Generated by Foxit PDF Creator © Foxit Software ... · PDF filemÚsica barroca 2.6. teatro barroco 2.7. danÇa barroca 2.8. barroco no brasil 3. o barroco a serviÇo da igreja 4

“O barroco será extravagância e artifício, perversão

de qualquer ordem fundada, equilibrada: moral.”

“O barroco suprime aquilo que denota, anula-o:

o seu sentimento é a insistência do seu jogo.”

Severo Sarduy

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Sumário

1. INTRODUÇÃO

2. BARROCO

2.1. PINTURA BARROCA

2.2. ARQUITETURA BARROCA

2.3. ESCULTURA BARROCA

2.4. LITERATURA BARROCA

2.5. MÚSICA BARROCA

2.6. TEATRO BARROCO

2.7. DANÇA BARROCA

2.8. BARROCO NO BRASIL

3. O BARROCO A SERVIÇO DA IGREJA

4. O BARROCO A SERVIÇO DO ESTADO

5. ROCOCÓ

6. O ROCOCÓ A SERVIÇO DO ESTADO

7. O ROCOCÓ A SERVIÇO DA IGREJA

8. CONCLUSÃO

9. REFERENCIA BIBLIOGRAFICA


1. INTRODUÇÃO

Foi na Itália

no final do século

XVI que surgiu a

nova expressão

artística chamada

de Barroco, logo

após o Maneirismo,

se contrapondo a

este estilo

remanescente do

Renascimento,

pérola irregular ou

mau gosto são as

traduções da

palavra “Barroco”, o

que não é verdade se tratando do movimento, que pode ser considerado um

período de arte emocional e sensual, tendo em suas características a

monumentalidade em relação às dimensões e o exagero nas formas assim

como o excesso de ornamentação.

No renascimento, o movimento religioso dos protestantes cresceu, e a

igreja católica teve de reagir de alguma forma, explicando porque o surgimento

do barroco em sua situação histórica, assim como o desenvolvimento do

movimento absolutista. Segundo Perry Anderson no livro Lineages of the

Absolutist State “Absolutismo é uma teoria política que defende que uma

pessoa (em geral, um monarca) deve deter um poder absoluto, isto

é, independente de outro órgão, seja ele judicial, legislativo, religioso ou

eleitoral”. A nova realidade da Europa (principalmente Itália) trouxe uma arte

completamente contextualizada, sendo um elemento de propaganda destes

novos valores.

O Maneirismo em Roma deu origem ao Barroco a partir das formas do

mesmo, logo se diversificando e em vários estilos paralelos, tendo em vista que

St. Ivo della Sapienza

Francesco Borromini

1642 - 1650 - Roma Italia


cada país adequou este movimento de acordo com sua cultura, estética e

características. Na Itália, por exemplo, o barroco apresentou elementos mais

“pesados”, encontrando nos países protestantes componentes mais amenos,

voltando em ambos a incorporar os elementos plásticos, principalmente nas

igrejas.

Já o Rococó foi um movimento que se desenvolveu no sul da Alemanha

e Áustria, assim como na França (e principalmente), a partir de 1715, com a

morte de Luiz XIV. É um movimento que reflete bem a realidade e

comportamento da elite francesa de Paris e Versailles, se empenhando em

mostrar como a vida era agradável. Rococó significa em Francês Concha,

sendo esta um dos elementos de decoração mais comum do estilo, não

somente na arquitetura. Entre 1715 e 1730 o estilo teve seu desenvolvimento,

sendo o Rococó, um estilo cheio de alegria na decoração carregada, na

teatralidade das obras e na artificialidade dos detalhes sem a grande carga

religiosa do barroco e sua dramaticidade pesada. A alegria de viver é

demonstrado através do exagero inclusive nas obras sacras, sendo até mesmo

a representação do amor de Deus pelos homens a forma de anjinhos “gordos”,

mostrando assim a vida despreocupada e frívola das cortes francesas.

Retrato da Madame de Pompadour

François Boucher

Galeria nacional da Escócia


2. BARROCO

O barroco rompeu com os

equilíbrios entre o sentimento e a razão,

ou entre a arte e a ciência pregadas no

Renascimento (movimento anterior), o

racionalismo do renascimento se esvai,

tendo no barroco como principal

diferença o foco nos sentimentos. A

época em que o barroco se desenvolveu,

foi uma época de conflitos espirituais e

religiosos, e o Barroco traduziu a

angustiante tentativa de conciliar o bem o

bem e o mal, Deus e o Diabo, Céu e

terra, pureza e pecado, alegria e tristeza,

paganismo e cristianismo, espírito e

matéria, sempre buscando transpor

forças contrárias.

O emocional transpôs o racional

impressionando os sentidos do

observador apoiando o principio de que os sentidos eram mais importantes que

a razão para a obtenção da fé, as curvas, contracurvas e colunas retorcidas

dominaram a arquitetura barroca assim como voltou a entrelaçar a escultura e

arquitetura, utilizando na pintura violentos contrastes de luz e sombra usando

também de efeitos ilusionistas dando-nos às vezes a impressão de ver o céu,

através da profundidade alcançada pelos artistas.

A tendência artística do barroco se desenvolveu primeiramente nas artes

plásticas, seguida pela literatura, teatro e música. Como já citado o barroco se

iniciou na Itália do século XVIII, se espalhando pelos outros países da Europa,

como por exemplo, a Holanda, Bélgica, França, Espanha, etc. O barroco

permaneceu vivo nas artes até o século XVIII, sendo aqui na América latina

inserido no século XVII e terminada no mesmo século que acabou na Europa.

“El Espolio” - El Greco

Sacristia da catedral de Toledo


Este movimento se desenvolveu historicamente após as reformas

religiosas, sendo que com estas a Igreja católica tinha perdido muito prestigio,

poder e seguidores, porém mesmo neste mundo os católicos influenciavam

muito a política, economia e religião na Europa. O contraste deste período, a

espiritualidade e teocentrismo encontrados na Idade média e suas

contraposições da idade média (racionalismo e antropocentrismo), são o que a

arte barroca expressa. A Volta do absolutismo foi um fator importante para os

artistas barrocos já que quem patrocinava os mesmos eram os monarcas,

burgueses e a clero. A grande riqueza de detalhes assim como os sentimentos

de emoção da vida e dos seres humanos são coisas que impressionam na

pintura e escultura barroca.

São grandes os mestres do barroco, podendo dar ênfase especial ao

espanhol Velásquez, o Italiano Caravaggio, os belgas Van Dyck e Frans Hals e

o Holandês Rembrandt.

2.1. PINTURA BARROCA

“O Rapto das Filhas de Leucipo” –

Peter Paul Rubens

“A Aula de anatomia do Dr. Tulp” – Rembrandt

Rubens é um pintor barroco que exemplifica bem a intensidade

dramática do período, sendo um dos maiores pintores de todo barroco e um

dos maiores gênios da pintura e da história da arte, que mostra muito bem as

características barrocas nos países católicos. Já nos países protestantes, o

barroco possuiu características diferentes como podemos observar nos


quadros de Rembrandt, onde a condição favorável para a investigação

cientifica, permitiram a produção de quadros como “A Aula de anatomia do Dr.

Tulp”.

Os temas da pintura Barroca, principalmente nos países protestantes

eram temas da vida burguesa e da vida comum, já que a força da burguesia

nestes países, principalmente Holanda, era muito grande.

Para dar a sensação de profundidade (hiper-profundidade se tratando do

Barroco), os artistas aproximavam o tema central da visão do espectador,

diminuindo os demais motivos do plano de fundo, os pintores Barrocos também

tinham a tendência de substituir o absoluto pelo relativo, não deixar o motivo

mais importante, exatamente no centro da obra, trocava a maior rigidez, por

liberdade de formas, sendo estas abertas, dando a sensação que um lado da

pintura era mais enfatizado que o outro.

Existe também nas pinturas

barrocas uma sensação de ilusão, que

se manifesta mais claramente nas

pinturas feitas em tetos, e paredes de

igrejas e palácios, sendo que os artistas

pintavam os próprios elementos

arquitetônicos, como degraus e colunas,

dando uma maior sensação de

movimento e ampliação do espaço,

dando algumas vezes até para pensar

que a pintura é o real e a parede de fato

não existe.

Não se pode falar de barroco sem

citar Caravaggio, que utilizava o jogo de

luz e sombra ao extremo, que é mais

uma característica comum do barroco.

A pintura era inquietante e espiritualizada no barroco, os pintores

enfatizavam novos métodos de composição assim como conceitos, utilizando

de técnicas intencionalmente assimétricas procurando captar o movimento e o

espaço. Vale citar Miguel Ângelo, Caravaggio, Annibale Carraci, Rubens, El

Greco, Diego Velasquez e Nicolas Paussin como grandes pintores Barrocos

Davi e a cabeça de Golias

Caravaggio – seu único auto-retrato

é a cabeça do Golias


2.2. ARQUITETURA BARROCA

A arte maior do Barroco era a arquitetura, e assim como na idade média

a pintura e a escultura não faziam mais que completá-la, junto a isto o arquiteto

barroco fazia com que os espaços dependessem um do outro, tendo um

espaço principal, e vários outros espaços subsidiários, o dinamismo da

arquitetura do barroco, raramente foi alcançada em outro estilo.

A cidade dos papas passou por uma remodelação com um enfoque

totalmente religioso, já que a Contra reforma, como fenômeno espiritual levou a

Itália a novas concepções da criação do homem, buscando a Roma antiga, as

etapas de evolução posteriores. Por isso os papas deram ordem a vários

arquitetos urbanistas que erguerem igrejas e catedrais, vilas e palácios. Todas

estas construções com forte efeito de luz e forma, e diferentes combinações de

elementos arquitetônicos, assim como relevos e volumes espaciais.

Obviamente pelo

barroco ter se desenvolvido

e espalhado por toda

Europa várias escolas

arquitetônicas diferentes

surgiram como a Italiana

(onde tudo começou), a

Alemã, Flamenga, Ibérica

(que viajou o oceano e

chegou até a América), e a

francesa.

Podem-se citar como

grandes arquitetos

barrocos, Francesco Borromini, que construiu San Carlo Alle Quattro Fontane,

que é uma associação de elementos retos, com elementos curvos, possui uma

fachada dinâmica, e uma complexidade entre a organização reta, côncava e

convexa, François Mansart, que fez, por exemplo, o Châteu de Maisons que

hoje é chamado de Châteu de Maisons-La ffitte, a igreja de Val-de-Grâce e o

Temple Du Marais, houve também o arquiteto, Louis Le vau, autor do Châteu

Châteu de Maisons-La ffitte – François Mansart

Paris França


de Vaux-le-Vicomte, Jules Hardouin-Mansart que fez o Palácio de Versailles e

Claude Perrault que fez o magnífico Palais Du Louvreé.

A questão da harmonia também é importante para o barroco. Entretanto,

ela é vista numa obra de forma diferente do renascimento.

Para o renascentista, a harmonia do todo era garantida por cada detalhe

da obra em perfeito equilíbrio, cada detalhe separadamente como um todo

harmônico.

Já para o barroco, a harmonia do conjunto é mais importante, a fusão

harmônica dos diferentes componentes de um trabalho. A harmonia individual

pode ser sacrificada em nome da harmonia do todo.

Além disso, essa valorização da unidade geral entrelaçou muito a

arquitetura com a escultura e com a pintura. O ideal das construções passou a

ser o do inter-relacionamento desses elementos, dialogando harmonicamente

para o bem do conjunto.

Palácio de Versailes – Jules Hardouin-Mansart

Versailles França


2.3. ESCULTURA BARROCA

Estuque e gesso eram os novos recursos dos escultores barrocos, que

colocaram em suas obras grande atividade e movimentos, criando uma

combinação cuidadosa entre massa e espaço, sendo especialmente

imaginativos, principalmente no barroco Alemão e Austríaco.

As linhas curvas, os drapeados das vestes e o uso do dourado, eram

predominantes nas esculturas barrocas, assim como os gestos e rostos das

personagens que revelavam emoções violentas e dramáticas que o

renascimento não possuiu em fase alguma.

A escultura no Barroco

perdeu sua função própria, sendo

incorporada novamente a

arquitetura, porém não decorava

somente fachadas e sim portadas,

e interiores de igrejas e palácios,

estando muito presente nas fontes

também, possuindo como

características, assim como a

pintura barroca a dramaticidade e

a falta de centro assim como

distorções físicas e de perspectiva,

buscando mais a representação

das emoções do que qualquer tipo

de perfeição.

Podemos citar como

principal escultor do Barroco Gean

Lorenzo Bernini que nascido em

Florença (Berço dos grandes

escultores Renascentistas), foi Arquiteto, urbanista e pintor sendo o principal

artista da corte do papa e de Roma, tendo em seu vasto trabalho obras-primas

como “O Êxtase de Santa Tereza”, na qual Santa Tereza se encontra

desfalecida sobre uma nuvem expressando prazer e dor.

“O Êxtase de Santa Tereza” - Gean

Lorenzo Bernini


2.4. Literatura Barroca

Na literatura o barroco vem para traduzir as crises, as dúvidas, a

ambigüidade de sentimentos e as forças do mundo, tendo em vista as

mudanças que vieram com a contra-reforma. Assim como na pintura e na

escultura, a literatura barroca também vinha com elementos contrastantes,

como bem e mal, vida e morte, e outros demais paradoxos, em seu conteúdo

assim como uma linguagem deveras rebuscada.

Durante muito tempo o Barroco definiu apenas as artes plásticas. O

conceito aplicado à literatura surgiu apenas no final do séc. XIX com os

trabalhos dos teóricos alemães Jakob Burkardt e, sobretudo, Heinrich Wöfflin.

O termo “barroco” abrange em literatura uma serie de denominações. Em

Portugal e Espanha, seiscentismo, conceptismo (ou conceitismo), cultismo (ou

culteranismo); na Itália, marinismo e seiscentismo; na França, preciosismo; na

Inglaterra, enfuísmo; e, na Alemanha, silesianismo.

São características do Barroco literário: linguagem pomposa, imagens sutis e

freqüentemente obscuras; musicalidade, descritivismo, exploração das

possibilidades fonéticas da língua, objetivando salientar os contrastes

conceituais; utilização do paradoxo, criando um estilo rebuscado, onde

predominam os jogos de palavras, oposições e idéias abstratas; procura de

imagens e sugestões fora da realidade; virtuosismo; amplo uso de alegorias,

hipérboles, paralelismos, repetições, anáforas e antíteses; exacerbação dos

sentimentos e gosto do requinte; estilo sentencioso e preocupação moralizante;

ritmo sincopado e metáforas sinuosas, espiraladas, ligando imagens

complexas, tais como as volutas que caracterizam o estilo barroco na

arquitetura.

Principais representantes: Góngora, Quevedo, Cervantes, Lope de Vega,

Calderón de la Barca, Tirso de Molina (Espanha); Tasso, Marino, Guarini, Della

Porta (Itália); Montaigne, Pascal, Corneille, Racine, Boileau (França); Lily,

Donne, Bacon (Inglaterra); Silesius, Gryphius, Opitz (Alemanha); Sóror Mariana

de la Cruz, Hojeda, Balbuena, Caviedas (América espanhola).

Em Portugal, o Barroco desenvolveu-se entre 1580 e 1680, cobrindo portanto

todo o período em que o país esteve sob a dominação espanhola (1580 e


1640). Fortemente marcado pelo cultismo e conceptismo, teve como principais

representantes: Rodrigues Lobo, Manuel de Melo, Tomás de Noronha, Sóror

Violante do Céu (poesia); Frei Luís de Souza, Padre Bernardes, Padre

Bartolomeu do Quental e Frei Antônio das Chagas (ficção).

No Brasil, o Barroco literário manifestou-se na prosa laudatória, na poesia e na

oratória sacra e teve como principais representantes: Gregório de Mattos

Guerra (poeta), Manuel Botelho de Oliveira, Rocha Pita e padre Antônio Vieira

(orador sacro).

Assim como a reabilitação do Barroco foi um acontecimento tardio, graças,

sobretudo, ao trabalho de Heinrich Wosfflin (Renascimento e Barroco,

1888;Conceitos Fundamentais da História da Arte, 1915), a poesia de Gregório

de Matos também esteve muito tempo relegada ao esquecimento. O soneto "A

Conceição Imaculada de Maria Santíssima", mostra o estilo inconfundível deste

poeta.

A Conceição Imaculada de Maria Santíssima

Soneto

Como na cova tenebrosa, e escura,

A quem abriu o Original pecado,

Se o próprio Deus a mão vos tinha dado;

Podeis vós cair, ó virgem pura?

Nem Deus, que o bem das almas só procura,

De todo vendo o mundo arruinado,

Permitiria a desgraça haver entrado,

Donde havia sair nossa ventura.

Nasce a rosa de espinhos coroada

Mas se é pelos espinhos assistida,

Não é pelos espinhos magoada.

Bela Rosa, ó virgem esclarecida!

Se entre a culpa se vê, fostes criada,

Pela culpa não fostes ofendida.


2.5. MÚSICA BARROCA

Monteverde, Schuetz e Purcell, são conhecidos compositores que

viveram durante o barroco, período este que corresponde a criação de vários

gêneros novos como o oratório, a cantata e o concerto, além de utilizar uma

escrita musical baseada no diálogo entre os instrumentos marcado pelo forte

gosto a improvisação e pelo precionismo.

Manteverde foi o gênio que começou a música barroca, e ao contrário do

que se esperava o que se ouve é o canto do solista, a homofonia e a ária,

apesar de ser Opera, que nos períodos anteriores era dominada pela Polifonia,

como sugeria as artes plásticas e a literatura barroca.

O barroco é a vitória do indivíduo sobre o coro e é o individualismo na

música. Mas, habituados à polifonia e aos acordes vocais, os ouvidos

precisavam que a voz dos solos tivesse um acompanhamento instrumental que

tocasse acordes, que fornecesse as a harmonia completando continuamente

os sons cantados, tocando acordes mais em baixo: estava inventado o basso

continuo.

O novo gênero institui a soberania do cantor: ele é o centro e é em torno

dele que se monta todo o espetáculo. O canto monódico e o baixo-contínuo

são os elementos da música barroca.

Em 1681 uma grande novidade, a Ópera francesa permite a participação

das mulheres no espetáculo, assumindo os papéis femininos. Até então, tanto

na ópera florentina quanto veneziana ou francesa, os personagens femininos

eram desempenhados por homens. A abertura das óperas passa a ser um

toque forte de clarim que anuncia o começo do espetáculo.

Flautas, oboés,violinos, trombetas e tambores não são admitidos nos

salões. Na capela ficam apenas os cantores, muito raramente com o organista.

Na chambre (câmara) dos palácios faz-se música com base em violinos (a

"música de câmara", que só vai ser ouvida fora dos palácios no século XIX). Ao

ar livre apresentam-se a Grande Escurie, um grupo de 25 músicos, todos

capazes de tocar pelo menos dois instrumentos O violinista Corelli trabalha

com temas de danças e canções antigas e cria o Concerto Grosso (peça


instrumental que oscila entre a fuga e a suíte) para um grosso de orquestra e

três ou quatro músicos solistas (concertinos).

A palavra concerto começa a ser usada, significando uma ação

concertada entre os solistas e a orquestra.

Todos os grandes violinistas da época adotam a forma do Concerto para

Violino e Orquestra. As peças são escritas para que o violinista possa exibir, ao

máximo, seu virtuosismo e se exiba. Os tutti (todos) da orquestra são escritos

apenas para dar descanso ao solista.

O primeiro compositor a

escrever para um solista que não

toque violino é Bach: Concerto Para

cravo e Orquestra. Surge, em 1690.

um novo instrumento, com

sonoridade mais aguda, chamado na

França de chamelu, aperfeiçoado

por Denner que lhe dá o nome de

clarinete. A afinação dos cravos e

teclados ganha um cromatismo

temperado, igual. As sete notas da

escala são somadas às cinco

alterações cromáticas (sustenidos e

bemóis) , formando uma escala com

12 graus iguais.

Bach, exigindo a nova

afinação, escreve Das Wohltemperierte Klavier (O Cravo Bem Temperado).

O italiano Cristófori (em 1711) o Forte Piano (forte-suave, em italiano)..

Ao contrário do cravo, o instrumentista controla a intensidade forte ou suave da

interpretação, dependendo da força que usa nas teclas. O instrumento é

Aperfeiçoado por Silbermann e fica conhecido como pianoforte, mas logo é

conhecido apenas como piano, mas é rejeitado por quase todos os músicos até

o final do século XVIII. Entre os maiores opositores está Bach, que se recusa a

escrever para "essa monstruosidade".

No Barroco formam-se orquestras imensas mas o resultado é ruim. A

orquestra barroca, em geral, tem cerca de 17 músicos. Bach usava uma

Giovanni Maria Bononcini

The Concise Oxford Dictionary of Music


formação com cinco violinos, duas vilas, dois violoncelos, dois oboés, dois

fagotes, três trombones e um par de tímpanos. Em 1749, Rameau e Gluck

introduzem o clarinete na orquestra da Ópera.

No fim do século XVIII surge a abertura para as óperas. A overture

francesa surge com Lully , a italiana com Scarlatti, mas a primeira forma (lento -

alegro - lento) prevalece, quanto é adotada por alemães e ingleses.

A música barroca tem muitos nomes importantes como os luthiers mais

célebres de todos os tempos, Guarnierius e Stradivárius (ambos de Cremona,

na Itália), o teórico Giovanni Maria Bononcini (autor de Il Musico Práttico, o

homem que mudou o nome da nota musical ut para dó), os compositores

Carissimi (autor de 15 Oratórios que dão um caráter definitivo ao gênero), Lully

(introdutor do balé na Ópera francesa), Corelli (autor de 48 Sonatas para dois

Violinos e Contínuo e criador de uma escola para instrumentos de arco),

Purcell ) o criador da ópera inglesa), Couperin (autor de L'art de toucher le

clavecin e primeiro instrumentista de teclado a usar o polegar, uma inovação

revolucionária), Albinone (o autor de Ópera Séria), Juan Bautista Bononcini

(rival de Handel que trocou a viola de gambá na orquestra pelo violoncelo,

dando importância a esse novo instrumento), Vivaldi (a grande admiração de

Bach, 10 anos mais moço, que reescreve seus Concerti Grossi para órgão),

Telemann (autor de 40 Óperas, 100 Suítes, 44 Paixões), Rameau (autor do

Tratado de Harmonia Reduzida a seus Princípios Naturais), John Gay (autor da

Ópera do Mendigo), Scarlatti (que, aos 24 anos, mesma idade de Händel,

disputa com ele uma competição promovida pelo Cardeal Ottoboni. Handel

vence no órgão e Scarlatti no cravo), Handel, alemão, naturalizado inglês, dono

do Covent Garden, a mais importante sala de concertos da época, um dos

autores mais férteis do barroco) e, naturalmente, Bach (descendente de uma

família com 120 músicos, o último grande músico barroco).


2.6. TEATRO BARROCO

O teatro Barroco passou a ser significativo durante o Século VXII, é

repleto se símbolos e metáforas. Na França ela foi diferente da Inglaterra e da

Espanha, já que deveria a se adaptar ao gosto refinado do público aristocrático

francês como a arte barroca em geral na frança, imitando o modelo Greco-

romano, quase que obrigatoriamente. Os reis Luiz XIV e Luiz XV, se dedicaram

de forma aterradora a dança, já Luiz XVI fundou a Comédie Franceise que

transformou o teatro em uma atividade oficial subordinada e patrocinada pelo

governo, procurando sempre textos alexandrinos, repleto de poesia e evitando

ao máximo temas violentos ou ousados, procurando sempre uma construção

lógica e coerente.

As famosas peças “o burguês fidalgo” e “O Avarento” (esta ultima

eternizada no Brasil com diversas apresentações de Paulo Autran)

simbolizavam qualidade e defeitos humanos, escritas por Molière, podemos

citar também Pierre Corneille que escreveu “Cid”, falando sobre o conflito entre

o sentimento e a razão (tema bastante propício ao clima barroco de quebra

com o renascimento), porém ao contrário do movimento barroco, nesta peça a

razão ganha, e Jean Racine que pintou personagens dominados por suas

paixões e destruídas por elas, como na peça “Fedra”.

Todos estes autores contêm traços do Neo-clássismo, obviamente ainda

não tão fortes como no próximo momento da história da arte.

Na Inglaterra o clima é de crise após a Revolução Puritana, onde Oliver

Cromwell fecha os teatros. Por isso no início do século XVII podemos citar

John Webnester e John Ford, antes do fechamento e após Francis Beaumont e

John Fletcher.

Já na Itália algo deveria acontecer já que esse pais é o berço do

Barroco, sendo que o teatro falado nesta região é pouco original, possuindo

características francesas, porém a Ópera traz revoluções que modificam o

drama. Foi nesta época que o teatro muda de sua cena reta (proveniente dos

gregos), e passa a ser utilizado o palco italiano (que a maioria dos palcos

brasileiros e do mundo acompanham até hoje), com o procenio arredondado e

as luzes da ribalta escondidas pela bambolina (cortina curta).


2.7. DANÇA BARROCA

A dança veio afastada

através dos séculos do circulo

artístico oficial, era considerada

pagã e só sobreviveu a Idade

Média nos guetos e povoados,

apesar de ser tão natural aos

homens, ao contrário do que

vemos em filmes da Idade Média.

Voltou a ser uma arte oficial com

o renascimento, voltando também

a ter um caráter teatral. O século

XVI veio com os primeiros

registros de dança, onde cada

localidade apresentava seu

próprio estilo.

Henrique II em 1533

casou-se com a Italiana Catarina

de Médicis que levou da Itália

para frança as danças de corte

desenvolvidas desde meados de 1400, trazendo diversos artistas italianos,

para ajudá-la no que seria o primeiro grande espetáculo de dança da história,

que continha cenários, artistas, coreografia e até direção artística, para o

próprio casamento da nova rainha francesa. 1581 foi o ano que a própria rainha

Catarina produziu no salão do Louvre um bailado com história centrada na

Mitologia grega, dança que se alternava entre música e verso, com estruturas

geométricas no desenho coreográfico, tendo a platéia num plano superior para

assistir, este ballet tinha 5 horas e foi interpretado pelos nobres da corte e pela

própria rainha. Posteriormente os Reis Luiz XIV e Luiz XV dedicaram-se a

fundamentar uma técnica de dança clássica com nomes como Charles Louis

Pierre de Beauchamps, considerados hoje como pais da dança Clássica e do

Ballet.

Rei Luiz XIV pintado por Hyacinthe Rigaud

Acervo do Museu do Louvre


2.8. BARROCO NO BRASIL

Os três primeiros

séculos do Brasil descoberto

foram a época do Barroco

brasileiro, sendo a maior

testemunha da arrancada

colonial no Brasil e da

riqueza adquirida através do

café, fumo e madeiras nos

dois séculos posteriores ao

descobrimento, e o extração

de minério de ouro, no

século XVIII e principio do

século XIX.

As regiões que o barroco teve sua maior suntuosidade no Brasil foi

Minas Gerais, o Rio de Janeiro Bahia e Pernambuco, porém há lugares onde o

Barroco é encontrado de forma mais modesta como Goiás, Mato Grosso, São

Paulo e até Rio Grande do Sul.

100 anos após o aparecimento dos colonizadores no Brasil, a população

já se multiplicava e uma cultura menos portuguesa e mais brasileira já se fixava

no Brasil, o contexto histórico do Brasil não era dos melhores já que os

portugueses aqui morando lutavam para se fixar economicamente levando em

consideração que tinham que se submeter ao status de colônia fortemente

explorada pela metrópole, tomando cuidado com o ataque de índios não

amigáveis pelo interior e de piratas em busca de Pau-Brasil pelo mar, lutando

contra a natureza e expandindo através dos bandeirantes o território para o

interior, e como se isso não bastasse toda economia girando em torno da força

de trabalho escrava.

E foi neste contexto que nasceu o barroco, entre guerras sofrimento,

porém uma paixão por uma nova terra com belezas naturais inconfundíveis e

magníficas, como citado por vários colonizadores. Neste clima de contrastes o

barroco que era a corrente na Europa se enquadrava perfeitamente, com seus

Interior da Igreja de São Francisco, Salvador

Padre Vicente das Chagas


paradoxos e sua idéia estética de exageros, e espiritual deixando para os

brasileiros modernos uma arte única que exprime os sentimentos da época

com alguma regionalidade sendo hoje patrimônios da humanidade segundo a

ONU.

Apesar das riquezas brasileiras nosso barroco já foi considerado tosco,

ou mal-feito, devido a diferença do barroco Europeu que tinha um caráter

erudito, sofisticado, sendo aqui aplicado normalmente pelas mãos de escravos

e mestiços sem grande formação artística, o que torna o Barroco brasileiro tão

diferente, rico e único no mundo.

Como sabemos a cultura Brasileira é multi-étnica, pois o barroco no

Brasil veio com certo atraso em relação a Europa, sendo constantemente

importando contendo elementos, ingleses, Italianos, espanhóis e portugueses,

tendo até mesmo influencia oriental, como se pode ver em alguma estátuas de

marfim oriundas da época, já que Portugal tinha constante contato com as

índias, devido o seu comércio de especiarias, lembrando que os religiosos

ativos no Brasil, normalmente era de outros

países sendo muitos deles até mesmo

literatos, pintores escultores, e arquitetos.

Em alguns casos isolados, a

contribuição indígena aos catequizadores,

ou mesmo partes exclusivamente indígenas

trouxeram novos elementos ao barroco

brasileiro, há também de se lembrar que

elementos populares foram inseridos já que

os artesãos predominavam nas obras já que

artistas com base e formação solidas eram

escassos no país.

Aleijadinho, Mestre Ataíde são os

grandes nomes do Barroco Brasileiro sendo

eles que amadureceram as raízes do

barroco, constituindo verdadeiras obras-

primas, brasileiras.

Cristo carregando a cruz -

Aleijadinho

Santuário de Congonhas do

Campo


3. BARROCO A SERVIÇO DA IGREJA

Num contexto geral a igreja católica havia perdido

poder na Europa para os protestantes, e se utilizou

obviamente da arte barroca para recuperar seu poder e

influencia, enquanto os religiosos buscavam atrair as

pessoas através da alma e do espiritualismo, a arte barroca

ajudava buscando seduzir os fieis pela suntuosidade,

exagero buscando aguçar os sentidos materiais.

Segundo os reformistas estas atitudes deveriam ser

sufocadas evitando o luxo excessivo, sendo até mesmo a

ser recomendada mais austeridade para os religiosos

através do concilio de Trento, porém os católicos ignoraram

as restrições , segundo Emanuel Araujo “a arte pode seduzir a alma, perturbá-

la e encantá-la nas profundezas não percebidas pela razão; que isso se faça

em benefício da fé”.

Esse cenário luxuriante era parte da própria essência

da catequese católica durante o barroco, largamente influenciada pelos

preceitos jesuíticos. A retórica barroca, base para todo o ensino, tinha um

sentido cenográfico e declamatório, e se expressava cheia de hipérboles e

outras figuras de linguagem, num discurso de largo vôo e minuciosa

argumentação, às vezes até excessiva para o gosto moderno. Tal

característica se traduziu plasticamente na extrema complexidade da obra de

talha e na agitada e convoluta movimentação das formas estatuárias e

arquiteturais das igrejas barrocas em todos os países onde o estilo prosperou,

pois era uma faceta básica do prolixo espírito da época expressa visualmente.

Era através de figuras dramáticas de cada história sagrada como cristos

flagelados e feridos, virgens com o coração trespassado, facas, e outros

artifício que a igreja buscava mais devoção atacando os sentimentos dos fieis,

apelando para a devoção ao trágico bíblico, o que foi deveras efetivo.

A maior patrocinadora da arte Barroca na Europa foi a igreja católica,

junto com as cortes, o que no Brasil não existindo, sendo aqui a arte totalmente

religiosa.

capela do Hôtel des

Invalides - Paris

Jules Hardouin-Mansar


4. O BARROCO A SERVIÇO DO ESTADO

A Europa medieval com

seus feudos e catedrais, e a

Europa renascentista com sues

burgos, nada tinha com a

Europa barroca, que com vários

desdobramentos unia muito bem

o estado com a arte barroca.

Em toda Europa, os

protestantes tentavam adquirir

poder, assim como a nova igreja

católica da Contra-Reforma, e

ambos usaram a arte barroca

em seu beneficio, e obviamente

em uma Europa onde todos os

países se esforçavam para se

firmarem como nações não

poderiam deixar de usar essa grandiosa arte como arma do estado.

A Crise na religião não afetou somente as do século XVI como também

a própria vida cotidiana. E nesse clima que a arte barroca se fixou como arte da

Igreja Romana, e da igreja protestante romana, sendo descaradamente usada

como propaganda da fé, mostrando a história dos santos, e estimular a

devoção, assim como o estado que utilizou isto para deixar os cidadãos mais

patriotas.

Para a facilidade destas alusões se deve a integração das artes visuais

barrocas, já que a pintura, a escultura e a arquitetura se tornam elementos

complementares um do outro, formando obras de arte de grande suntuosidade

e peso carregada de dramaticidade e curvas para enaltecer o prédio e prender

totalmente a atenção do público, se tornando um forte elemento de

“propaganda”, política, religiosa e estatal.

Obviamente o Barroco acabou influenciando de grande forma o campo

urbanístico, interferindo diretamente na organização das cidades européias,

Narciso – Caravaggio

The Yorck Project


difundindo a “Ideologia do poder” através de grandes monumentos, e utilizando

das recém inventadas e conhecidas dos modernos, praças e avenidas que

serviam de apoteose para procissões religiosas, e triunfos cívicos, sendo um

grande “palco”, para a arte barroca.

A imagem e a persuasão usada neste período são vistas também no

conceito de centro e periferia das cidades que representava de diversas formas

onde cada um deveria estar, sendo que a ascensão dos estados nacionais e a

centralização de poder que o estado unificado trouxe a vida cotidiana dividiram

claramente as diferenças culturais dos centros urbanos e das províncias

sempre periféricas em relação ao anterior.

A ostentação encontrada no barroco nada mais que um signo de

autoridade tanto do estado quanto da igreja, sobre a população chegando a

estes como uma espécie de persuasão símbolos.

O Rapto de Proserpina - Gian Lorenzo Bernini

Galleria Borghese - Roma)


5. ROCOCÓ

Entre o Barroco e o

Neoclassicismo nasce primeiramente

na frança o estilo rococó, que é visto

por muitos como uma variação

profana do barroco, surgindo em um

momento em que o barroco se liberta

da temática religiosa e começa a se

“dedicar” principalmente nos palácios

civis. Segundo alguns autores o

rococó é literalmente uma

continuação do barroco mais leve e

delicada.

O século XVIII ambienta o

desenvolvimento do estilo, em uma

época de relativa paz na Europa

marcada apenas pela revolução

Americana (no novo-mundo) em

1776, e a revolução francesa em 1789.

O rococó começou, como um estilo remanescente o barroco, e terminou,

com muitas características já formadas do neoclassicismo, devido a ser um

estilo de transição, porém isto não faz com que se torne uma arte menos densa

no sentido de que, foi consolidado um estilo artístico, Rococó significa concha,

em francês, signo muito usado na arquitetura de palacetes da burguesia e

realeza. Tanto na ourivesaria, quanto na pintura, escultura e na decoração de

interiores, o rococó é marcado por linhas curvas delicadas e fluidas com cores

suaves, retratando normalmente o mundano mundo das festas de corte, em

que os pintores representavam os costumes e atitudes de uma sociedade

frívola e em busca da felicidade, da alegria de viver e dos prazeres sensuais.

Enquanto que o barroco foi marcado por forte carga espiritual e dramática.

No século XVIII os edifícios do Rococó possuíam uma grande abertura

para luz, por isto é chamado de “estilo da luz”. Os Pintores mais

“A letra do amor” - Jean Honoré

Fragonard

Museu Metropolitano de arte de Nova

York


representativos do Rococó foram François Boucher, Antoine Watteau e Jean

Honoré Fragonard, enquanto no Brasil tardiamente o rococó vem representado

na pintura mural e arquitetura por José Pereira Arouca, Francisco Xavier de

Brito, Manuel da Costa Ataíde e Antônio Franscisco Lisboa, o aleijadinho, que

foram representativos, tanto no rococó quanto no barroco.

Os temas eram normalmente cenas eróticas ou galantes da vida cortesã,

e da mitologia, pastorais e alusões ao teatro Italiano da época. Na frança o

Rococó ainda pode ser chamado de estilo Luiz XV e Luiz XVI, por ter sido

altamente patrocinado por estes reis.

No século XVIII, Roma perdeu

seu poderio artístico, que a uma das

capitais do Renascimento, e do

Barroco, e Paris tomou posse deste

título, onde o decorador Pierre

Lepautre fazia do seu novo estilo

decorativo o Rococó que nascia. Por

isto a Arquitetura foi marcada neste

período pelo uso de tons pastéis, ao

invés das cores vivas do barroco,

assim como a nova arquitetura fazia

com que a luz difusa invadisse os

interiores, por meio de numerosas

janelas, assim como as paredes que

passaram a ter texturas suaves no

lugar dos relevos abruptos, a graça e

intimidade dos interiores das

construções foram realçadas com a unificação do espaço interno e com a

leveza das estruturas. Foi Johann Michael Fischer que construiu a abadia

beneditina de Ottobeuren, sendo um marco do Rococó bávaro, ganhando seu

lugar de destaque como principal arquiteto do período, responsável ainda por

vários edifícios na Baviera e a restauração de diversos outros.

Vale citar que o novo estilo perdeu o caráter de monumentalidade do

Barroco, se dedicando (principalmente na frança, ao edifícios civis, criando

novas técnicas e tipologia das casas aristocráticas levando em conta que

Johann Michael Fischer


prezavam mais a intimidade e o conforto, que grande palácios não

comportavam. Estas casas tinham como principal característica dissociar os

cômodos quando necessário para representar melhor sua função, com

iluminação e uma decoração requintada. A Inglaterra e a Itália foram

resistentes ao estilo Barroco e pouco contribuíram para o seu desenvolvimento,

o que não aconteceu na Alemanha e na Áustria, onde o Rococó se

desenvolveu principalmente como arte religiosa (ao contrário da França), sendo

que apesar das fachadas relativamente simples, seus interiores possuíam toda

a complexidade espacial e requinte decorativo próprios deste estilo, integrando

arquitetura com os elementos de escultura e pintura, produzindo uma “obra de

arte total”.

Vale dar maior relevância também as igrejas do arquitecto Dientenhofer,

em Praga, a pequena igreja de peregrinação In der Wies, na Alta Baviera, obra

dos irmãos Zimmermann e a monumental igreja da abadia de Wierzehnheiligen

na Baviera, de Balthasar Neumann.

Em Portugal a arquitetura rococó não atingiu um nível artístico

comparável ao dos restantes países

europeus. De entre os edifícios

erguidos neste período destacam-se a

ala poente do Palácio de Queluz,

desenhada pelo francês Robillon, um

conjunto de igrejas construídas para

Lisboa após o terremoto de meados da

centúria e uma série de pequenos

edifícios civis e religiosos projetados

por André Soares para a região de

Braga.

Estilisticamente e

cronologicamente não é possível traçar

uma clara linha na transição na pintura

e escultura, do barroco para o Rococó,

sendo a escultura deste período é

fortemente ligada à decoração e Ninfa e Sátiro se Divertem

Claude Michel Clodion


arquitetura, sendo em sua disposição dentro dos edifícios o verdadeiro espírito

do estilo. O individualismo das peças, e suas existências a parte das outras,

ajudam a dar equilíbrio na decoração interior nas igrejas

Na escultura temos Egid Quirim Asam (1692-1750), exemplificado pela

obra "Assunção da Virgem", na Abadia de Rohr, Alemanha, e Claude Michel,

ou Clodion, um dos últimos expoentes do rococó francês, com sua obra "A

Ninfa e o Sátiro".

Merece destaque

também, ainda, as

esculturas realizadas em

larga escala, em especial

na Alemanha e na

Áustria, lembrando que

foraas igrejas deste

países a escultura deste

período foi de pequena

escala, surgindo

geralmente no interior

das igrejas e palácios.

Já a pintura do

Rococó valorizava a

mancha colorida, em detrimento da linha, para as composições baseadas em

traçados ondulantes, predominando as artes ornamentais. Preferencialmente a

pintura retratava a vida cortesã. Em Veneza o grande reconhecimento da

pintura foi inevitável pela produção original de paisagens urbanas por pintores

como Francesco Guardi (quase impressionista), sendo que o mais famosos

pela produção de grandes frescos foi Giambattista Tiepolo.

Como já citado o rococó e o Barroco tem forte relação, sendo o Rococó

considerado por muitos uma continuação Barroca, toda via a arte rococó se

diferencia pela leveza e delicadeza, oferecendo de certa forma menos

exuberância e vigor. O rococó mostrava uma vida de divertimento enquanto o

barroco mostrava principalmente a temática religiosa.

“ La Gamme d’Amou”

Jean-Antoine Watteau


6. ROCOCÓ A SERVIÇO DO ESTADO

Principalmente na

frança o rococó foi muito

utilizado pelo estado a

procura de uma

reurbanização e do

glamour que os

franceses mereciam,

sendo um estilo tão de

elite que foi considerado

por muitos autores uma

arte frívolas na frança,

assim como hoje se

tornou um termo similar a

“frescura”, utilizado nas rodas populares, sendo até mesmo a embalagem das

balas de coco de festas infantis chamado de papel Rococó.

Nada que impressione muito foi feito deste estilo pelos governos, sendo

basicamente uma arte mais decorativa, que ostentava uma imagem de uma

elite que apenas estava a procura de esquecer seus reais problemas, e

procurando um ambiente mais intimista e confortável, o que de certa forma não

era uma coisa muito comum na Europa do século XVIII, tendo em vista que

viemos da idade média, onde a higiene e o conforto da elite não era comum já

que os castelos não eram lugares muito confortáveis, assim como no

renascimento, com a busca deste conforto o barroco se tornou um estilo

intimista, usando da pintura e da escultura como decorações internas, das

moradias.

Obviamente neste âmbito os grandes patrocinadores da arte barroca,

principalmente na França, foram os nobres e a realeza, procurando

desenvolver esta arte que não chegou a modificar as estruturas urbanísticas

como o Barroco, mas teve uma considerável influência em todos os países em

que se desenvolveu, chegando ao Neoclassicismo com praticamente todos os

elementos pertinentes a este novo estilo que estava por vir.

Salão oval do hotel Soubisse - Paris


7. ROCOCÓ A SERVIÇO DA IGREJA

A relação do Rococó com a igreja, não foi muito diferente do Barroco,

porém ao invés da Itália, Inglaterra e frança, o Rococó teve seu ápice nas

Igrejas alemãs e austríacas, tendo em vista que para a corte francesa o

Rococó era importantíssimo nas casas e palacetes, ao contrário da Alemanha

e Áustria que sua importância era exatamente nas igrejas.

Obviamente suas

funções acabavam sendo mais

ou menos as mesmas do

barroco, através da forte

decoração principalmente

interna das igrejas,

deslumbrava e recontava

histórias bíblicas fazendo com

que os fieis, fossem

“persuadidos” na fé, seja nas

igrejas católicas como nas

reformistas, mesmo que nesta segunda o estilo tenha sido mais “acanhado”.

A decoração do Rococó se sobrepunha sobre a estrutura da igreja,

assim como o interior sobre o exterior, esta decoração era de grande

ornamentação e minúcia, sendo até mesmo extravagante para as igrejas,

usando muito de ornamentos ilusionistas, e figuras escultóricas que “voam”,

fazendo a parede quase que desaparecer, num mágico efeito de leveza, como

por exemplo, o salão Rococó de Kaisersaal, do palácio de Wurzburg.

Não se pode esquecer que o Rococó esteve presente em toda Europa.

A Igreja fez uso de efeitos impressionantes em suas construções. O

mosteiro de Melke, às margens do Danúbio, com sua cúpula e torres de

formato insólito, ergue-se sobre a colina como uma aparição irreal, para quem

navega rio abaixo.

Foi edificado por um construtor local Jakob Prandtauer (falecido em

1726) e decorado por alguns dos virtuosi itinerantes italianos que estavam

Salão de Kaisersaal – Irmãos Asam

Sul da Alemanha


sempre dispostos a retirar novas idéias e novos projetos do incomensurável

repertório de modelos barrocos.

Com que maestria esses humildes artistas tinham aprendido a difícil parte de

agrupar e compor um edifício, dando-lhe uma aparência de grandeza sem

monotonia.

Também eram cuidadosos ao graduar a decoração e ao usar com

parcimônia as formas mais extravagantes, mas sempre com a maior eficácia,

nas partes do edifício que queriam destacar.

No interior, porém, abandonavam todas as limitações. Nem mesmo

Bernini ou Borromini, em seus dias de humor mais exuberante, teriam ido tão

longe. Uma vez mais, devemos imaginar o que significa para um simples

camponês austríaco deixar sua humilde casa na granja e penetrar nesse

estranho mundo encantado.

Há nuvens por toda

parte, com anjos tocando

música e gesticulando na

bem-aventurança do

Paraíso. Alguns pousaram

no púlpito, tudo parece

mover-se e dançar, e a

arquitetura que cerca o

suntuoso altar parece

oscilar ao ritmo dos

cânticos jubilosos. Nada é

"natural" ou "normal" em semelhante igreja... nem pretendia ser. A intenção é

fazer-nos antegozar a glória do Paraíso. Talvez não seja essa a idéia que o

homem comum faz do Paraíso, mas, quando está envolvida por tudo aquilo,

qualquer pessoa sentir-se-á feliz, pondo de lado todas as interrogações.

É como se penetrasse num mundo em que as nossas regras e nossos

padrões simplesmente não se aplicam.

Jakob Prandtauer - Mosteiro de Melk

(Áustria - 1702)


8. CONCLUSÃO

Desde a pré-história o

homem vem produzindo arte,

consciente ou inconscientemente

passando por diversos estilos e

maneiras de fazê-la. Ao estudar

história da arte nós separamos

períodos e estilos de acordo com

o tempo, apesar de sempre

lembrar que estes estilos não

foram propositais e sim seguiam a

cultura e os saberes do período.

O Renascimento veio com uma

idéia nova de sociedade e

religiosidade passando ao

barroco com uma transição

chamada maneirismo, o Barraco

passou ao Neoclassicismo com

uma transição chamada Rococó.

O barroco tem como sua

principal característica a

suntuosidade de suas obras, assim como a dramaticidade de todos os

elementos deste estilo buscando integrar todas as artes plásticas em um só

elemento, como por exemplo, a pintura e a escultura que se integraram

novamente a arquitetura (da mesma maneira que a idade média e ao contrario

dos clássicos e do Renascimento).

Foi no barroco que grandes mestres surgiram nas mais diversas áreas

da arte, como por exemplo, Michelangelo Merisi Caravaggio que utilizou dos

modelos clássicos, porém sendo um ícone barroco distorcendo as proporções

e as perspectivas para dar maior dramaticidade ao trabalho, utilizando

largamente dos recursos de iluminação na obra.

Detalhe da Catedral de Toledo –

Espanha

Narciso Tomé, 1721


Igreja de Santo Antônio.

Recife. Rococó. De 1790

O barroco rompe com a idéia de lógica e perfeição do renascimento

sendo um estilo focado nos sentimentos, dando mais ênfase ao sentir do que

ao perfeito ou racional, colocando sempre em “xeque” o conflito entre o bem e

o mal, Deus e o Diabo, perfeito e imperfeito, utilizando de técnicas

completamente exageradas em comparação com os outros estilos.

Este estilo teve fortes representantes na literatura, música e até mesmo

teatro, sendo a época exata em que se substitui o modelo de teatro de arena,

passando ao palco italiano mais utilizado até hoje, foi também durante o

barroco e o rococó que a dança se desenvolveu como a técnica conhecida até

hoje, sendo introduzido por Catarina de Médici na França durante o Barroco e

modificado e estruturado pelos reis Luiz IV e Luiz XV, e com grandes mestres

franceses como Pierre Beachaumps durante o Rococó.

Já no Brasil tanto o Barroco quanto o Rococó chegaram tardiamente,

sendo estimulado pela extração de minério de ouro em Minas gerais, e a

produção de Café no resto do país, tentando angariar mais fieis a igreja

católica e mostrando o poderio dos nobres “Brasileiros”.

O clima no Brasil durante o nascimento do estilo era de medo e

desconfiança já que os nobres lutavam contra os piratas na costa brasileira e


contra os nativos no interior do país, mesmo assim avançando largamente para

o mesmo, sendo a mão de obra quase que totalmente escrava. Devido a esta

situação econômico-social do “novo-mundo”. A arte barroca no Brasil não foi

produzida por grandes mestres e sim por religiosos que haviam estudado na

Europa todo tipo de arte, sendo constantemente importado conhecimentos de

lá, porém a produção era em maior parte de artesãos já que artistas com

formação sólida eram escassos no país. Podemos citar grandes mestres nas

mais diversas áreas artísticas do barroco brasileiro, que hoje é considerado

patrimônio da humanidade pela UNESCO, sendo os maiores artistas do estilo,

Aleijadinho e Mestre Ataíde.

Tanto o Barroco quanto o Rococó teve suas funções para a igreja e o

estado reestruturando a urbanização da Europa e buscando mais fieis a igreja

católica que perdia força neste momento da história. Houve uma tentativa de

um tratado para não influenciar as pessoas religiosamente por meio da

suntuosidade, proposta esta rechaçada pela igreja católica chamada então de

igreja de contra-reforma se valendo do suntuoso e dramático estilo barroco

como um meio de publicidade para sua fé, construindo grandes igrejas e

catedrais com imagens dos santos e da vida de cristo, normalmente sofrendo.

O Rococó tem

como principal uso a

decoração buscando

sempre o conforto e

intimidade não

conseguida em outros

tempos, principalmente

entre os nobres e a corte

francesa, com cenários

cortesãos e de

frivolidades buscando

esquecer os problemas

reais do dia-a-dia. Já na Áustria e Alemanha o rococó foi mais utilizado nas

igrejas, possuindo uma fachada relativamente simples em comparação com

seu interior que possuía grande riqueza de decoração com esculturas e

adereços que cobriam as paredes quase que por completo.

The Supper at Emmaus

Caravaggio


9. REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA

ARGAN, Giulio Carlo. Imagem e persuasão: ensaios sobre o barroco.

Organização de Bruno Contardi. Tradução de Maurício Santana Dias. São

Paulo: Companhia das Letras, 2004, 568 p.

ÁVILA, Affonso. O Lúdico e as Projeções do Mundo Barroco. São Paulo, Ed.

Perspectiva, 1971

COSTA, Eugenio Alves da, D´ORS, Eugenio, O Barroco, Editora Veja, 1990,

ISBN 9726992389

Enciclopédia digital – disponível em: http://www.enciclopedia.com.br/ -

26/04/08

Portal historianet diponivel em:

http://www.historianet.com.br/conteudo/default.aspx?codigo=246 – 24/04/09

Rococó. In Infopédia Porto: Porto Editora, 2003-2009. [Consult. 2009-04-26].

Disponível EM: http://www.infopedia.pt/$rococo>.

JANSON, H. W. História da Arte, São Paulo, Ed. Martins Fontes, 1992


Rodrigo José Guergolet

Ribeirão Pires, 27 de abril de 2009


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