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EL DISEÑO INDUSTRIAL DEL SIGLO XX REALIZADO POR: JOSE MIGUEL SOBRADILLO DELGADO

historia del dise±o industrial del siglo XX

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EL DISEÑO INDUSTRIAL DEL

SIGLO XX REALIZADO POR: JOSE MIGUEL SOBRADILLO DELGADO

INDICE Introducción pag. 3 El movimiento ``Arts and Crafts´´ pag. 6 El ``Art Nouveu´´ pag. 12 El movimiento Moderno y ``De Stijl´´ pag. 19 La Bauhaus pag. 25 El Art Deco, la escuela Escandinava pag. 31 y el Modernismo Americano El Pop Art pag. 35 El postmodernismo pag. 38 Bibliografía pag. 44

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1) INTRODUCCIÓN En esta exposición sobre el diseño industrial del siglo XX intentaremos diferenciar los periodos más relevantes así como los movimientos y diseñadores más influyentes de cada uno de ellos, situándolos históricamente. También mencionaremos sus creaciones, ilustrando las más conocidas. Veremos que se dan algunas coincidencias entre periodos, como por ejemplo que muchos diseñadores provienen de la arquitectura y se han transformado en creadores de objetos funcionales y elegantes a la vez. Para finalizar comentar que los diseñadores se han visto influidos por otros artistas contemporáneos así como por escritores y sobretodo por una opinión publica cada vez mas interesada en la materia cuya relevancia va creciendo a medida que avanza el siglo. A continuación mencionaremos los periodos mas importantes del diseño industrial del siglo XX con una breve explicación de cada uno de ellos que nos servirá para situarlos tanto histórica como físicamente. Por supuesto se trata de una pequeña introducción, extendiéndonos más en los siguientes apartados. 1.1) EL MOVIMIENTO ¨ARTS AND CRAFTS ¨ Este periodo se desarrolla entre los años 1851 y 1914 y aunque no pertenece en su totalidad al siglo XX nos servirá para situar los comienzos del diseño industrial de ese siglo. Veremos como la evolución del diseño industrial del siglo XX nace en este periodo llamado ¨arts and crafts¨. En este periodo comprobaremos como el uso de las materias primas que nos proporciona la naturaleza es mayoritario. En muchos casos esto será un condicionante a la hora de diseñar y a la hora de definir la funcionalidad de un objeto. Este movimiento es muy artesanal y el uso de tecnología es mínimo ya que todo depende de las manos del artista o diseñador. El uso de la madera es predominante aunque también se usan algunos metales como el hierro y cobre así como aleaciones donde el bronce cobra especial interés gracias a su maleabilidad que permite al artesano lograr formas curvas con facilidad. 1.2) EL ARTE ¨NOUVEU¨ Los comienzos del ¨art nouveu¨ coinciden con el comienzo del siglo XX y aunque este término es de procedencia francesa, este

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movimiento se extendió por todo el mundo aunque sus inicios se sitúan en Bélgica. Es un movimiento paralelo al ¨arts and crafts¨ pero son muy diferentes. Mientras que en el ¨arts and crafts¨ las formas eran sencillas y sobrias en el ¨art nouveu¨ las formas ganan complejidad. 1.3) EL MOVIMIENTO MODERNO Y ¨ DE STIJL¨ Estos dos movimientos nacen en Estados Unidos y en Europa simultáneamente hacia el año 1920. En Europa se focalizó en Holanda y en Alemania. En estos movimientos la búsqueda de la funcionalidad del objeto es fundamental. Es la función del objeto la que obsesiona al diseñador y le guía hacia una forma bella y de aspecto totalmente diferente al de los movimientos anteriormente mencionados. 1.4) LA BAUHAUS Fue fundada en Alemania 1919 y cerrada posteriormente en 1933 por los nazis. La Bauhaus fue una continuación lógica de una escuela alemana anterior a ella llamada Werbund. Fueron las escuelas que más utilizaron la revolución tecnológica a la hora de diseñar. Se basaban principalmente en la funcionalidad del diseño y estaban muy influenciadas por las escuelas inglesa y holandesa. La producción en masa que empezaba a utilizarse en esa época influyo mucho en la Bauhaus y convirtió los diseños en una mezcla de tecnología y arte. 1.5) EL ¨ART DECO¨ , LA ESCUELA ESCANDINAVA Y EL MOVIMIENTO AMERICANO El ¨art deco¨ se inicio en Paris en 1920 y se desarrollo hasta 1930, se suele llamar el arte de entre-guerras. Gracias a la exposición de Paris llamada Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales ¨ el ¨art deco¨ cobro una gran relevancia. La escuela escandinava se inicio en 1922 en los países del norte de Europa. La escuela escandinava buscaba la sencillez de las formas y el logro de grandes espacios libres. El movimiento americano se desarrollo durante los años 30 en EEUU y sobre todo se basaba en el desarrollo de grandes formas sinuosas y llamativas que tuvieron su apogeo en la industria automovilística.

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1.6) EL POP ART Todos los movimientos anteriormente mencionados se desarrollaron durante la primera mitad del siglo XX. El pop Art. se desarrollo en la segunda mitad y tuvo en los años 60 su momento álgido. Los diseños eran extravagantes y estaban muy influidos por la sociedad y los iconos mediáticos. 1.7) EL POSTMODERNISMO Este movimiento empezó a finales de los años 70. El postmodernismo vino después del pop Art. pero no para romper con él, sino para continuar su legado. Aquí todo vale el color, la ironía, diseños con sentido del humor y en general un desarrollo en el empleo de nuevos materiales que ya se había reproducido de una forma clara en el pop Art.

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2) EL MOVIMIENTO ¨ARTS AND CRAFTS ¨ El movimiento ¨ arts and crafts¨ empieza en 1851 y termina hacia 1914. Nace en Inglaterra impulsado en sus comienzos por William Morris. Él es la principal figura de este movimiento, diseñador, escritor y poeta, pero sobretodo un defensor acérrimo de la forma de vida tradicional inglesa. Teniendo en cuenta que durante este periodo se desarrollo plenamente la revolución industrial, él tuvo que luchar contra ella ya que Inglaterra experimento una rápida industrialización, justo lo contrario de lo que el quería plasmar en sus diseños. Cuando hemos fechado el inicio del movimiento ¨arts and crafts¨ lo hemos hecho en 1851, esto se debe a que en ese año tuvo lugar la Gran Exhibición del producto de la Revolución Industrial en Inglaterra. Fue totalmente subvencionada por el Príncipe Alberto y se llevo acabo en el Palacio de Cristal, un extraordinario edificio de hierro y cristal, construido para la ocasión y que fue la verdadera joya de la exposición. Como se puede ver en la ilustración, el Palacio de Cristal es un edificio imponente pero sobre todo rompedor con el estilo arquitectónico de la época, aunque se puede ver la influencia en la decoración del estilo tradicional, como por ejemplo en los jardines interiores, fuentes y balcones. Esta vegetación le daba un toque exótico y su objetivo era dar un aspecto lujoso al edificio ya que en realidad se trataba de una construcción un tanto pobre y con una funcionalidad banal. La cúpula de cristal permitía el paso de luz, necesaria para la vegetación interior y dotaba al edificio de una sensación de gran amplitud haciendo que la gente se sintiese cómoda y a la vez asombrada por la construcción. Dentro del edificio se mezclaban los objetos decorativos realizados a mano con las nuevas maquinas que ayudarían en los nuevos procesos de fabricación, consiguiendo de esta forma una compenetración entre lo nuevo y lo viejo. Anteriormente hemos comentado la lucha que tuvo Morris con sus contemporáneos, con lo que respecta al diseño de los productos. Hasta la fecha el diseño había sido dirigido por la tecnología del momento que imponía sus limitaciones a la hora de diseñar objetos.

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Debido a esto y como se puede observar en la figura, los objetos se limitaban a una decoración superficial excesiva y a una ornamentación agobiante y sobrecargada que lo único que buscaba era la complicación en la parte exterior, pero se olvidaba totalmente de la esencia del objeto y de su funcionabilidad. Esto era todo lo que Morris quería evitar en sus diseños y conseguir lo radicalmente opuesto, es decir, él y algunos contemporáneos, querían romper con todo lo comentado anteriormente, buscando sobre todo el empleo de nuevos materiales, la calidad en la fabricación y por encima de todo, que el objeto exprese su propia identidad y funcionabilidad a simple vista, evitando la decoración o buscando la simplicidad en ella. A consecuencia de ese deseo de romper con todo lo anterior, William Morris fundo, en 1861, lo que seria la compañía de las `` Arts and Crafts´´ llamada The Firm, con sus colegas Marshall y Faulkner. El objetivo de The Firm era buscar lo estéticamente incorrecto a la hora de diseñar. De esta forma, querían sustituir los objetos bien hechos y bien decorados, en objetos producidos en masa por las factorías y sus nuevas y modernas maquinas, es decir, el inicio de la producción en serie. Ellos se definían a si mismos como trabajadores en el arte de pintar y construir, así como expertos en madera y metales. Vemos como se llaman a si mismos trabajadores y no artistas. Para ellos lo verdaderamente impresionante de la Gran Exposición era la maquinaria y los utensilios porque ellos eran diseñadores de la utilidad absoluta y de la ``noble´´ simplicidad. En la industria, el uso intensivo de maquinas y la transformación de la producción en áreas y factorías especializadas, produjo una fragmentación en el diseño y en las actividades de fabricación. Esta separación entre el diseño del objeto y su fabricación hizo que los expertos artesanos, que hasta la fecha se encargaban de todo, es decir, diseño y fabricación, perdieran sus empleos o se reciclasen en operarios y ``maquinistas´´. Los patrones se sacaban de libros y tanto los diseñadores como los operarios perdieron todo el control individual sobre sus creaciones. A raíz de esto, Morris empezó a observar como la nueva forma de fabricar objetos contribuyó a la alineación de los trabajadores, que estaban acostumbrados a controlar todo el proceso y ahora solo se limitaban a hacer lo que les decían con las maquinas que les decían. Esta alineación de los trabajadores se reflejaba en la calidad final de los objetos, la cual iba disminuyendo. Así que Morris cambio de opinión y pensó en retornar a las antiguas asociaciones entre artesanos. De esta forma trabajando todos

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juntos pero de una forma artesanal, se conseguiría retomar el control de la fabricación.

Fue influido hacia ese objetivo por el artista y escritor John Ruskin, en cuyo libro ``Las Piedras de Venecia´´ vislumbro el desarrollo del arte y la arquitectura gótica y su belleza a la hora de mostrar la simplicidad de la sociedad medieval. Ruskin encauzó sin querer la nueva era industrial en Inglaterra hacia la búsqueda de las formas naturales y de la simplicidad en su estilismo. Declaro que el estilo gótico era el modelo a seguir e impulso el retorno a la artesanía, eso si buscando una simplicidad natural, nada que ver con la anterior época artesanal, en la que reinaba el exceso ornamental. Como se puede ver en la figura de la izquierda, vemos como esta silla se ha

realizado de forma artesanal, aunque conserva las formas naturales y no esta excesivamente decorada. Se ve que es una silla resistente y funcional que era lo que verdaderamente se quería conseguir al tomar como ejemplo el estilo gótico. Mientras que Morris en la fabricación daba relevancia al estilo artesanal aunque seguía teniendo en cuenta a la maquinaria, en sus grabados se olvidaba totalmente de las maquinas e impulsaba el trabajo realizado íntegramente con las manos. Morris también influyo en el campo textil, así como en el diseño del papel de pared y la decoración de libros.

En todos ellos introdujo las formas naturales y sus conocimientos de la forma de trabajo medieval. En la imagen de la izquierda se puede observar un trozo de papel de pared diseñado por Morris como predominan las formas naturales. Todavía se fabrican algunos de estos diseños de papel de pared y lo curioso es que se hace en sus colores originales. Él sobre todo quería que los objetos de diseño predominasen en su entorno, no

quería simplemente objetos fabricados sino objetos diseñados de una forma inteligente y simple. Morris y sus colaboradores creían que los materiales debían participar en el diseño de los objetos de una forma directa y traspasando su propio valor al objeto en cuestión, por ejemplo conservando el color y veteado naturales de la madera. Ellos pensaban que la primera norma a seguir a la hora de diseñar un objeto en un material concreto es respetar las

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propiedades propias del material. Esto se debía reflejar en la forma de trabajar del artesano, el cual, según Morris, debería haber implantado su humanismo en la naturalidad del material, algo demasiado etéreo para que muchos artesanos lo entendiesen y lo llevasen a la práctica. Mientras que William Morris es la figura mas representativa del ``Arts and Crafts´´ el movimiento, en realidad, era un conjunto de asociaciones de artesanos, que seguían a conciencia las teorías de Morris. Estas asociaciones se llamaban `` Guilds´´ recibiendo su nombre de la época medieval, en la que así se les llamaban a las asociaciones de artesanos y comerciantes. Además de estos ``Guilds´´ sobresalían algunos diseñadores como: Philip Webb, Walter Crane, W R Lethaby, Charles Voysey y Rennie Mackintosh.

Philip Webb siguió la tradición gótica en lo que respecta al diseño de muebles, en el que intentaba plasmar la simplicidad en las formas del gótico. Como en la mesa de la figura un diseño suyo de 1860 realizado en madera en el que se ve claramente como el diseñador conserva la forma y el color natural de la madera. Solo queda añadir que Webb

era el principal diseñador de muebles en ``The Firm´´ Walter Crane era un ilustrador y un decorador de libros, así como un diseñador de papel de pared, tejidos y cerámica. Su forma de trabajo así como su estilo propio eran ágiles y fluidos, llenos de movimiento y ritmo e influyeron muchísimo en el ``Art Nouveu´´ que mas tarde se desarrollaría en Europa. Su estilo a la hora de diseñar libros, sirvió para ver como se entrelazaban los textos con las ilustraciones, donde la letra tenía tanta relevancia como las imágenes. Debido a esto las letras ocupaban el mismo espacio que los dibujos, como se puede ver en la imagen de la izquierda.

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William Lethaby era el socio de Walter Crane, solo que él se ocupaba de los muebles y Crane de los libros. Lethaby era el paradigma de la simplicidad y sus diseños eran muy básicos enfatizando el material y la construcción de calidad por encima de la ornamentación. Charles Voysey era un arquitecto que al principio diseñaba tejidos y libros y que mas tarde diseño muebles. Su trabajo, como no, también estaba muy influenciado por el gótico medieval, pero sobre todo era el verdadero lugar teniente de Morris. Utilizaba prácticamente todos los patrones de Morris, solo que utilizaba colores mas vivos y calcaba la forma de las plantas en sus dEn sus creaciones para la casa, predominan las formas simples y minimalistas, en las que el material es el verdadero protagonista, como se puede observar en esta figura.

iseños.

William Benson era otro de los socios de Morris, arquitecto y especialista en el trabajo y manejo de los metales. También era diseñador de telas y tejidos, pero lo que más le gustaban eran los muebles. Con ellos podía hacer lo que quisiera ya que mezclaba metal con madera de una forma exquisita. También fue uno de los que introdujo el metal como un refuerzo para los muebles de mayor uso y desgaste. Rennie Mackintosh era arquitecto también y miembro de `` The Glasgow Four´´, un grupo de diseñadores que creaban muebles de interior basándose en los principios de los `` Arts And Crafts´´. Sus creaciones más que muebles son esculturas de aspecto arquitectónico y exageradas proporciones. Eran iconos de diseño pero no eran muy sólidos estructuralmente hablando. Se evadían un poco de su función y buscaban llamar la atención con sus desproporciones. Vemos un ejemplo en esta silla, que como se puede comprobar el respaldo es muy largo en comparación con las patas, que son cortas y harán difícil el permanecer sentado en ella a una persona.

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En las sillas diseñadas por Mackintosh se puede ver un toque japonés, que sin duda ayudo a la introducción del arte japonés en los diseños europeos. Veremos como el arte Japonés influirá en otros movimientos, como por ejemplo, el `` Art Nouveu´´. De esta forma se palpara la influencia japonesa en los diseños del centro de Europa e Inglaterra, durante la transición desde el ``Arts and Crafts´´ al ``Art Nouveu´´. Esta transición no se hace de una forma brusca, ya que veremos que muchos diseñadores del primer movimiento influyen en el segundo. Aunque el cambio de siglo contribuyó en la aceleración de ese cambio, éste no se pone de manifiesto hasta que muchas revistas especializadas hablan del `` Art Nouveu´´ de forma clara y relevante.

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3) EL ART NOUVEAU El ``Art Nouveau´´ es la traducción al francés de arte nuevo, utilizándose por primera vez en una publicación belga, ``Art moderne´´ , de corte vanguardista en su numero de febrero de 1889. El termino se empleo de una forma familiar en Francia, pero tomo una especial relevancia cuando se inauguró en Paris, en 1895, la tienda de muebles del comerciante Siegfrid Bing, llamada `` Maison Art Nouveu´´ , que en castellano quiere decir la casa del nuevo arte. En esta tienda se comercializaba con muebles y se diseñaban interiores totalmente innovadores. Era una tienda que también importaba material, lo cual significaba una ruptura del estilo convencional que mandaba en Europa en ese momento. Gracias a esa importación se consiguió que material de otras zonas del globo llegase a las manos de artistas europeos y les proporcionasen ideas que jamás hubieran podido imaginar. De esta forma se empezó a introducir el uso del cristal como elemento decorativo y otros materiales exóticos. Este ``Art Nouveau´´ también era conocido como el arte joven y aunque provenía del ``Arts and Crafts´´ ingles, intentaba separarse de él mediante el uso de formas curvilíneas, de toque exuberante, diseños asimétricos y fantasía. Este nuevo arte siguió diferentes orientaciones, que a menudo resultaban conflictivas, calando hondo en algunas ciudades importantes como Barcelona, Munich, Viena y Glasgow. Cada una de ellas aportaba ideas a la nueva vertiente artística, ideas que muchas veces resultaban contradictorias y dificultaban el aunamiento de todas las corrientes. Podemos ver en estas dos imágenes de la derecha, dos elementos representativos del ``Art Nouveu´´ . Los elementos lineales originados por los principios de diseño del ``Arts and Crafts´´, derivados de las formas naturales de las plantas, se transforman en curvas sinuosas que no solo decoran la parte exterior de los objetos, sino que también participan en su estructura. De esta forma, se reemplazan las formas simples y rectas de los diseños del ``Arts and Crafts´´ por formas redondeadas que aportan exotismo a los objetos. Las fuentes del ``Art Nouveu´´ eran múltiples. A pesar de que el movimiento proponía un estilo diferente a la hora de crear y decorar, rompiendo así con el pasado y dotando a los diseños de

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un aspecto histórico, también abrazaba la época anterior, tomando una temática tradicional basada en las culturas antiguas, no solo la gótica, sino también la cultura celta. El ``Art Nouveu´´ incorporo diseñadores provenientes del `` Arts and Crafts´´ que continuaron con su legado. Este afán continuista se reflejaba, sobre todo, en la forma de fabricar, es decir, mezclar la artesanía con la fabricación en masa. El `` Art Nouveu´´ resucitó las líneas entrelazadas del arte Celta y las unió a los arcos y a la fluidez del Gótico. Aunque una de las corrientes artísticas que más influyo fue la japonesa. Esto se debe a esa gran importación de productos japoneses que se hacían desde el centro de Europa, pero sobre todo desde Francia. La cultura Japonesa sirvió de verdadera inspiración a los nuevos diseñadores. Los practicantes del `` Art Nouveu´´ cogieron prestado, los motivos del arte Japonés, sobre todo de sus grabados en maderas, que tenían una forma angulosa y lineal y ayudaron a incorporar la perpendicularidad en los diseños Europeo. Estaban intrigados por la nueva visión de las maderas talladas, los colores pálidos y los contornos asimétricos, así como de la abrupta angulosidad que reinaba en los diseños Japoneses. En la imagen de la derecha se pueden observar toda esa mezcolanza de formas angulosas u rectas, así como la búsqueda de la perpendicularidad en los fondos y el uso de colores pálidos y apacibles, que dotan al diseño de un aspecto pacifico y a la vez elegante y lujoso. El ``Arts and Crafts´´ , en su parte final, hizo retornar a los diseñadores hacia los conceptos de artesanía, simplicidad en la decoración y a las formas de la naturaleza. Aunque el ``Art Nouveu´´ mamase de estos conceptos y los fuese transformando poco a poco, no fue hasta el cambio del siglo XIX al XX cuando esa transición se rompió y los nuevos diseñadores, sobre todo fuera de Inglaterra, dieron a sus diseños un toque histórico y se movieron en búsqueda de nuevos estilos. Estos nuevos estilos de donde sacar ideas, los encontraron en las culturas orientales. Toda esta nueva comunidad de creadores se vieron impulsados a la búsqueda de nuevas ideas fuera de Europa, el cambio de siglo les obligaba a renovarse y ellos encontraron en Japón un filón de donde sacar bocetos e influencias exóticas.

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La herencia que dejaba el ``Arts and Crafts´´ eran dos caminos: simplicidad en el diseño y las formas de la naturaleza. Muchos diseñadores tomaron esta herencia y dejaron que les guiase en su búsqueda de renovación. Christopher Dresser, un contemporáneo de Morris y Ruskin, sentía fuertemente que un buen diseño podía enriquecer la vida de cualquiera. Pero enconara de lo que pensaban Morris y Ruskin, que estaban bastante disgustados con lo que la tecnología había aportado a los diseños, Dresser se baso en ella para conseguir técnicas innovadoras, que incluyan el uso de maquinaria, y les permitía producir objetos modernos y funcionales pero de una forma muy económica. Esto produjo un abaratamiento en los productos de diseño y la posibilidad de que todo el mundo pudiera introducir en sus vidas objetos de diseño. Dresser era botánico y se había transformado en un diseñador, por ello no es difícil entender porque su obra esta llena de elementos relacionados con la botánica y la naturaleza. Él, en su primera etapa como diseñador, lo que quería era introducir formas de animales y plantas en sus diseños, para darles un aspecto mas bucólico y utilizaba los tonos pálidos, heredados de los diseños orientales, muy a menudo como se puede ver en el jarrón que tenemos a la derecha. Sus trabajos posteriores se caracterizaban por un uso mas simple de las formas y de las líneas, tal y como aprendió en un viaje a Japón. La reputación de Dresser como promotor del arte Japonés en Europa, supero fronteras insospechadas, llegando a EE.UU. donde influyo de una forma muy clara en arquitectos de la talla de Louis Sullivan y Frank Lloyd Wright. La inspiración le llegaba de una variedad ecléctica de fuentes, y era tan sofisticada y elegante que convirtió a Dresser en uno de los pioneros en el diseño moderno. Su búsqueda incansable de la simplicidad, se reforzó a la vuelta de su viaje de Japón, haciendo que obviara la ornamentación y así conseguir que sus diseños tuviesen un corte moderno. También se apoyo en la tecnología para desarrollar nuevas técnicas a la hora de diseñar, técnicas como la electroplateación y la imantación para el tratamiento de los metales. De esta forma hacia que su productos fuesen atractivos, funcionales y alcanzables. Él defendía la idea de que el diseño era para todas las clases sociales y sensibilidades y que por eso debía ser asequible. Esa idea se llevo a cabo de una forma mas arraigada en países como Austria y Alemania, donde el ``Art Nouveu´´ perduro por mas tiempo. Otros diseñadores contemporáneos, como por ejemplo, Archibald Knox y Charles Robert Ashbee , que buscaban los motivos estilizados, superficies refinadas y líneas envolventes, tuvieron su momento de gloria

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durante el ``Art Nouveu´´. Creaban diseños para reputados comerciantes como Tiffany´s en Nueva Cork y Liberty´s en Londres. Knox estaba muy influenciado por los entrelazados Célticos y era una eminencia en ornamentación Celta. Estaba asociado con Dresser y era

una figura de la literatura a finales del siglo XIX, así como el mayor experto de la época en el tratamiento de metales y era en este campo en el que mejor se compenetraban Dresser y Knox. En la imagen de la izquierda vemos una caja ``cimerica´´ para guardar joyas.

Liberty, mencionada anteriormente como comercio de diseño, tenia mucha fama en Londres y debido a su relevancia, estaba acostumbrada a educar el gusto de la gente, es decir, creaba tendencia en la época. No estaba acostumbrada a seguir las pautas de la sociedad, sino que hacia propaganda de todas las nuevas tendencias que aparecían en la ciudad, intentando compaginar la venta de elementos de diseño innovadores de la zona con la importación desde el lejano oriente. Liberty, además de introducir los diseños Japoneses en la sociedad, también vendía los objetos de diseño de Knox, Sabe y Dresser. Ignorando las teorías sociales que había detrás del ``Arts and Crafts´´ , el ``Art Nouveu´´ influyó en la forma de ver los objetos de diseño, incrementando el valor de la belleza innata de los diseños. A continuación vamos a ver que características tenia el ``Art Nouveu´´ en función del lugar en donde se desarrollaba, es decir países como Francia, Alemania, Bélgica, Suiza y Escocia. El ``Art Nouveu´´, originado en Francia, era un arte decorativo, indefinido a finales del siglo XIX, pero con el cambio de siglo todas esas corrientes se unificaron en pos de una sola. Es en ese cambio en el que tiene su apogeo y la Exposición Universal de Paris en 1900 contribuyó a engrandecer esa unificación. Tras ella el ``Art Nouveu´´ empezó a redefinirse a si mismo y empezó a llenarse de motivos asimétricos y luminosos, dejando de lado los colores pálidos y relajantes, heredados de la cultura Japonesa. Traficaba con los colores añadiendo contornos sinuosos, exuberantes, buscando el colorido y el deslumbramiento. Los materiales como el cristal y la madera veteada ayudaban y facilitaban el uso del color y las formas exuberantes. Como se puede ver en la

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imagen, se busca el contraste entre la luz y la oscuridad, teniendo una relevancia especial la naturaleza y sus seres. En otros países como Alemania, Bélgica y Austria, el ``Art Nouveu´´ se desarrollo de una forma un poco distinta. Aquí el movimiento buscaba la geometría y tiro hacia un estilo más cuadriculado y exacto. También introducían motivos de la naturaleza, pero de una forma muy abstracta. Josef Hoffman fue uno de los diseñadores mas relevantes en esta zona y con su fundación `` Wiener Werkstatte´´ siguió los pasos de diseñadores como Knox y Dresser. Él rechazo la idea de ensalzar la belleza de los objetos y tomo el camino de la practicidad. Quizás sus diseños pecaban de fríos, pero era su forma de continuar el legado de sus predecesores y de entender lo que es un diseño elegante y funcional. Mas tarde esta forma de entender el arte se vera reflejada y asimilada por muchos de los artistas del Arte Moderno, posterior a la época de la que estamos hablando ahora. En Escocia el artista a seguir era Charles Rennie Mackintosh, del que ya hemos hablado con anterioridad. Era el diseñador con mayor proyección internacional y un líder en su país. Trabajaba en la Escuela de Arte de Glasgow y es conocido por ser uno de los predecesores del Arte Moderno. Además de ser un gran arquitecto, sus trabajos como diseñador de interiores hicieron crecer su reputación. Le gustaba trabajar con formas rectas y verticales, aunque los colores pálidos y los patrones austeros eran su sello de identidad. Uno de sus trabajos mas reconocidos internacionalmente fue la decoración de los salones de te de Glasgow. En la ilustración podemos ver un diseño suyo para un póster que anuncia un musical. En 1900, Mackintosh se caso con Margareth Macdonald, una estudiante de su escuela de Glasgow. Ambos como pareja de diseñadores tuvieron mucho prestigio internacional, como equipo, sobre todo como miembros de `` The Glasgow Four´´. El movimiento Secesionista que estaba teniendo lugar en el centro de Europa, adopto su estilo y lo utilizo para sus campañas y exposiciones. Hay que decir que este movimiento era lo mas vanguardista y trasgresor del momento, aunque tenia un entorno político que hacia que los diseñadores, se echaran para tras a la hora de colaborar. Ellos temían que la connotación política restara relevancia a sus diseños.

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Este equipo decoro varios salones de la 8ª Exhibición Secesionista, llevada acabo inicialmente en Viena y que más tarde se llevo a Munich, Turín y Barcelona. A raíz de todas estas exposiciones se levanto mucho interés por este equipo y muchas publicaciones alabaron su trabajo. Todas estas buenas críticas se recibieron en la zona central de Europa, ya que en Inglaterra, su trabajo no fue muy apreciado. A la derecha podemos ver un cartel de Margareth Macdonald que se realizo para una de las exposiciones de Alemania.

El diseñador mas relevante, en Francia, a lo largo de la ultima etapa del ``Art Nouveu´´ fue Emilé Galle que destaco por su trabajo con el vidrio y el cristal. Destacaban sus motivos botánicos, como se puede ver en la lámpara de la izquierda. Buscaba la innovación en el momento de trabajar con el cristal y muchas de las técnicas que conoció y aprendió en el taller de su padre, que mas tarde perfeccionaría por su cuenta, se utilizan todavía en la actualidad.

El ``Art Nouveu´´ que se desarrollo en Bélgica tenia un líder indiscutible, su nombre era Henry Van de Velde. El era belga pero se movió rápidamente a Berlín donde quedo maravillado por la ciudad, sus artistas y fue donde aprendió de la mano de Hoffman. Llego a ser director de la Weimar School of arts and crafts, escuela de diseño que mas tarde se convertiría en la Bauhaus, lugar sobre el que hablaremos mas tarde. Van de Velde estaba empeñado en unir la tecnología al diseño y así mejorar la producción. El creo su propio estilo basado en el uso de formas curvilíneas y abstractas, como podemos ver en su diseño de la derecha. Una silla basada en lo explicado con anterioridad.

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Otro diseñador belga muy relevante, pero no tanto como Van de Velde, fue Victor Horta. Él era diseñador de interiores y un reputado arquitecto. Como Van de Velde utilizaba las formas abstractas y curvilíneas, aprovechándolas para dar un toque de elegancia a sus diseños. También destaco por sus diseños en telas e interiores. Hemos dicho con anterioridad que Van de Velde había estado en Berlín donde se quedo impresionado por el ambiente tan intelectual y bohemio que encontro. No era para menos ya que Berlín en ese momento estaba en la cima de su creatividad. La ciudad estaba llena de diseñadores relevantes como Peter Behrens, que llegó a ser el jefe de los diseñadores de la empresa AEG en 1906, Richard Riemerschmid que diseñaba muebles y edificios para las grandes empresas alemanas como Benz y Siemens, y muchos otros. Koloman Moser fue también otro diseñador a tener en cuenta en Berlín. El quería monopolizar el uso de la geometría, influyendo en todos sus contemporáneos, y dando a entender que el trabajo con las manos es mas gratificante. En las imágenes inferiores podemos ver varios diseños de Moser, Behrens y Riemerschmid.

Tanta geometria geometria, paralelismo y linea recta, hizo pensar a muchos de sus contemporaneos que eso diseños originados en Alemania en el primer decenio del siglo XX, no era `` Art Nouveu´´ y se dijo que esos diseños tan vanguardistas eran demasiado modernos. Es de aquí de donde podemos concluir que el ``Art Nouveu´´ estaba acabado y era hora de cambiar. El cambio se llamaba Arte Moderno.

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4) EL MOVIMIENTO MODERNO Y DE STIJL Con el cambio de siglo, las nuevas tecnologias y procesos industriales estaban en auje. Los diseñadores europeos estaban emocionados con la idea de produccion en masa de objetos bien fabricados. A este mundo de posibilidades tecnologicas se apuntaron artistas, diseñadores y todo tipo de creadores. Para esta epoca el Arts and Crafts habia desaparecido ya casi por completo y en el Art Nouveu se estaba forjando una nueva ola de talento que rompia con sus principos. Sobre todo en el de funcionalidad, aunque es cierto que hasta hora, la funcionalidad era importante, es en este momento de cambio cuando se empieza a buscar de

una forma clara. Este concepto de funcionalidad se estaba llevando a rajatabla en EE.UU. Arquitectos norteamericanos como Louis Sullivan y Horatio Grenough, exportaron esta idea a EE.UU. Como ejemplo de estetica rompedora tenemos el edificio de la derecha. Construccion americana de 1912 en la

que reina la funcionalidad de su interior y la atraccion estetica del exterior. Vemos que cumple la maxima de Sullivan de que la forma sigue a la funcion. En ese momento en EE.UU. la mecanizacion y la fabricacion en masa se llevaba a cabo de una forma muy clara y superior a la que se llevaba en Europa. Esto se debia a que la mano de obra americana era mas barata que la europea. Se llamaba sistema de manufacturacion americano y estaba muy influido por la aparicion de algunos productos, y se acabo llamando Tradicion Funcional. Esta forma de trabajar determinaba no solo el significado de la produccion sino que tambien establecia una forma visual de fabricar. Esto era la gran definicion del modernismo, es decir, la antiestetica de la maquina. En arquitectura, el funcionalismo significaba la eliminacion de toda ornamentacion, asi que el edificio claramente y de una forma visual definia su funcion, es decir, para que estaba hecho. A veces se diseñaban los edificios de dentro a fuera, dejando que la estructura esencial dicte la forma exterior. Durante la primera mitad del siglo XX reino esta idea de la funcionalidad, que duro practicamente hasta los años 30.

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Henry Ford aplico esta maxima en sus diseños, y como se puede ver en la imagen, sus primeros diseños dejaban ver facilmente a la maquina y la ornamentacion es minima, es decir ves lo que es. Ademas estaban hechos practicamente al completo por maquinas.

Mientras que las nuevas tecnologias se desarrollaron rapidamente en America, fue Europa donde el arte y la industria se conjugaban a la perfeccion en lo que se podria llamar diseño industrial. Una de esas corrientes Europeas fue el Futurismo. Nacio inicialmente en Italia, en 1910, de la mano del diseñador italiano Tomaso Marinetti. Querian innovar sobre todo en las formas de los objetos, a veces formas absurdas, de las que manaron corrientes pictoricas y artisticas. Aunque fue en el campo de la arquitectura, donde se llevo acabo el uso de las formas abstractas, ded una forma mas exaustiva. Los futuristas querian dar una sensacion de velocidad en sus diseños, a la vez que dar diferentes puntos de vista, dotando a sus diseños de un dinamismo extraordinario. Abandonaron los temas historicos y abordaron una tematica mas actual como los coches y la velocidad. Este Futurismo italiano se transformo en el Cubismo frances. Artistas como Picasso utilizaban formas abstractas como los circulos, cuadrador y demas formas geometricas, para representar elementos reales con formas parecidas a esas, pero que dotaban al diseño de un aspecto irreal y abstracto. Estos diseños se podian entender de diferentes formas y asi aportaban dinamismo a la obra. Se puede apreciar todo esto en la representación de la guitarra por parte de Picasso.

El arquitecto futurista francés Sant´elia, construyo pocos edificios, pero eran tan innovadores que calaron hondo en muchos diseñadores, y no solo contemporáneos, sino que muchas de sus ideas para las ciudades se utilizan todavía en la actualidad. Como se puede ver en la imagen, el escalonamiento en las terrazas y balcones, así como los puentes aéreos se pueden ver en muchos de los edificios que se construyen ahora de corte moderno.

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El se negaba en redondo a decorar sus edificios por fuera, pensabando que era absurdo decorar un edificio ya que lo importante es su estructura y al ornamentarla la estamos relevando a un segundo plano. A pesar de que murio en 1916, sus bocetos fueron recogidos por otros diseñadores que se agruparian mas tarde en lo que se conoce como el ``Stijl Group´´. Stijl sinifica estilo en holandes. Pues el nombre `` De Stijl´´ nace a raiz de una revista holandesa llamada de la misma forma. Esa revista fue fundada por el diseñador holandes Theo Van Doesburg y funciono desde 1917 a 1928. Holanda se declaro neutral durante la guerra, lo cual ayudo a su consolidacion ya que debido a la guerra en el resto de Europa se descuido el diseño. En contraste con los ruidosos y apasionados futuristas, los De Stijl eran ``cool´´. Racionalistas y abstractos, ellos negaban el naturalismo en pos de lo extraño y cautivador. Tocaban todos los palos del arte y del diseño. Usaban cubos y esferas en lugares planos y de colores primarios y sencillos. Eran conscientes de que querian crear espacio entre los objetos para dar una sensacion de volumen y se empaparon totalmente de las influencias del arquitecto Frank Lloyd Wright. A la derecha podemos ver un cuadro de Van Doesberg que refleja y confirma lo mencionado con anterioridad.

Frank Lloyd Wright queria abandonar la arquitectura historica y no solo en sus diseños sino en los materiales a utilizar. A el le encantaba utilizar materiales como el acero y la terracota, asi creaba casa que parecian esculturas, buscano la geometria en forma de espectaculares

cantilevas como se puede ver en la fotografia. Él era el protegido de Louis Sullivan, y un fiel seguidor del funcionalismo que le hacia crear casas con grandes espacios, dotando asi a los edificios de una gran flexibilidad en su uso.

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El primer referente del movimiento De Stijl fue el pintor holandes Piet Mondrian. Era un abstracto radical y creo una realidad artificial creada

a mano por el hombre que hizo que la publicacion hablara de él constantemente. Casi le trataban como a un loco, pero como decia la publicacion, un loco genial. Para mondrian los unicos colores que existian eran: rojo, amarillo, azul, negro y blanco. Las unicas direcciones: arriba y abajo. El no usaba el color verde porque estaba implicito en la naturaleza, y esta no estaba realizada por el hombre.

En esta imagen de la izquierda se puede observar una fotografía tomada en el estudio de Mondrian. En este mismo estudio también estuvo trabajando Gerrit Rietveld, conocido diseñador de muebles que formo un estupendo equipo con Mondrian. Tanto que se les considera unos clásicos del siglo XX. Ala derecha podemos ver un par de imágenes de diseños de Rietveld.

En la imagen superior se puede ver una mesa de escritorio. Se puede ver como es un diseño extraño y abstracto, pero también muy funcional ya que esta lleno de cajones y baldas, donde depositar cualquier elemento de escritorio. En la inferior podemos ver una silla diseñada por él, diseño que ya es un icono del siglo XX. Se fabrico en 1923 y mezcla la madera con el acero, dotando al mueble de consistencia y fuerza, pero a la vez de estilo.

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En 1926, el arquitecto holandés Mart Stam, un asociado de De Stijl y mas tarde de la Bauhaus, produjo la primera silla ``cantilever´´, como se puede apreciar en la imagen de la izquierda. La silla solo tiene formas verticales y horizontales y esta realizada con la mínima cantidad de material posible. El diseño es muy audaz ya que carece de apoyabrazos y se basa en el efecto del contrapeso. Además esta silla pesa muy poco y fue un estilo a seguir en esa época.

En el diseño de la izquierda se aprecia en cambio, que es más complejo y pesado. Parece perder esa sencillez que caracterizan a los diseños anteriores, pero se trata de un objeto totalmente funcional, ya que es comodísima para recostarse, no olvidemos que la función de una silla es la comodidad y el descanso,

cosas que seguro que las tenemos en este ultimo diseño. Pero la quintaesencia en diseñadores modernos es Le Corbusier. Arquitecto suizo que se convirtió en el arquitecto y diseñador más importante del movimiento moderno. Sus edificios de los años 20 eran típicamente blancos y con el techo horizontal, como en las culturas mediterráneas. Estas dotaban a sus edificios de una sencillez pasmosa. También se basaba en las formas de los edificios industriales para aplicarlas a casas y viviendas. A continuación mostramos tres de sus creaciones con unas breves explicaciones a la derecha de ellas.

Sillón de cuero negro, de gran confort diseñado por Le Corbusier en 1932. Vemo0s que alterna metal, con piel. También se cumple la máxima de perpendicularidad, tan presente en sus diseños

Silla alargada también de gran confort y parecidos materiales.

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La villa Saboya. Vemos que es un edificio rectangular, apoyado sobre unas columnas metálicas, donde unas paredes no estructuradas definen el espacio. Las formas curvilíneas del tejado están realizadas en materiales plásticos.

Para finalizar comentaremos que Le Corbusier es probablemente uno de los arquitectos más relevantes de la historia. No solo influyo a sus contemporáneos, sino que se estudia en la carrera de arquitectura como un ejemplo a seguir.

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5) LA BAUHAUS En 1919, Walter Gropius fundó en Weimar, Alemania, La Bauhaus. Gropius fue el director de esta escuela, cuyo único propósito era unir arte y tecnología. En ella se enseñaba a los futuros diseñadores y arquitectos, como la industria moderna podía ayudarles a crear diseños vanguardistas y muy bien fabricados. La Bauhaus, más tarde se movería a Dessau y por ultimo a Berlín, ya que allí seria clausurada por los nazis en 1933. El nombre Bauhaus viene de la unión en alemán de las palabras `edificio´ y `casa´. A la derecha podemos observar una imagen de la metalistería de La Bauhaus. Gropius era miembro del ``Deutsche Werkbund´´ y líder del movimiento `Nuevo Objetivo´, movimiento que solo tenia una máxima: los edificios el objetivo de toda actividad creativa. El Werkbund se formo en 1907 por Hermann Muthesius, quien viajó a Inglaterra para conocer el `` Arts and Crafts´´ ingles, volviendo con un montón de ideas que quería enseñar en Alemania. Sobre todo estaba interesado en su aplicación a la arquitectura, intentando plasmar las ideas de simplicidad y funcionalidad, por ello adquirió una relevancia considerable en Alemania y fue nombrado supervisor de todas las escuelas de diseño alemanas. Al observar el potencial de la producción en masa, inculco la idea de calidad en los futuros diseñadores. Él quería que los objetos diseñados en Alemania fuesen un ejemplo de buena fabricación, y así conseguir que la frase `fabricado en Alemania´ fuese sinónimo de calidad y durabilidad. El uso de maquinaria era una ventaja porque se podían hacer mas piezas en menos tiempo y con una precisión mayor, y diríamos que el hecho de que fuese difícil llevar a cabo la ornamentación de un objeto con maquinas es un inconveniente, pero eso era lo que realmente quería Muthesius. Él precisamente buscaba la simplicidad y con el uso de maquinaria la conseguiría. Para que los diseñadores y los operarios trabajasen de forma conjunta y hubiese comunicación entre ellos fundo la Werkbund. Creó un montón de escuelas que no solo enseñaban a diseñar, sino que también a manejar maquinaria. Muthesius también estaba obsesionado en estandarizar los procesos de fabricación, quería fabricar piezas en serie que sirviesen para varios edificios distintos y no solo para uno. Todo esto coincidió con una corriente arquitectónica que apareció después de la Gran Guerra, llamada Nueva Objetividad. Este movimiento rechazaba la exclusividad del arte, pero concretamente al Expresionismo ya que éste promovía el individualismo, en vez de promover la

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universalidad de las artes. El líder de esta nueva filosofía de arte para todos era Gropius. Otra influencia clara era Le Corbusier, cuya actitud con las formas geométricas interesó a Gropius de manera sobrenatural. Además esto encajaba perfectamente con la idea de Gropius de utilizar las maquinas, ya que éstas pueden producir formas geométricas con facilidad. Todas estas ideas fueron los principios en los que se basaban los diseños realizados por La Bauhaus. Estos principios se pueden resumir en lo siguiente: estilo moderno, procesos mecánicos, mano de obra, construcción y, por encima de todo, un buen diseño. Principios que rigen el diseño de la silla ilustrada a la derecha. La Bauhaus se convirtió en el punto de referencia de todas las corrientes creativas que creían en el progreso y las nuevas tecnologías. Peter Behrens, diseñador mencionado en capítulos anteriores, era otro de

sus miembros relevantes. Era el diseñador de AEG y además de diseñar objetos para la firma, también diseñó sus edificios, englobándolos en un todo, consiguiendo así una integración perfecta de los procesos de fabricación con los edificios que los envolvían. A la izquierda podemos ver uno de los relojes que diseño Behrens para la empresa alemana.

Gropius quería inculcar a sus estudiantes la idea de evitar la especialización, es decir, prefería que los estudiantes abarcasen diferentes campos y así poder participar en un mayor numero de etapas, dentro de un proceso de fabricación. En sus escuelas solo se aprendía a diseñar objetos que se pudiesen fabricar con maquinas, lo cual contradecía su idea de abarcar diferentes campos y esto hizo que recibiese duras criticas de la opinión publica, aunque era un hecho que sus diseños eran lo mejor de la época. Además su forma de trabajar y enseñar recorrió el mundo entero. La Bauhaus evitaba la formación académica, a favor de una enseñanza basada en la práctica. Querían que los estudiantes aprendiesen haciendo y no oyendo. Un ejemplo de lo que se hacia en clase es la copa de plata que se ilustra a la derecha.

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Importantes diseñadores como Hoffman y Van Doesburg pasaron por La Bauhaus. Este último llegó en 1921 y publicó su revista basada en los principios de De Stijl, incluso dió charlas en La Bauhaus sobre ese movimiento. De él vinieron los principios de austeridad, proporción y búsqueda del empleo de las maquinas. En esa época La Bauhaus estaba dominada por los artistas, como por ejemplo Johannes Itten, un místico que impartía clase en el primer curso e inculcaba a sus alumnos una idea de arte individualista, que aunque iba de la mano con la nueva corriente socialista, chocaba con la idea original de la Bauhaus. La corriente pictórica que salía de La Bauhaus estaba llena de color y formas abstractas y artistas como el pintor Paul Klee, que daba clase en primer curso, tenían mucho éxito. La ilustración de la derecha representa un cuadro suyo que cumple con su idea del uso de los colores llamativos y formas abstractas. Wassily Kandinsky, profesor de derecho en Rusia, llego en esa época a La Bauhaus, impartiendo clases de teoría de los colores. Era el artista abstracto más célebre del momento e inculcaba a sus alumnos el uso de las formas geométricas y de los colores llamativos. Mientras, Johannes Itten estaba encargado de la metalistería en el primer curso, volviéndose más esotérico con el tiempo. De esa forma proponia la búsqueda de nuevas ideas en el interior de cada persona y no en lo que les enseñaban en clase. Se volvio asceta y empezó a ir con la cabeza rapada y vestidos monásticos, así que Gopius tuvo que despedirle. En su lugar introdujo a un fotógrafo húngaro llamado Laszlo Moholi. Estaba muy interesado en el estilo de Stijl y el constructivismo ruso, dando especial relevancia al conocimiento de las diferentes corrientes artísticas, en lugar de especializarse en una en concreto. Como fotógrafo ninguno a los alumnos que desconocieran la fotografía, lo cual le costo una reprimenda de Gropius. Era racionalista y daba especial importancia a la ingeniería y a su compenetración con el arte. Vladimir Tatlin era un constructivista ruso que influyo mucho en Molí. Tatlin era un admirador de Picasso, sobre todo de sus colages y sus puntos de vista tridimensionales. Estaba convencido de que el arte era fruto de la decadencia del ser humano. Tatlin era también un importante ingeniero que diseñó estufas que consumían muy poco combustible y diseñaba tejidos resistentes para los trabajadores rusos.

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También era un revolucionario convencido y diseñó un monumento al espíritu de la revolución que tenia dos veces la altura del Empire State Building y tres edificios alrededor que actuaban de reloj solar. Este proyecto nunca se llevó a cabo. El constructivismo se llevaba muy bien con el Nuevo Objetivismo alemán, ya que ambos desechaban el romanticismo y se centraban en las formas geométricas puras. Valores que se encuentran en esta escultura con motivo de la 3ª internacional rusa. Realizada por Tutlin, representa un ejemplo de diseño constructivista, en el que se puede ver como las formas abstractas se conjugan a la perfección con formas geométricas sencillas. En ese momento La Bauhaus creaba diseños impecables que aun se comercializan actualmente. Evitó el uso de metales preciosos y monopolizo el uso del acero. Lo convirtió en el metal de referencia, sobre todo, el acero laminado, el cual estaba presente en muchos de sus diseños como por ejemplo, esta lámpara diseñada por Marianne Brandt, cuyo diseño se copia actualmente y aun se comercializa, recordemos que se trata de un diseño de 1924. Una de las cosas que hicieron a La Bauhaus famosa en el mundo entero, fue la calidad y renombre de sus profesores. Pero también el hecho de que muchos de sus alumnos se convirtieran en famosos diseñadores, trajo prestigio a la escuela y a su metodología de trabajo, basada en el uso de las prácticas de taller y no de las charlas académicas.

Marcel Breuer fue uno de esos alumnos de La Bauhaus que se acabaron convirtiendo en diseñadores conocidos. Explotó su ingenio en el diseño de muebles, como por ejemplo en la silla de la izquierda.

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Debido a problemas políticos La Bauhaus se tuvo que desplazar hasta Dessau, en 1925, donde el gobierno territorial era más progresista. Gropius diseñó los nuevos edificios para las aulas, así como los que acomodarían a los profesares. A la izquierda podemos ver la casa en la que el vivía en Dessau, diseñada por él.

Este cambio de escenario se tradujo en un cambio de actitud en Gropius y su equipo de profesores. Dejaron de lado las corrientes artísticas y se centraron en la ingeniería y arquitectura. Intentaron desarrollar aún más los procesos de fabricación para abaratarlos considerablemente. Desgraciadamente, por esa época estaba Meyer en el consejo de administración de La Bauhaus. Meyer era un conocido marxista que fomento sus ideas políticas en clase, las cuales no cuajaban muy bien con la política de Hitler. Por ello y para tenerles controlados Hitler les obligo a moverse a Berlín en 1930. Pero la escuela ya estaba en decadencia, debido al hartazgo de las fuerzas políticas y a su nula colaboración en el aspecto económico. Por esa época Mies Van der Rohe era su director y fue obligado por los nazis a cerrar la escuela en 1933. En la época Berlinesa de La Bauhaus se hicieron algunos diseños interesantes que mostramos a continuación. Pero el diseño de la cámara de 35mm manual, llamada Leica, es el mas importante con diferencia ya que fue una revolución en el mundo de la fotografía.

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Mientras en EE.UU. y el resto de Europa el Art Deco, con sus formas suaves y redondeadas, estaba empezando a despertar. Ganaba popularidad entre la gente y tres diseñadores norteamericanos estaban despuntando. Ellos eran: Walter Darwin Teague, Norman Bel Geddes y Raymond Loewy. El momento de La Bauhaus había terminado y era la hora del Art Deco.

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6) EL ART DECO, LA ESCUELA ESCANDINAVA Y EL MOVIMIENTO AMERICANO Art Deco es el nombre que se pone a las corrientes de diseño que salieron a la palestra entre la 1ª y la 2ª guerra mundial. El termino Art Deco es reciente ya que en su época se llamaba simplemente arte moderno. Es un término que engloba muchas corrientes populares de los años veinte y la década siguiente, y al ser popular estaba influido por las costumbres cotidianas, el jazz, la tecnología y las maquinas.

Fue impulsado inicialmente por Raymond Loewy y la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas, en 1925, donde tuvo que luchar con el Art Nouveu y otras corrientes contemporáneas. A la derecha podemos ver una fotografía de una locomotora diseñada por Loewy, expuesta en la exposición de Paris.

Este nuevo estilo se inspiró en el arte moderno, la escultura tradicional y el antiguo Egipto. Mientras que en otras corrientes fue la cultura Celta o la Medieval, en el Art Deco, es la cultura egipcia la que mas influyo en él. Francia fue el centro de todo este movimiento y Mackintosh uno de sus máximos exponentes. Se seguían utilizando las formas geométricas, pero ahora llenas de paralelismo y líneas rectas, pero lo que es aun mas importante, llenas de lujo y materiales caros. Como ejemplo tenemos este reloj de Mackintosh diseñado en 1923. Hubo dos ausencias relevantes en loa exposición de Paris. Una era Alemania, por consideraciones políticas y la otra era EE.UU. por no tener nada que ofrecer. Esto resultaba curioso ya que en esos dos países se promulgaban los principios en los que mas tarde se apoyaría el Art Deco. Estos países predicaban la simplicidad y el arte para todos. El primer principio se siguió al pie de la letra, pero dando un aspecto a los diseños, de lujo ya que la sociedad demandaba confort, el segundo lo obviaron por completo.

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A continuación se muestran varios objetos de la exposición. Después de la Exposición, los objetos expuestos se exhibieron por todo el planeta, calando muy hondo en EE.UU. e influyendo al mundo del automóvil. Fue Henry Ford el que introdujo en sus diseños para la General Motors, las ideas heredadas del Art Deco. En EE.UU. la empresa del automóvil andaba loca y cada año se hacian nuevos diseños. Ahora mostramos algunos de ellos:

Prototipo de Walter Darwin Teague de 1932

Chrysler de 1934

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El diseño de la izquierda es el Dynamaxion y el de la derecha el Ford A

En 1939 tuvo lugar la Feria Mundial, en Nueva York, donde los países exponían sus diseños en pabellones independientes. Un pabellón que destacó por su calidad en la exposición fue el de los países escandinavos. Vamos a ver algunos de sus diseños mas destacados: Mesa de escritorio para el Royal Albert Hall.

Silla diseñada por Aalto.

Diseño de Eero Saarinen.

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Otro pabellón que marcó tendencias en Nueva York, fue el de Italia donde se expuso la primera Vespa Diseñada para la exposición.

Primer modelo de Vespa.

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7) EL POP ART EE.UU. no sufrio el devastador efecto de la 2ª Guerra Mundial, ya que la guerra no tuvo lugar en su territorio. Por ello la industria Norteamericana no tuvo ningún parón y pudo avanzar mas rápido que la industria Europea. Así que en la década de los años 50 se puso a la cabeza del mundo como poder económico. Eso se reflejaba en sus habitantes, que prácticamente compraban un coche al año. Lo cual propicio que los diseñadores, como Harley Earl, se rompiesen la cabeza para crear nuevos diseños. Como por ejemplo el Cadillac de 1958. El boom económico duró hasta 1964, y es en ese momento en el que EE.UU. tuvo que cambiar de estrategia comercial. Todo el mundo quería productos americanos y mientras en Europa se pensaba que la función define la forma, en EE.UU. se pensaba que el mercado define la forma. Los diseñadores se volvieron consultores y empezaron a diseñar de todo. Se basaban en la cultura de la calle, lo cotidiano y la publicidad influyan en la gente, así que porque no vendérsela. Se vendía de todo desde coches a clips, desde maquinas de coser a peines de diseño. Las guerras habían hecho investigar en la creación de nuevos materiales, y fueron esos los que mas tarde formarían los diseños. Materiales como: fibra de vidrio, nylon y poliéster. En ese momento había dos empresas lideres en EE.UU. , en lo que respecta al diseño: Knoll Associates y Herman Millar Company. Ellas tenían a los mejores diseñadores trabajando para ellas. Los diseños estaban influidos por la forma de vida americana, es decir, merchandising, publicidad y abuso de lo cotidiano. Que estos ejemplos sirvan de muestra:

Sillas de 1948 diseñadas por Saarinen. En su fabricación intervienen pegamentos tecnológicamente mas avanzados que sus predecesores, gracias a su aplicación militar

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Radio diseñada por Dieter Rams en 1954 para la empresa alemana Braun. El diseño se ve que es Europeo ya que es mas austero y tiene formas geométricas sencillas.

Gabinete de Leo Ponti. Creación italiana influida por la reconstrucción del país después de la guerra.

Sistema adicional de descanso de Joe Colomo. Típico diseño de Colomo que destaca por su escaso coste.

Collage de Richard Hamilton de 1956. Vemos que esta lleno de objetos absurdos, que recargan el ambiente y la situación del modelo en una actitud cómica, llena de ironía este diseño de Hamilton.

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A finales de los 50 y durante la década de los 60, la carrera espacial empezó a marcar los nuevos diseños. Estos se dirigían de nuevo hacia la tecnología y la convirtieron en su sino. Las técnicas de fabricación eran terriblemente complejas. Se pensaba en abaratar costes para que el margen de beneficios fuese superior. Ya no se pensaba en crear, sino en vender. Japón empezó a exportar productos muy tecnológicos y marcas como Sony y JVC se hicieron muy populares. Eran sinónimo de calidad ya que estaban construidos en Japón, país que tuvo que hacer un gran esfuerzo para superar la crisis después de la guerra. Diseñadores Japoneses saltaron a un primer plano debido a las exportaciones de su país.

Riki Watanabe 1960 Arata Isozaki 1963

Shiro Kuramata 1970

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7) EL POSTMODERNISMO El modernismo que invadió el mundo después de la 2ª Guerra Mundial, llenó de austeridad, simplicidad y funcionabilidad los diseños que se creaban. El arte Pop se reveló contra estos principios pero la corriente que los tuvo presentes, para buscar lo radicalmente opuesto, fue el postmodernismo. Hasta ahora se había hecho un uso muy racional de la creatividad y los diseñadores, a partir de 1980, hartos de todo esto, empezaron a hacer diseños absurdos llenos de imaginación y humor. El postmodernismo nació en EE.UU. ya que muchos diseñadores de los años 60 y 70 provenían de ese país. Mas concretamente, se empezó a hablar de postmodernismo, a partir de la Feria Internacional de los Nuevos Estilos, que tuvo lugar en Memphis, en 1981. En esta Feria se pudieron ver objetos con una gran imaginación y extrañas formas, muy originales y que se olvidaban totalmente de la función de los objetos. Eran divertidos y el impacto visual de los objetos era grande. A continuación mostramos algunos:

Camilla de Mariscal para el Hilton Separador de habitaciones Por Ettore Sottsass

Gabinete de George Sowden

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A finales de los años 70 ya se había empezado a entrever un uso irracional de las formas y del individualismo, pero la idea del todo vale y esa forma de expresarse tan divertida, tuvo su punto álgido en los 80. Este nuevo estilo se empezaba a desarrollar en diferentes países. En EE.UU. por supuesto, pero otros países como España, Italia o Suiza también estaban apostando fuerte por este nuevo estilo. Javier Mariscal desde Barcelona creaba diseños muy expresivos y divertidos. En la camilla o carrito que se muestra en la ilustración de la pagina anterior, vemos como Mariscal le ha dado un aspecto aerodinámico al carro. Directamente nos imaginamos ese carro a toda velocidad por un restaurante y a su camarero corriendo detrás para alcanzarlo, ¿no es realmente divertido? El humor estaba presente en todos sus trabajos y muchos diseñadores españoles, barceloneses en concreto, le seguían y querían aprender de él. Como hemos comentado con anterioridad, otro de los países que producía diseños postmodernos era Italia. Estos se basaban mas en la decoración de los objetos. En Italia se diseñaban objetos divertidos, pero en vez de hacerlo a través de la forma lo hacían con una decoración extrema. Decoraban el exterior de los objetos, es decir, su superficie y se olvidaban de su función. La ciudad donde se centralizo esta forma de diseñar fue Milán. Se fundaron muchos estudios de diseño en la ciudad, pero uno sobresalía, era Alquimia. Fundado en 1976, publicitó sus diseños en revistas especializadas y se presentaba a todas las exhibiciones que realizaban, tanto dentro como fuera de su país. Por medio de esta propaganda, intentaba reunir al mayor numero de diseñadores en sus instalaciones y así ser el punto de referencia de todos los demás estudios.

. Sillón de Allesandro Mendini

Su forma de diseñar seguía a la perfección los principios del Postmodernismo. Se centraban en la superficie de los objetos, ahí era donde intentaban hacerlos diferentes. Era en el exterior donde querían atacar la idea que tenia el mundo sobre el buen gusto. Ellos querían hacer muchos diseños, pero pensaban que la cantidad era sinónimo de decadencia, así que producción diseños únicos. Esto hacia que fuesen caros y que solo algunos pudiesen permitírselos. Esto iba en contra de su idea de publicitar al máximo sus diseños y por ello se presentaban a todas las exposiciones posibles.

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A continuación mostramos algunos de sus diseños:

Cama de Archizoom

Tetera de Marco Zanini

Lámpara de Humeda

Estantería de Mario Bellini

Silla de Roberto Venturi

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El Postmodernismo se caracterizó también por el despunte individualista de cada diseñador. Mientras que en otros movimientos, anteriormente comentados, los artistas se juntaban en grupos, escuelas y corrientes, intentando actuar conjuntamente, en el Postmodernismo, igual que en la última etapa del Pop Art, mandaba el individualismo. Es cierto que se focalizó en algunas zonas como Memphis, Barcelona y Milán, pero muchos diseñadores, fuera de estas zonas, resultaron conocidos y dignos de ser mencionados. A continuación se comentan los mas relevantes. Richard Sapper era un ingeniero que trabajó también como diseñador en la época de los años 60 y 70. Pero su momento de esplendor lo tuvo en los 80. Sapper se hizo conocido, en los años previos a su etapa postmoderna, por la creación de la pantalla de televisión negra. Hasta entonces eran transparentes, por lo que se veía el interior, resultando llamativas y molestas. Él introdujo papel transparente de color negro, así envolviendo al tubo con este papel, consiguió que la pantalla resultase mas discreta. En su época postmoderna trabajó mucho con nuevos materiales. Buscaba siempre que los objetos fuesen ligeros. En la imagen de la izquierda podemos ver un diseño suyo de una olla. Matteo Thun era un arquitecto y diseñador austriaco que seguía los pasos de su compatriota Sottas, al principio en Memphis y luego en

diferentes países centroeuropeos. Él si quería producir objetos en masa, por lo que sus diseños estaban pensados para ser fabricados por maquinas y a gran escala. Diseñó relojes para Swatch así como objetos de la marca Alessi. Tenia un público mayor que sus contemporáneos. En la ilustración podemos ver unas ollas diseñadas por él.

En la siguiente pagina podemos ver otros diseños postmodernos, con su nombre y autor.

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Desnuda de Carlos Riart

High the moon de Shiro Kuramata

Lámpara de mesa de PhillipeStarck Sofá de Jefferson, obra de Niels Diffrient

La familia estricta de Ron Arad.

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Mientras que otras corrientes comentadas con anterioridad, ya no funcionan en la actualidad, el Postmodernismo sigue vigente y muchos de los diseñadores comentados en este último capitulo, siguen trabajando en la actualidad como es el caso de Mariscal y Kuramata. El Funcionalismo y el Modernismo están presentes en los diseños actuales, con la ayuda de los avances tecnológicos se están mejorando poco a poco. Las televisiones extra planas, las formas redondeadas en los automóviles y motocicletas para dar una mejor aerodinámica, los ordenadores cada vez mas pequeños, materiales mas ligeros y un sin fin de avances tecnológicos que hacen a los diseños actuales mas deslumbrantes y bellos.

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BIBLIOGRAFIA Historia del Diseño Industrial. Autor Salinas. Editorial Trillas. El Diseño Industrial de la A a la Z. Autor Charlotte y Peter Fiell. Editorial Taschen Chairs. Autor Charlotte y Peter Fiell. Editorial Taschen

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