais do que o resultado de vontades súbitas, de brincadeiras e de jogos. Um mundo onde não existe repressão, onde não há crueldade e onde não existem grandes revoluções; um mundo onde as pequenas e instintivas decisões tomadas formam uma linguagem artística estruturada. Este processo toma forma diante dos nossos olhos, com algumas imagens fragmentadas e outras completas, cujo sentido reside precisamente nas relações imediatas e parciais. Esta abordagem esconde uma miríade de outras situações inominadas que o artista retira da vida quotidiana, de experiências triviais que funcionam como pontos de partida e a partir dos quais virá a surgir a imagem. Uma enorme pluralidade de experiências psíquicas, sociais e biológicas

REFLEXO DAS FIGURAS NA TELA

infinitamente pequenas entrelaça-se nos diálogos que se estabelecem com os objetos que, agora, graças aos novos pontos de encontro, voltam a ganhar forma e substância próprias; isto é, separam-se da função e do papel que desempenhavam anteriormente para voltar a viver uma nova realidade, que é irreal, e cuja finalidade é meramente estética. A imagem é uma máquina que, na realidade, em não cria nada concreto mas que, não obstante, faz despontar em nós um vasto leque de associações e representações: estados sensuais que se refletem a todos os níveis, tanto nos da intimidade como nos histórico artísticos.

Sobre este aspeto, o que é de particular importância é precisamente a função de espelhamento como Spiegelung e Spiegel, não se tratando de repetição nem tão-pouco de regresso nostálgico, mas estando acima de tudo ligado à memória determinada pela realidade artística. Neste sentido, a poética de Gani Llalloshi não se encontra assim tão distante da conceção romântica do poeta F. Schiller nas cartas Uber die aestetische Erziehung des Menschen: “O artista joga na medida em que é homem no pleno sentido da palavra, e é plenamente homem na medida em que joga” (Carta 15). A conceção romântica do artista e da sua relação com o jogo puro e com a consciência de perda de sentido, é o que Nietzsche chama de “niilismo ativo”; e não se trata apenas da consciência de perda de sentido mas, acima de tudo, da realização dessa mesma perda, explicada por Lyotard no livro sobre as condições do modernismo.

Quando, num certo sentido, o mundo material se decompõe e a espiritualidade se concretiza no contexto artístico, vê-se o erigir das ideias materializadas. Não se tratam apenas de expressões pessoais nem de símbolos, no entanto experimentamo-los como projeções simbolistas do pintor. E também não são experiências dramáticas psicológicas: ao invés disso, são a única realização possível das ideias em alegorias, que não andam longe das experiências artísticas e da vida quotidiana. A visão momentânea é filtrada pelas figurações artísticas, através da única forma possível de representar – de maneira a atenuar a diferenciação entre a imagem natural e a imagem mental. A referencialidade da obra deixa de ser a natureza, a naturalidade, e passa para primeiro plano a simples visão subjetiva e a forma de a mostrar. Assim, a imaginação passará a ser irrelevante. Importará acima de tudo aquilo a que se pode chamar representação metonímica do pintor, que estará – ou não – ligada unicamente a um determinado lugar ou vislumbre de mundo reconhecível mas que, na realidade, parte da experiência pessoal e da consciência que seleciona a

Sensitivity of Simulacra

mensagem com base no seu desejo quase sobrenatural. A sensação de uma espécie de ausência e de silêncio, que, sem qualquer dúvida, são frequentes no teor das suas pinturas, não são aspetos que transmitam qualquer angústia ou que revelem um lado obscuro. A realidade destas imagens não aflora os nossos sentimentos, e não somos atravessados pela sensação de rejeição do mundo, nem pela emoção ou pela melancolia. Só conta o acontecimento artístico que faz parte da pintura e da tela, onde agora se espelha a si próprio talvez até como uma espécie de reflexo. Só importa o reflexo da imagem artística, o seu espacement, a sua espacialização no subconsciente e na visão interior.

Llalloshi aborda a imagem de uma forma original quando reflete um objet trouvé, nomeadamente sobre uma tela já pintada: a objetividade sem quaisquer denotações históricas – que, nas suas pinturas, se volatizam –, mas inserida num contexto artístico claro e reconhecível. Depois, pode falar-se da pureza dos objetos por ele retratados, e das composições, da transformação das imagens que surgem a partir da colagem e são como que um espelho estilhaçado, fragmentado, que se relaciona com o mundo inteiro. É como se consistisse numa espécie de sobrevalorização cósmica do espaço onde os objetos, as ligações e os conteúdos ficam fora da grande Realidade mas que, apesar disso, continuam a ser indispensáveis. Por conseguinte, é irrelevante qualquer tipo de “psiquismo” interior ou de psicanálise de uso meramente individual. Interessa acima de tudo a possibilidade simbólica de substituir a coisa objetivada, que pode apenas falar por si própria e a partir de si. Quando se repete a imagem, e esta se torna numa imagem em movimento, a poética do realismo ganha vida na relação entre a arte e o mundo físico, que é pormenorizado e simbólico como consequência de uma espécie de proto-relação.

A pintura de Llalloshi nunca é superficial. Tudo é equilibrado e harmonioso a ponto de a superfície se silenciar: torna-se objetiva, limpa e, aparentemente, totalmente inofensiva. No entanto, continua sempre – e de forma renovada – a expressar-se. Seja onde for, há uma espécie de simetria absoluta. Os objetos, os animais e as ligações são tratados com total realismo, mas surgem revestidos de uma beleza e de uma corporalidade que respira e se move mesmo estando imóvel; até quando a percecionamos como uma coisa viva e não apenas enquanto objeto. A presença como presença imperturbável, é uma poética que surpreende como uma espécie de despertar para o bem-estar.

E, no entanto, as pinturas de Gani não estão vazias. De facto, a simetria e a beleza interior prevaleceram sobre a mensagem e o conteúdo destas imagens que, na verdade, são proto-imagens da eterna questão que, desde sempre, tanto o artista como o indivíduo se colocaram; ainda que esta tome uma forma muito particular, poderíamos quase afirmar que é simultaneamente lírica e metafísica, perfeitamente em sintonia com o caráter do artista. A partir da constelação de relações estabelecidas nestas telas, construídas pelo artefacto e pela mensagem e resultando numa representação artística – que aparentemente é casual mas, na realidade, é predefinida –, pressente-se um estado muito particular, que representa a previsão invertida, a previsão do passado que, em menos de nada, se torna presente. O tempo aprisionado no não-tempo e as ligações que são concretizadas de uma forma nova e original mostram a conceção do artista, que sabe surpreender e seduzir. O valor da pintura de Llalloshi reside nesta sedução, na fronteira entre a metafísica e a poesia, que derrota todas as barreiras do tempo. Podemos então afirmar que na sua pintura o passado já está presente no futuro, mas esta definição ainda não é suficiente, não basta. Em boa verdade, nestas imagens não existe tempo, ou então o tempo encontra-se escondido nesse momento; o tempo está no ponto zero, o tempo é zero. Nelas, a duração está ausente, mas também está presente, surpreendentemente presente. O tempo como “previsão do passado” é a expressão mais adequada que atribui às imagens, de uma forma tão singular, um indício de não-tempo, numa experiência que nos leva à fruição e que ultrapassa a simples consequência da estrutura estética da pintura.

Andrej Medved

Sensitivity of Simulacra

PhotoShop-M.M, 120x100cm, acrylic on canvas, 2013

PhotoShop-Eyes, 115x40cm, acrylic on canvas, 2011

Nostalgie, 70x50cm, acrylic on canvas, 2012 Nostalgie, 70x50cm, acrylic on canvas, 2012

Nostalgie, 70x50cm, acrylic on canvas, 2012Nostalgie, 70x50cm, acrylic on canvas, 2012

Nostalgie - Roses, 120X100cm, acrylic on canvas, 2012 Nostalgie - And you said that this game never ends, 90X90cm, 2015

Nostalgie, 120x100cm, acrylic on canvas, 2012 Nostalgie, 120x100cm, acrylic on canvas, 2012

Stil Life, 40x40cm, acrylic on canvas, 2010 Nostalgie, 120x100cm, acrylic on canvas, 2012

Still Life, 40x40cm, acrylic on canvas, 2010This is not TV, 120x100cm, acrylic on canvas, 2008

White Bird, 240x100cm, acrylic on canvas, 2011

Unter Balkans Himmel, 100X100cm, acrylic on canvas, 2012White Bird, 100x120cm, acrylic on canvas, 2011

Luoghi di passaggio, di incontro e di dialogo interculturale in cui riecheggiano le onde delle culture mediterranee e del mondo lusofono. I Centrum SSSL sono ancorati alle radici del territorio che li ha visti nascere e che li ospita. Sono spazi di aggregazione e confronto, officine creative in cui importanti artisti del mondo mediterraneo e lusofono soggiornano, trovano ispirazione, dialogano, creano e condividono.Sono luoghi di sinergia tra arte, musica, turismo culturale e promozione del territorio.

Mostre d’arte contemporanea, residenze artistiche, laboratori di creatività, concerti e originali produzioni musicali, incontri multiculturali, accompagnati spesso da degustazioni eno-gastronomiche: queste sono le principali attività che animano le “case” del Festival Sete Sóis Sete Luas. L’ampia programmazione artistica, di responsabilità dell’Associazione Sete Sóis Sete Luas, prevede ogni anno 7-10 progetti espositivi internazionali in ogni Centrum SSSL, che vengono promossi in maniera coordinata e i cui protagonisti sono molteplici: i prestigiosi artisti, affermati e quotati nel proprio paese d’origine ma non ancora a livello internazionale, i giovani talenti, gli studenti che partecipano ai laboratori e ai programmi di scambio tra le città delle Rete SSSL, le associazioni culturali presenti sul territorio…

Ogni Centrum Sete Sóis Sete Luas è identificabile da un’onda mosaico che si snoda sinuosa sulla parete esterna con i nomi delle città che fanno parte della Rete dei Centrum SSSL. È dotato di uno spazio dedicato alla collezione permanente, depositario della memoria delle attività del Festival SSSL, di una sala dedicata alle mostre temporanee, un bookshop dove vengono presentate al pubblico le produzioni musicali ed editoriali del Festival Sete Sóis Sete Luas: cd, dvd, libri, cataloghi e i prodotti enogastronomici e artigianali più rappresentativi dei Paesi della Rete SSSL. Ogni Centrum è inoltre dotato di una sala per incontri, presentazioni, dibattiti, concerti e di foresterie per gli artisti e gli stagisti delle città della Rete SSSL.

Sono al momento attivi i Centrum SSSL di Pontedera (Italia), Ponte de Sor (Portogallo), Frontignan (Francia) e Ribeira Grande (Isola di Santo Antão, Capo Verde).

Marco AbbondanzaDirettore del Festival Sete Sóis Sete Luas

This is not TV, 120x100cm, acrylic on canvas, 2008

Sensitivity of Simulacra

I dipinti di Llalloshi emanano una sensibilità particolare che è collegata con l’esperienza emotiva, che è di per sè parziale e frammentaria, ma unitaria nel senso dell’esperienza percettiva. Questo mondo può essere compreso e spiegato definitivamente soltanto se conosciamo nei minimi particolari la sua storia quasi personale, che in un’ottica puramente figurativa ovvero pittorica germoglia (inspiegabilmente) nella tela. La superficie è seminata con forme che agiscono come macchie cieche: incastri spirituali, stigme, che permettono contemporaneamente contrazioni e allargamenti delle immagini; come singolarissimi punti d’osservazione. Il dipinto imita, ma che cosa? Si trasforma in macchia di colore, in schermo, in macchia sullo schermo, che è in realtà iscrizione del mondo fisico o spirituale nella realtà artistica e pertanto iscrizione del soggetto nel dipinto e sul dipinto. Non si tratta di mimica o parodia né camuffamento, qui non c’è il soggetto in apparenza come inganno o tradimento; non è un soggetto in funzione dell’illusione ma un soggetto in quanto tale, che ora guardo e vedo come realtà.

Il dipinto è il risultato di simulacri che formano uno spazio nuovo, una specie di territorio per la rappresentazione di impulsi artistici e quotidiani e che sono il risultato di desideri subitanei, trovate e giochi. Un mondo dove non vi è repressione, dove non vi è crudeltà e dove non vi sono grandi rivoluzioni, un mondo che attraverso decisioni semplici e instintive conduce a un linguaggio artistico strutturato, un processo che si forma davanti ai nostri occhi con immagini parziali e compiute e il cui senso risiede proprio nei rapporti subitanei e frammentari. Questo approccio nasconde una miriade di altri stati anonimi che l’artista ricava dalla quotidianità, da esperienze insignificanti che agiscono come punti chiave dai quali sorgerà l’immagine. Una miriade di esperienze psichiche, sociali e biologiche infinitamente piccole si intrecciano nei loro rapporti con gli oggetti che adesso, grazie ai nuovi punti di contatto, acquistano nuovamente forma e sostanza propri, vale a dire, si separano dalla funzione e dal ruolo precedente per rivivere una reàltà nuova e irreale

RISPECCHIAMENTO DELLE IMMAGINI NELLO SCHERMO

e il cui fine è soltanto estetico. L’immagine è in realtà una macchina che non crea proprio nulla, ma che ciononostante risveglia in noi tutta una serie di associazioni e rappresenzazioni: stati libidinali che si riflettono su tutti i livelli sia intimi che storico-artistici.

A questo punto ha particolare importanza proprio la funzione di rispecchiamento come Spiegelung e Spiegel, che non è iterazione e neppure ritorno nostalgico ma è legata alla memoria determinata dalla realtà artistica. In questo senso, la poetica di Gani Llalloshi non è nemmeno tanto distante dalla concezione romantica del poeta F.Schiller nelle lettere Uber die aestetische Erziehung des Menschen: “L’artista gioca, soltanto se è un uomo nel pieno senso della parola, ed è interamente uomo, soltanto quando gioca” (lettera 15). La concezione romantica dell’artista e il suo legame con il gioco puro e la consapevolezza della perdita del senso, è ciò che Nietzsche chiama “nichilismo attivo”; e non si tratta soltanto della consapevolezza della perdita del senso, ma soprattutto della realizzazione di tale perdita, come spiega Lyotard nel libro sulle condizioni del modernismo.

Quando il mondo materiale in un certo senso si disgrega e la spiritualità si concretizza nel contesto artistico,vediamo ergersi le idee materializzate. Non sono soltanto espressioni personali nè simboli, seppure li viviamo come proiezioni simbolistiche del pittore, e non sono neppure esperienze drammatiche psicologiche; sono invece l’unica realizzazione possibile delle idee nelle allegorie, che non sono lontane dalle esperienze artistiche e quotidiane. La visione momentanea è filtrata dalle raffigurazioni artistiche nell’unico modo di rappresentazione possibile in modo da far perdere la differenza tra immagine naturale e mentale. La referenzialità dell’opera non è più la natura, la naturalità, ma in primo piano c’è la semplice visione soggettiva e il modo di presentarla. Così non ha poi nemmeno tanta importanza la fantasia quanto piuttosto quello che possiamo chiamare rappresentazione metonimica del pittore che è /o non è/ legata soltanto ad un determinato luogo o scorcio di mondo riconoscibile, ma in realtà si basa sull’esperienza personale e sulla consapevolezza che sceglie il messaggio sulla base del suo Desiderio quasi soprannaturale. La sensazione di una specie di mancanza e silenzio, che sono senza dubbio componenti caratteristiche del sapore dei suoi dipinti, non sono componenti ansiose o tenebrose. La realtà di queste immagini non tocca le nostre sensazioni, e non siamo pervasi dalla sensazione di nullità del mondo e nemmeno dalla commozione o dalla melanconia.

Sensitivity of Simulacra

Ha importanza soltanto l’accadimento artistico incluso nel dipinto e nello schermo dove adesso rispecchia “lo stesso-nello stesso” forse addirittura come una specie di riflesso; è importante soltanto il rispecchiamento dell’immagine artistica, il suo espacement, la collocazione nello spazio nel subconscio e nello Sguardo interiore.

L’approccio di Llalloshi con l’immagine è originale nel momento in cui rispecchia un objet trouve, vale a dire una tela già dipinta: oggettività senza denotazioni storiche che nel suo dipinto si volatilizzano, ma in un contesto artistico chiaro e riconoscibile. Possiamo, quindi, parlare di purezza degli oggetti da lui raffigurati, e di composizioni, rivoluzioni delle immagini che si basano sul collage e sono in pratica uno specchio rotto, frammentario che è in rapporto con il mondo intero, vale a dire che si tratta di una specie di sopravvalutazione cosmica dello spazio in cui gli oggetti, i rapporti e i contenuti, sono privi della grande Realtà ma pur sempre fondamentali. Non sono quindi importanti lo “psichismo” interiore e una specie di psicanalisi per uso personale, quanto piuttosto la sostituibilità simbolica della Cosa oggettivata, che parla soltanto per se stessa e sopra di sè. Quando l’immagine si ripete e si tramuta in immagine in movimento, prende vita la poetica del realismo apparente nel rapporto tra l’arte e il mondo reale che è dettagliato e simbolico poiché allude ad un certo proto-rapporto.

La pittura di Llalloshi non è mai superficiale, tutto è bilanciato, armonico fino al punto in cui la superficie ammutolisce: diviene oggettiva, pulita e, apparentemente, per nulla fatale. Eppure sempre e di volta in volta riparla. Dappertutto c’è una specie di simmetria assoluta. Gli oggetti, gli animali e i rapporti sono oggetti del tutto realistici ma muniti di bellezza e corporeità che respira e si muove anche se immobile; anche se la percepiamo come cosa viva e non soltanto come oggetto. La presenza come presenza distaccata, è poetica che sorprende come una specie di impulso al benessere.

Eppure i dipinti di Gani non sono vuoti. La simmetria e la bellezza interiore, infatti, hanno preso il sopravvento sul messaggio e sul contenuto di queste immagini, che in realtà sono proto-immagini degli eterni quesiti che l’artista e l’individuo da sempre si pongono, sebbene in una maniera particolare. Potremmo quasi dire lirica e contemporanemente metafisica, perfettamente in sintonia con il carattere dell’artista. Dalla costellazione dei rapporti instaurati su queste tele, instaurati dall’artefatto e dal messaggio nel contesto di una

apparentemente casuale, ma di fatto predestinata figura artistica, avvertiamo uno stato particolare che rappresenta il pronostico a ritroso, nel passato, e che in un momento soltanto è già presente. Il tempo, imprigionato nel non tempo, i rapporti concretizzati in modo nuovo e originale, evidenziano la concezione dell’artista che sorprende e seduce. In questa seduzione, al limite della metafisica e della poesia che prevalica tutti i limiti di tempo, risiede il valore della pittura di Llalloshi. Potremmo quindi dire, che in essa il passato è già presente nel futuro, ma tale definizione non è sufficiente, non ancora. In realtà, in queste immagini non vi è tempo ovvero adesso il tempo è nascosto; il tempo è nel punto zero, il tempo è zero. In esse, la durata è assente ma anche presente, sorprendentemente presente. Il tempo come “predizione del passato” è l’espressione più appropriata che alle immagini conferisce un accenno di non-tempo in una forma particolare, in un’esperienza che ci porta nel godimento che non è semplice conseguenza della struttura estetica del dipinto.

Andrej Medved

CATÁLOGO N. 80

1) El puerto de las Maravillas – Los navios antiguos de Pisa, 2001. T. Stefano Bruni e Mario Iozzo. Ed. PT, ES2) Maya Kokocinsky, Translusion II, 2002. T. Pinto Teixeira. Introduction de Oliviero Toscani. Ed. PT, ES.3) Oliviero Toscani, Hardware+Software=Burros, 2002. Ed. IT, PT.4) As personagens de José Saramago nas artes, 2002. Introduction de José Saramago. Ed. PT.5) Stefano Tonelli, Nelle pagine del tempo è dolce naufragare (2002). Ed. IT, PT.6) Luca Alinari, Côr que pensa, 2003. Ed. PT, ES.7) Riccardo Benvenuti, Fado, Rostos e Paisagens, 2003. Ed. IT, PT.8) Antonio Possenti, Homo Ludens, 2003. T. John Russel Taylor et Massimo Bertozzi. Introduction de José Saramago. Ed. IT, PT.9) Metropolismo – Communication painting, 2004. T. Achille Bonito Oliva. Ed. IT, PT. 10) Massimo Bertolini, Através de portas intrasponíves, 2004. T. R. Bossaglia, R. Ferrucci. Ed. IT, PT.11) Juan Mar, Viaje a ninguna parte, 2004. Introduction de José Saramago. Ed. IT, PT.12) Paolo Grimaldi, De-cuor-azioni, 2005. T. de Luciana Buseghin. Ed. IT, PT. 13) Roberto Barni, Passos e Paisagens, 2005. T. Luís Serpa. Ed. IT, PT.14) Simposio SSSL: Bonilla, Chafer, Ghirelli, J.Grau, P.Grau, Grigò, Morais, Pulidori, Riotto, Rufino, Steardo, Tonelli, 2005. Ed.: ES, IT, PT.15) Fabrizio Pizzanelli, Mediterrânes Quotidianas Paisagens, 2006. Ed. IT, PT.16) La Vespa: un mito verso il futuro, 2006. T. Tommaso Fanfani. Ed. ES, VAL.17) Gianni Amelio, O cinema de Gianni Amelio: a atenção e a paixão, 2006. T. Lorenzo Cuccu. Ed. PT.18) Dario Fo e Franca Rame, Muñecos con rabia y sentimento – La vida y el arte de Dario Fo y Franca Rame (2007). Ed. ES.19) Giuliano Ghelli, La fantasia rivelata, 2008. T. Riccardo Ferrucci. Ed. ES, PT.20) Giampaolo Talani, Ritorno a Finisterre, 2009. T. Vittorio Sgarbi et Riccardo Ferrucci. Ed. ES, PT.21) Cacau Brasil, SÓS, 2009. Ed. PT.22) César Molina, La Spirale dei Sensi, Cicli e Ricicli, 2010. Ed. IT, PT.23) Dario Fo e Franca Rame, Pupazzi con rabbia e sentimento. La vita e l’arte di Dario Fo e Franca Rame, 2010. Ed. IT.24) Francesco Nesi, Amami ancora!, 2010. T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, ES.25) Giorgio Dal Canto, Pinocchi, 2010. T. Riccardo Ferrucci e Ilario Luperini. Ed. PT. 26) Roberto Barni, Passos e Paisagens, 2010. T. Giovanni Biagioni e Luís Serpa. Ed. PT.27) Zezito - As Pequenas Memórias. Homenagem a José Saramago, 2010. T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT.28) Tchalê Figueira, Universo da Ilha, 2010. T. João Laurentino Neves et Roger P. Turine. Ed. IT, PT.29) Luis Morera, Arte Naturaleza, 2010. T. Silvia Orozco. Ed. IT, PT.30) Paolo Grigò, Il Volo... Viaggiatore, 2010. T. Pina Melai. Ed. IT, PT.31) Salvatore Ligios, Mitologia Contemporanea, 2011. T. Sonia Borsato. Ed. IT, PT.32) Raymond Attanasio, Silence des Yeux, 2011. T. Jean-Paul Gavard-Perret. Ed. IT, PT.33) Simon Benetton, Ferro e Vetro - oltre l’orizzonte, 2011. T. Giorgio Bonomi. Ed. IT, PT.34) Noé Sendas, Parallel, 2011. T. Paulo Cunha e Silva & Noé Sendas. Ed. IT, PT, ENG.35) Abdelkrim Ouazzani, Le Cercle de la Vie, 2011. T. Gilbert Lascault. Ed. IT, PT.36) Eugenio Riotto, Chant d’Automne, 2011. T. Maurizio Vanni. Ed. IT, PT.37) Bento Oliveira, Do Reinado da Lua, 2011. T. Tchalê Figueira e João Branco. Ed. IT, PT.38) Vando Figueiredo, AAAldeota, 2011. T. Ritelza Cabral, Carlos Macedo e Dimas Macedo. Ed. IT, PT.39) Diego Segura, Pulsos, 2011. T. Abdelhadi Guenoun e José Manuel Hita Ruiz. Ed. IT, PT.40) Ciro Palumbo, Al di là della realtà del nostro tempo, 2011. T. A. D’Atanasio e R. Ferrucci. Ed. PT, FR.41) Yael Balaban / Ashraf Fawakhry, Signature, 2011. T. Yeala Hazut. Ed. PT, IT, FR.42) Juan Mar, “Caín”, duelo en el paraíso, 2012. T. José Saramago e Paco Cano. Ed. PT, IT43) Carlos Macêdo / Dornelles / Zediolavo, Caleidoscópio, 2012. T. Paulo Klein e C. Macêdo. Ed. PT, IT.44) Mohamed Bouzoubaâ, “L’Homme” dans tous ses états, 2012. T. Rachid Amahjou e A. M’Rabet. Ed. PT, IT, FR.45) Moss, Retour aux Origines, 2012. T. Christine Calligaro e Christophe Corp. Ed. PT, IT.46) José Maria Barreto, Triunfo da Independência Nacional, 2012. T. Daniel Spínola. Ed. PT, IT.47) Giuliano Ghelli, La festa della pittura, 2012. T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, FR.48) Francesco Cubeddu e Marco Pili, Terre di Vernaccia, 2012. T. Tonino Cau. Ed. PT, FR.49) Rui Macedo, De Pictura, 2012. T. Maria João Gamito. Ed. IT, FR. 50) Angiolo Volpe, Passaggi pedonali per l’ infinito, 2012. T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, IT.51) Djosa, Criôlo, 2012. T. Jesus Pães Loureiro e Sebastião Ramalho. Ed. PT, IT, FR.52) Marjorie Sonnenschein, Trajetória, 2013. T. Marcelo Savignano. Ed. PT, IT.

53) Ilias Selfati, Arrest, 2013. T. Marie Deparis-Yafil. Ed. PT, IT, FR.54) Pierre Duba, Un portrait de moitié Claire, 2013. T. Daniel Jeanneteau. Ed. PT, IT. 55) Weaver, WEAVER DISCOS pop descarado, 2013. T. Ritelza Cabral. Ed. PT, IT. 56) Giuliana Collu & Roberto Ziranu, Terra è Ferru, 2013. T. Tonino Cau. Ed. PT, FR. 57) 7sóis.CriArt, Os Laboratórios de Criatividade do Centrum Sete Sóis Sete Luas (2010-2012), 2013. Ed. PT, IT, FR.58) Laka, El Viajero, 2013. T. Marilena Lombardi, Roberto Brunetti. Ed. PT, IT.59) Ugo Nespolo, Il Mondo a Colori, 2013. T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, FR.60) Hassan Echair, Horizon plombé, 2013 T. Nicole de Pontchara, Jean L. Froment, Faïssal Sultan, Pierre Hamelin. Ed. PT, IT.61) Cristina Maria Ferreira, Esculturas do meu Fado, 2013 T. Sérgio Barroso, António Manuel de Moraes. Ed. IT, FR.62) Nela Barbosa, Olga Kulkchenko, Leomar e Tutú Sousa, Arte de Cabo Verde no Feminino, 2013 T. Daniel Spínola. Ed. PT, IT. 63) Marcello Scarselli, Il Lavoro Dipinto, 2014 T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, FR.64) Saimir Strati, Seven Stars, 2014 T. Ronald Galleta, Alida Cenaj. Ed. PT, IT.65) Ali Hassoun, Aqueles que vão - Quelli che vanno, 2014 T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, IT. 66) Charley Fazio, Con l’isola dentro, 2014 T. Antonio Lubrano. Ed. PT, IT.67) Fulvia Zudič, Istria, 2014 T. Enzo Santese. Ed. PT, IT.68) Ahmed Al Barrak, Geste et Lumière, 2014 T. Rachid Amahjour, Hafida Aouchar. Ed. PT, IT.69) Georges D’Acunto, Au Delà-du Regard, 2014 T. Odile Bochard, Simone Tant. Ed. PT, IT, FR.70) Alfredo Gioventù & Khaled Ben Slimane, Mãe Terra Mar, 2014 T. Alfredo Gioventù, Alice Pistolesi. Ed. PT, IT.71) Obras da colecção permanente do Centrum Sete Sóis Sete Luas de Ponte de Sor (2009-2014), 2014. Ed. PT.72) Maurício Oliveira, Tropiques Utopiques, 2014 T. Moisés Oliveira Alves. Ed. PT, IT, FR.73) Hamadi Ananou, Alcancía, 2015 T. Clara Miret Nicolazzi. Ed. PT, IT.74) Mira Ličen Krmpotić, Paesaggi istriani e momenti parigini / Paisagens istrianas e momentos parisienses , 2015 T. Nives Marvin. Ed. PT, IT.75) Mahassin Kardoud, Receitas Artisticas, 2015 T. Said Choukairi. Ed. PT, IT.76) Alice Pasquini, Deep Tides Dry, 2015 T. Marta Gargiulo. Ed. PT, IT.77) Sandro Libertino, Storie d’arancio e d’azzurro cobalto, 2015 T. Riccardo Ferrucci. Ed. PT, IT.78) Cláudio César, Sentimentos, 2015 T. Carlos Macedo, Dante Diniz. Ed. PT, IT.79) Ahmed Djelilate, Émotions Méditerranéens, 2015 T. Kurt R. Stroetler. Ed. PT, IT, FR.80) Gani Llalloshi, Sensitivity of Simulacra, 2016 T. Andrej Medved. Ed. PT, IT.

Festival Sete Sóis Sete Luas

CATÁLOGO N. 80