CICLO DE CONCIERTOS DE SOLISTASFUNDACIÓN BBVA 2009-2010PLURALENSEMBLE

22 de abril de 2010

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PLURALENSEMBLE

VIOLONCHELODavid Apellániz

PIANOAlberto Rosado

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DIRECTOR ARTÍSTICOFabián Panisello

COORDINACIÓN ARTÍSTICA Y PRODUCCIÓNMara Mendialdua

Claude Debussy (1862-1918)Sonata para violonchelo y piano

José Manuel López López (1956)Atrium

Gabriel Erkoreka (1969)Dipolo

Ramón Humet (1968)El jardín de Kinko

Fabián Panisello (1963)Chaos’ Dream

Jesús Torres (1965)Variaciones para violonchelo y piano

Al compositor francés Claude Debussy (1862-1918), el gran innovador de la ar-monía, el músico en cuya fuente han bebido sucesivas generaciones de com-positores, le corresponde arrancar el concierto de hoy con su Sonata para violonchelo y piano, escrita en el verano de 1915 en su residencia de Pourville. Una obra de gran intimismo en compa-ración con aquellas rompedoras, que crearon tanta controversia años atrás, hoy asimiladas entre el gran patrimonio de los clásicos: desde la ópera simbo-lista Pelléas et Mélisande, al Preludio para La siesta de un fauno o los tres fragmentos sinfónicos de La mer, data-da esta última diez años antes de la que ahora escuchamos. Es cierto que en ese paréntesis ocurrieron muchas cosas en la vida de Debussy, incluido su ingreso en la nómina de directores de orquesta, que tuvo lugar en 1908. Pero si algo funcionó de una manera definiti-va para entender su actitud creativa en los momentos en que redactó esta com-posición no fue sino el estallido, un año antes, de la Primera Guerra Mundial, que convirtió a Debussy en alguien es-pecialmente introvertido y vulnerable.

La Sonata para violonchelo y piano, con sabor a barroco dieciochesco puesto al día con escalas pentatónicas, está estructurada en tres movimientos –Prologue, Sérénade y Final– y es la primera de una serie que Debussy ha-bía pensado centrar en seis instrumen-tos distintos y de las que, aparte de esta, solo llegó a completar la dedicada al violín en 1917, escribiendo entre am-bas una tercera compartida por flauta, viola y arpa.

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años de su muerte el Ensemble Aleph. «A setenta compositores nos pidieron», explica López López, «que escribiésemos obras que no excediesen los cincuenta segundos, con las que honrar las Bagatelas para cuerda de aquel compo-sitor, cuya duración en muchos casos se reducía a ese tiempo». El eslogan que utilizaron para el homenaje, en el que Atrium se estrenó, fue el de Arrêts fréquents (Paradas frecuentes), en alu-sión al cartel que exhiben en Francia determinados transportes, como el co-rreo, indicando al vehículo que les si-gue que, por la naturaleza de su labor, se ven obligados a detenerse cada cor-to espacio de tiempo. «Mi pieza está basada en el principio de la polaridad, tanto desde el punto de vista de las al-turas como del de las duraciones. Toda la estructura se va transponiendo de acuerdo con esa idea, siempre contan-do con una polaridad fija». Atrium, aun-que transite por unos caminos muy dis-tintos a los que en estos momentos frecuenta López López, entronca bien con el resto de su obra de aquellos años, que se corresponden práctica-mente con los de la datación de la obra que le sigue en el programa.

Escrita por Gabriel Erkoreka en 1994, Dipolo cuenta mucho en la vida del compositor, que la escribió cuando aca-baba de instalarse en Londres, ciudad que continúa siendo desde entonces uno de sus domicilios. La obra, en este caso, no obedece a un encargo. «Está dedicada», dice, «a mi amigo Asier Polo, un violonchelista que reúne las facultades interpretativas y técnicas requeridas para su ejecución». No obs-tante, y a pesar de que después la ha

Haber recurrido a este prólogo para un programa centrado a partir de este momento en jóvenes creadores, tiene una razón clara para los protagonistas de la velada desde el piano y el violon-chelo respectivamente: Alberto Rosado y David Apellániz, que acaban de reunir estas obras, junto a otras de creadores de nuestro país y de Latinoamérica, en un disco de inmediata aparición. Consi-deran, dice Rosado, que esta pieza de Debussy «está entre la mejor música de cámara española de la primera mi-tad del siglo xx», y es que, aunque sea fruto de alguien nacido al otro lado de los Pirineos, y tenga mucho color fran-cés, «por su esencia se identifica como española, por un montón de citas y gi-ros, y porque el violonchelo y el piano están tocando casi siempre como guita-rras. Sobre todo, el segundo y el tercer movimiento».

Como puente que nos transporta hasta el siguiente bloque, el nombre elegido es el de José Manuel López López. «He-mos pensado en él», bromea Rosado, «como sorbete intercambiador, para salvar esa diferencia de sabores que implica la distancia cronológica de la escritura de esta obra y el resto de las que integran el programa». Aunque, por encima de todo, López López se con-vierte en vehículo ideal porque su obra destila un cierto punto francés, des-pués de haber vivido mucho tiempo en París y haber gestado allí parte de su obra. La que aquí escuchamos, Atrium, de 1994, se convierte en un aperitivo, al ser su duración inferior a cincuenta se-gundos. Para entender las razones, ha-bríamos de remitirnos al homenaje que tributó a Antón Webern en los cincuenta

convertido en parte de su repertorio, no fue él quien la estrenó, sino François Monciero, contando al piano con Albert Nieto. El lugar, Vitoria-Gasteiz; el mo-mento, pocos meses después de su re-dacción. Desde entonces se ha escu-chado frecuentemente, y en escenarios tan diversos como el Auditorio de Birmingham, la Royal Academy de Lon-dres o el Museo Thyssen-Bornemisza. Dipolo, cuyo título hace referencia a los polos magnéticos, consta de dos sec-ciones contrastadas que se ejecutan sin interrupción. La primera parte, regi-da por la calma, con un cierto halo eté-reo contrasta con la segunda, decidida-mente rítmica, llena de energía. «Se trataba de hacer una obra en la que hu-biera dos componentes de dualidad; de oposición; de contrarios. Desde el prin-cipio, en Dipolo hay un contraste fuerte en el modo de tratar los dos instrumen-tos. Una tensión que se hace extensiva a dinámicas, registros e incluso veloci-dades», concluye Erkoreka.

Encargo del Festival Nou Sons del Auditori de Barcelona, donde se dio a conocer el pasado otoño, El jardín de Kinko está dedicada a sus intérpretes para la ocasión: el violonchelista Oriol Aymat y, al piano, Silvia Vidal, esposa del compositor, Ramón Humet, quien explica así las motivaciones del título: «Alude a Kurosawa Kinko, un maes-tro japonés del shakuhachi, variante de la flauta de bambú, que rescató la perdida tradición de la música para ese instrumento. En mi obra, dividida en dos movimientos, intento recrear la atmósfera del jardín de aquel perso-naje. La primera parte es una lucha a muerte entre el piano y el violonchelo:

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un duelo a ver cuál de los instrumen-tos puede más. La segunda, más lírica, tiene, como si se tratara del viento atravensado el bosque de bambú, un carácter más flexible, que se traduce en inflexiones melódicas». El jardín de Kinko guarda relación con los trabajos más recientes de Humet: «Junto con el trío Pétalos, para violonchelo, violín y piano, que recientemente se estrenó en Japón, forman un grupo de obras de cámara que estoy haciendo en los últi-mos años, todas ellas de gran exigencia para los intérpretes, y en las que yo lo doy todo, y me demando lo máximo que pueda conseguir».

El título de la obra que sigue, Chaos’ Dream (1998) hace referencia al mo-mento en que Fabián Panisello la escribió: «Después de una primera etapa creativa, me había planteado la revisión a fondo de mi propio estilo, ha-ciendo, hasta cierto punto, tabula rasa respecto a algunas de mis obras ante-riores. Esa revisión apolínea es la que se traduce del título. Sentía algo así como el deseo del caos, que en el fon-do significaba liberarme de ciertas re-glas muy estrictas para esa revisión de estilo, que después continué aplicando en esa línea durante mucho tiempo en bastantes obras. Fue un momento en alguna medida de rebelión frente a esas restricciones de lenguaje que me había autoimpuesto, y que me llevó a la idea de partir de cero. Aquello supuso trabajar a fondo en la linealidad, las polifonías transparentes –derivadas de la línea, del color y del timbre más que de la altura–, y de otras caracterís-ticas de las obras previas. En esta pieza trabajé con otros parámetros, y fueron

surgiendo complejos armónicos deriva-dos de otros complejos armónicos. De ahí el título, aunque la forma no sea caótica en absoluto.» En 2004, antes de ser llevada al disco por Apellániz y Rosado, Panisello procedió a una re-visión de la partitura: «Creí necesario recortar ligeramente la forma, porque me pareció que sobraba material; que había redundancias. Porque en su mo-mento me había extendido quizá por la propia identidad de la pieza, por esa ac-titud de reacción frente a lo anterior. Vi que con el tiempo podía formalmente ser mejorada a través de algunos recortes.»

Panisello escribió inicialmente Chaos’ Dream para un dúo húngaro que la había encargado, y que finalmente no se enfrentó a ella al parecerle su ejecución muy dificultosa. Poco des-pués, del estreno se responsabilizaron Alberto Rosado –el mismo pianista a quien hoy se la escuchamos– y, al vio-lonchelo, Michal Dmochowski, un nom-bre familiar en estos conciertos del Ciclo Fundación BBVA-Pluralensemble.

El cierre le corresponde ponerlo a las Variaciones para violonchelo y piano, escritas por Jesús Torres. «Las compu-se a principios de 2004 para el Trío Arbós, que ofrecía un concierto dentro de un congreso que tuvo lugar en el Schönberg Center de Viena. Me pidie-ron una obra que tuviera que ver con ese compositor, para figurar en un pro-grama de compositores españoles rela-cionados con él, como Gerhard y Homs, y con una obra del propio Schönberg. Aunque las pretensiones iniciales apuntaban a que el encargo se concre-tase en una pieza para los tres intérpre-

tes del grupo, yo prefería esta plantilla para una obra límite, tan especial como esta, y tan compleja para montar. Para mis Variaciones utilizo como elemento de estructura el tema de doce notas de las Variaciones para orquesta, op. 31 de Schönberg, una obra que siempre me ha obsesionado; que me fascina. Hasta el punto de ser la única que ten-go memorizada. De ella recojo ese tema y organizo mi propia música a par-tir del mismo. El ultravirtuosismo crea una clara violencia, que se percibe en los resultados sonoros. La obra parece discurrir a la inversa de lo habitual, ter-minando de una manera muy dramáti-ca, muy lenta, apareciendo de nuevo el tema de Schönberg, que no se escucha claramente: se limita a ser un elemento estructural de estas Variaciones, que no son dodecafónicas. Es una obra de alto virtuosismo que requiere unos in-térpretes extraordinarios. Y en este caso lo son».

Juan Antonio Llorente

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Pluralensemble es un conjunto instru-mental especializado en música de los siglos xx y xxi, fundado por Fabián Panisello, su director titular, y nacido con la vocación de difundir la música contemporánea, con un acento espe-cial en la música creada en España. Buscando siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras, alternando el más exigen-te repertorio de solista con obras de conjunto.

A lo largo de sus trece años de vida, ha desarrollado sus temporadas de conciertos en el Auditorio Nacional de Música, el auditorio del Museo Thyssen-Bornemisza y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y ha interve-nido con gran éxito de crítica y público en festivales y auditorios como Musi-ca (Estrasburgo), A Tempo (Caracas), Présences (París), Ars Musica (Bruselas),

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Manca (Niza), Spaziomusica (Cagliari), Aspekte (Salzburgo), IFCP Mannes (Nueva York), Konzerthaus (Berlín), Festival de Música de Alicante, Quin-cena Donostiarra, o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, ciclo de la WDR de Colonia, el Festival Nous Sons del Auditori de Barcelona, el Festival de Otoño de Varsovia y el Festival Ultras-chall de Berlín, entre otros.

Además de numerosas grabaciones para las radios WDR, RBB, RNE, RF, ORF, RTBF o la radio polaca entre mu-chas otras, realiza grabaciones de CD para los sellos Col legno (Múnich), Verso (Madrid), Cervantes (Bremen) y NEOS (Múnich) de compositores como David del Puerto, Luis de Pablo, César Camarero, Peter Sculthorpe, José Ma-nuel López López y Fabián Panisello, y tiene prevista la aparición de tres discos monográficos sobre la obra de

cámara de Ravel, José Luis Turina y György Ligeti.

Colabora habitualmente con solis-tas como Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood, Alda Caiello, Allison Bell, Salome Kammer, Siegfried Mauser, Jörg Widmann, Pilar Jurado, Marco Blaauw, Miquel Bernat, y directores como Zsolt Nagy, Cristóbal Halffter, Cesáreo Costa, Daniel Kawka, Joan Cerveró, Wolfgang Lischke o Jean Paul Dessy.

Además de sus giras, grabaciones y ciclo pedagógico sobre la música del siglo xx, actualmente desarrolla un ci-clo de conciertos-retrato dedicado a grandes compositores contemporáneos internacionales en el Auditorio Nacio-nal de Música, fruto de la colaboración con la Fundación BBVA.

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NIZ Formado inicialmente en Francia por

Jacques Doué en la École Nationale de Bayonne, David Apellániz completó sus estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con F. Helmerson y A. L. Quintana. También han influido de-cisivamente en su formación los conse-jos de los maestros B. Pergamenchikov, N. Gutman, D. Geringas, M. Pressler (Trío Beaux Arts), Cuarteto Hagen, Piero y Antonello Farulli, P. Muller, B. Canino y B. Greenhouse.

Actúa como solista con las más impor-tantes orquestas de España, así como del extranjero: Orquesta Nacional de Honduras, Ensemble Orchestral de Lyon, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Or-questa Sinfónica de Valencia, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Filarmó-nica de Málaga, Pluralensemble, Grup

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Instrumental de València, Orquesta de Córdoba, entre otras.

Ha participado en los más prestigiosos festivales de América, Europa y Asia (Festival de Salzburgo, Festival de Niza, Festival de Buenos Aires, Festival A Tempo de Caracas, Sala Shintori de Tokio, Festival Internacional de Granada). De esta manera ha compartido esce- nario con algunos de los mejores solistas y directores del panorama internacional como Gérard Caussé, Rainer Schmith (Cuarteto Hagen), Cuarteto Casals, N. Chumachenco, A. L. García Asensio, Pedro Halffter o David Masson.

En sus actuaciones ofrece un amplio re-pertorio que abarca desde el violonchelo barroco hasta la música más contem-

poránea, con una especial dedicación a la música de compositores nacionales. Ha grabado más de quince discos como solista junto con prestigiosos músicos y grupos como Alberto Rosado, Carlos Apellániz, A. Sukarlan, Trío Brouwer, A. L. Castaño o Pluralensemble, así como para los sellos Sony, Col legno, RNE, Fundación Autor y Verso, de entre los que cabe destacar la reciente graba-ción del Concierto para violonchelo y orquesta de György Ligeti. Colabora re-gularmente como violonchelo solista de Pluralensemble y del Grup Instrumental de València, así como de la Orquesta de Cámara Reina Sofía. Actualmente, com-pagina su actividad concertística con la docencia en la cátedra de Violonchelo del Conservatorio Superior de Aragón.

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DOAlberto Rosado nació en Salamanca en 1970. Ha dado recitales en las principa-les ciudades de Europa (Madrid, Londres, París, Berlín, Lisboa, Budapest o Roma), América (Nueva York, Ciudad de México, Caracas o Santiago de Chile) y Japón, y ha actuado como solista con algu-nas de las mejores orquestas europeas dirigidas por J. Pons, R. Frübeck de Burgos, P. Halffter, A. Tamayo, J. L. Temes, A. Posada, C. Riazuelo y P. Greenberg.

En la última década, su interés por la mú-sica contemporánea le lleva a trabajar estrechamente con numerosos composi-tores europeos y americanos como solis-ta y como miembro de Pluralensemble.

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Tiene grabaciones con los sellos Verso, Col legno y Naxos, las más recientes con la obra completa para piano de Cristóbal Halffter y de José Manuel López López.

Es además profesor de música de cá-mara y piano contemporáneo y coordina el Taller de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Música de Salamanca.

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