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UNIVERSIDADE FEDERAL DA PARAÍBA CENTRO DE CIÊNCIAS HUMANAS, ARTES E LETRAS
DEPARTAMENO DE MÍDIAS DIGITAIS CURSO DE COMUNICAÇÃO EM MÍDIAS DIGITAIS
THALES HENRIQUE LIMA DE LUCENA
PRODUÇÃO DE CURTA DE ANIMAÇÃO 2D
João Pessoa – PB 2014
THALES HENRIQUE LIMA DE LUCENA
PRODUÇÃO DE CURTA DE ANIMAÇÃO 2D
Relatório técnico-cientifico, apresentado ao curso de Comunicação em Mídias Digitais da Universidade Federal da Paraíba, Campus I, João Pessoa, como parte das atividades para obtenção do título de Bacharel em Mídias Digitais. Orientador: Prof. Me. Jorge Luís Pacheco Barcelos.
João Pessoa – PB 2014
Catalogação da Publicação na Fonte.
Universidade Federal da Paraíba.
Biblioteca Setorial do Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes (CCHLA).
Lucena, Thales Henrique Lima de.
Produção de curta de animação 2D / Thales Henrique Lima
de Lucena. - João Pessoa, 2014.
37f.:il.
Relatório (Graduação em Mídias digitais) – Universidade
Federal da Paraíba - Centro de Ciências Humanas, Letras e
Artes.
Orientador: Prof. Me. Jorge Luís Pacheco Barcelos.
1. Animação. Roteiro. 3. Storyboard. 4. Desenho I. Título.
BSE-CCHLA CDU
004.42
THALES HENRIQUE LIMA DE LUCENA
PRODUÇÃO DE CURTA DE ANIMAÇÃO 2D
Relatório técnico-cientifico, apresentado ao curso de Comunicação em Mídias Digitais da Universidade Federal da Paraíba, Campus I, João Pessoa, como parte das atividades para obtenção do título de Bacharel em Mídias Digitais.
Aprovada em:____ / ____ / ____
__________________________________________ Prof. Me. Jorge Luís Pacheco Barcelos
Professor Orientador
__________________________________________ Prof. Dr. Bertrand de Souza Lira
Examinador
__________________________________________ Prof. Me. Alexandre Vieira Maschio
Examinador
João Pessoa – PB 2014
AGRADECIMENTOS
Ao professor Olavo Mendes, que me serviu como referência de organização,
seriedade e dedicação para desenvolver este e futuros projetos.
Ao mеυ orientador, professor Jorge Barcelos, pelo apoio na elaboração deste
trabalho.
A Kathelen Larissa pelo incentivo e apoio constante.
A Jéssica Azevedo pelo companheirismo e opiniões sinceras sobre este projeto.
A minha irmã Elba Lima pelo apoio e companheirismo.
Aos amigos que fiz durante estes anos no Curso de Comunicação em Mídias
Digitais e outros da instituição.
E a todos que direta ou indiretamente fizeram parte da minha formação.
"Quando você faz em um fração de segundo
o que os outros levariam horas para fazer,
tudo parece mágica"
(Steve Jobs)
RESUMO
A produção de um curta de animação requer muito trabalho e envolve muitas etapas
de produção, algumas simples e outras de maior complexidade. Diante disto,
procurou-se estudar e analisar de forma teórica e prática as etapas fundamentais da
produção de uma animação: o desenvolvimento de roteiro, criação de personagens,
elaboração de um storyboard, escolha da trilha sonora, produção do animatic,
animação e por fim, a edição. A proposta deste projeto foi desenvolver um curta-
metragem de animação 2D analisando as etapas envolvidas nesse processo com o
uso de ferramentas digitais como os softwares Flash e After Effects, usados na
animação e edição, respectivamente. A produção deste curta se deu graças a
publicações de diversos autores podendo-se destacar: Preston Blair, como guia na
construção de personagens mais elaborados e atraentes, Sergi Càmara na
orientação do desenvolvimento de toda a produção e Richard Williams, como guia
nos fundamentos da animação.
Palavras-chave: animação, roteiro, storyboard, desenho, Medusa
ABSTRACT
The production of a short animation requires hard work and involves many stages of
production, some simple and others more complex. Given this, we tried to study and
analyze the theoretical and practical fundamental steps in the production of an
animation: the screenplay development, creating characters, developing a
storyboard, choosing the soundtrack, producing the animatic, animation and finally,
editing. The purpose of this project was to develop a short film 2D animation
analyzing the steps involved in this process with the use of digital tools such as Flash
and After Effects software, used in animation and editing, respectively. The
production of this short is thanked posts from various authors and may be
highlighted: Preston Blair, as a guide in the construction of more elaborate and
compelling characters, SergiCàmara in guiding the development of the whole
production and Richard Williams, as a guide on the fundamentals of animation.
Keywords: animation, script, storyboard, design, Medusa
LISTA DE FIGURAS
Figura 1: Esquema de produção de um filme de animação. ..................................... 15
Figura 2: Paradigma de um roteiro dividido em três atos. ......................................... 16
Figura 3: Formas primitivas podem indicar a personalidade do personagem. .......... 17
Figura 4: Cenário separado em layers. ..................................................................... 19
Figura 5: Modelo de folha de storyboard usado em algumas produções. ................. 20
Figura 6: Acima movimento continuo. Abaixo, movimento de aceleração e
desaceleração. .......................................................................................................... 22
Figura 7: Esquema de produção do curta Medusa. ................................................... 24
Figura 8: Fragmento do roteiro decupado. ................................................................ 25
Figura 9: Modelsheet da personagem Medusa. ........................................................ 25
Figura 10: A direita partes independentes do personagem Narciso. ......................... 26
Figura 11: Print screen de cenário feito no Photoshop. ............................................. 26
Figura 12: Print screen de fragmento do storyboard. ................................................ 27
Figura 13: Storyboard impresso e colado em painel. ................................................ 27
Figura 14: Print screen de pesquisa de música no site "incompetech.com".............. 28
Figura 15: Print screen da tela do programa Audacity. ............................................. 28
Figura 16: Print screen da tela do Premiere. Fonte: Elaborada pelo autor ................ 29
Figura 17: Print screen de animação quadro a quadro. ............................................ 30
Figura 18: Print screen do AfterEffects com a junção de personagem e cenário. ..... 30
Figura 19: Print screen do After com a composição final do vídeo. ........................... 31
10
SUMÁRIO
Apresentação ........................................................................................... 11
INTRODUÇÃO ......................................................................................... 11
1. FUNDAMENTAÇÃO TEÓRICA ....................................................... 13
1.1. Breve história da animação ........................................................... 13
1.2. Iniciando um projeto de animação ................................................. 14
1.3. Elaborando um roteiro ................................................................... 15
1.4. Desenvolvendo personagens e cenários ....................................... 17
1.5. Storyboard ..................................................................................... 19
1.6. O som da animação ....................................................................... 20
1.7. Animatic ......................................................................................... 21
1.8. Animação ....................................................................................... 22
1.9. Edição ............................................................................................ 23
2. Metodologia – Etapas de Produção ................................................ 23
2.1. Escrevendo o Roteiro .................................................................... 24
2.2. Criando personagens e cenários ................................................... 25
2.3. Painel de storyboard ...................................................................... 27
2.4. Pesquisa de som ........................................................................... 28
2.5. Produzindo o animatic ................................................................... 29
2.6. Animando ....................................................................................... 29
2.7. Editando animação ........................................................................ 30
RESULTADOS ......................................................................................... 31
CONCLUSÃO ........................................................................................... 32
REFERÊNCIAS ........................................................................................ 33
APÊNDICE – Roteiro ................................................................................ 36
11
APRESENTAÇÃO
Durante muitos anos foram produzidos filmes e animações com temas
mitológicos onde deuses, heróis e criaturas tiveram suas histórias contadas de
diversas maneiras, porém sua essência é sempre mantida. Podemos observar isso
com as histórias do herói Hércules que são contadas de diversas maneiras, mas em
todas ele é mostrado como um semideus possuidor de grande força. Esta força é
sua característica mais marcante, e por tanto, poucos se arriscam a contar a história
de um Hércules fraco explorando o seu lado mais humano. É o caso da Medusa,
que é sempre mostrada como uma criatura assustadora, temida e cruel, como é dito
por Perseu em uma passagem da obra Prometeu Acorrentado:
[...] onde vivem as três velhas, filhas de Fórcis, as três irmãs com aspecto de cisne, que só tem um dente, e um só olho em comum, e que jamais verão os raios do sol, nem o astro da noite. Não estarão longe as três outras irmãs, as aladas Górgonas1, monstros execrados pelos humanos; suas cabeças estão eriçadas de serpentes: quem as contemplar, morrerá imediatamente; ficas avisada do perigo. (ÉSQUILO, 2005)
Por meio deste projeto, tem-se o objetivo de criar uma nova versão para a
antiga história da Medusa mostrando-a de uma forma diferente, meiga e bela, indo
contra o mito da terrível Górgona. Modificar um arquétipo tão antigo e popular exige
cuidados para que o personagem não deixe de ser reconhecido. No caso da
Medusa, outras características fortes permitem sua identificação neste projeto, as
cobras no lugar dos cabelos e sua capacidade de transformar pessoas em pedra
com o seu olhar foram mantidas para que o público se sinta familiarizado com a
obra.
INTRODUÇÃO
O presente trabalhado de conclusão de curso tem como objetivo
desenvolver um curta animado propondo um estudo das etapas de produção da
animação, possibilitando um aprofundamento teórico e prático.
1Nome usado para se referir as irmãs Esteno, Euríale e Medusa. (RIBEIRO JR.,1998)
12
O interesse por produzir um curta de animação digital 2D partiu da
admiração pela técnica e pelo interesse profissional em seguir nesta área com
produções de curtas e séries animadas. A animação no Brasil é um mercado em
crescimento constante e cuja sua qualidade técnica vem apresentando melhoras
significativas. Atualmente no país a produção regular de curtas animados,
incentivados por mostras e festivais como o Anima Mundi, vem encorajando
animadores em suas produções e os entusiasmando a se aventurarem em áreas
pouco exploradas no território nacional, como séries para a TV e web e a produção
de longas-metragens. O público vem apresentando maior aceitação das produções
nacionais apesar de algumas resistências principalmente por parte de distribuidores,
porém o mercado internacional está com os olhos cada vez mais voltados a
produções brasileiras. Em 2013 no festival de Annecy na França o prêmio de melhor
longa foi do brasileiro Luiz Bolognesi com o filme Uma história de amor e fúria (2013)
e a edição de 2014 tem a participação de mais 3 longas nacionais, O Menino e o
Mundo de Alê Abreu, Até que a Sbornia nos separe de Otto Guerra e Luz, Anima,
Ação de Eduardo Calvet mostrando que as portas para este mercado estão cada
vez mais abertas.
O desenvolvimento desta animação ajudará em um aprofundamento na
área, permitindo que se estude as etapas de produção e edição e ainda,
desenvolver métodos que melhor se adéquem as rotinas de trabalho. A produção do
curta animado tem como objetivo estudar as principais etapas de produção da
animação: desenvolvimento do roteiro, storyboard, criação de personagens e
cenários, escolha da trilha sonora, animatic e edição.
De título Medusa, de acordo com o quinto tratamento do roteiro
(APÊNDICE – Roteiro), tem a proposta de desenvolver uma história sobre a vida da
jovem Medusa que não consegue se aproximar de seus pretendentes por
transformar todos que se aproximam dela em pedra. O curta tem como público-alvo
a faixa etária de 10 anos, seguindo orientações do Manual da Nova Classificação
Indicativa produzido pelo Ministério da Justiça – Departamento de Justiça,
Classificação, Títulos e Qualificação (2006)2.
O desenvolvimento deste projeto é instigante pela possibilidade de
levantar referências sobre animação e conhecer novas metodologias de trabalho
2Disponível em: http://www2.recife.pe.gov.br/wp-content/uploads/Anexo-IV-Manual-da-Nova-Classifica%C3%A7%C3%A3o-Indicativa.pdf Acesso em: 18/fev./2014.
13
praticadas por animadores que já estão no mercado, assim se torna importante na
orientação de trabalhos futuros.
1. FUNDAMENTAÇÃO TEÓRICA
A humanidade busca dar a sensação de movimento à imagem desde o
início da nossa história. As primeiras tentativas de comunicação, desenhos em
cavernas e pequenas esculturas, mostravam imagens de animais correndo e
homens caçando e colhendo, eram as primeiras tentativas de retratar o movimento
usando as ferramentas disponíveis. Essas buscas pelo movimento, durante séculos,
levaram aos estudos sobre persistência da retina de Joseph Plateau quando surgiu
a ideia de animação como entendemos hoje, dando origem a criação do
Fenaquistiscópio3.
Nesta fase serão apresentadas uma breve história da animação e as
principais etapas de produção utilizadas no desenvolvimento deste curta; roteiro,
storyboard, criação de personagens, escolha de áudios, animatic, animação e
edição.
1.1. Breve história da animação
Em 1895 os irmãos Lumiere registraram com um cinematógrafo os filmes
A chegada de um trem à estação e A saída dos operários de uma fábrica, estes
filmes deram início ao cinema e por sua vez da animação (MASCARELLO, 2006). Já
em 1906 temos a primeira animação experimental, feita por James Stuart Blackton,
The Humorous Phasesof Funny Faces, um curta de 3 minutos que abriu horizontes
de possibilidades para novas expressões utilizando desenhos em movimento.
Apenas dois anos depois temos Fantasmagorie, 1908, utilizando uma técnica similar
à de seu antecessor, Emile Cohl trouxe em seu trabalho um refinamento significante
e certa delicadeza nos movimentos de seus personagens mostrando que a
animação teria um futuro promissor. Segundo Vita (2008) “Emile Cohl mostrava
personagens ativos e com movimentos mais convincentes.”
3Brinquedo onde era possível ter a ilusão de movimento através da rotação de um disco que continha várias imagens desenhadas.
14
Com o passar dos tempos as animações foram se tornando populares e
cada vez mais animadores surgiram. Após conquistar o público, gerou-se a
necessidade de se produzir cada vez mais animações a curtos prazos o que levou
ao surgimento dos estúdios de animação que passaram a estudar novas formas que
pudessem diminuir o tempo e os custos das produções animadas. Esses estudos
levaram ao desenvolvimento das folhas de celuloide, conhecidas como acetato, que
foram largamente usadas na produção de filmes animados. O animador Earl Hurd
demonstrou que desenhar sobre o acetato traria um grande avanço para as
animações, permitindo separar os personagens do cenário, dando uma maior
liberdade artística aos animadores (NESTERIUK, 2011). Esta invenção possibilitou o
desenvolvimento e popularização desta mídia entre outras grandes inovações
técnicas ao longo de todo o século XX.
1.2. Iniciando um projeto de animação
Durante muitos anos para produzir uma animação era necessário uma
grande equipe e orçamentos elevados para custear seus integrantes e a enorme
quantidade de material gasto no seu desenvolvimento. Com os avanços da
tecnologia as animações também passaram por mudanças permitindo que pequenas
equipes, ou até mesmo uma única pessoa produzisse uma animação completa com
todas as ferramentas necessárias e baixo orçamento (CÀMARA, 2005).
Ao se iniciar um projeto é importante visualizar todas as fases de
produção necessárias para seu desenvolvimento, permitindo que os envolvidos
estudem as necessidades quanto a profissionais, equipamentos e materiais, prazos
e orçamento. Uma grande produção conta com muitas etapas, como propõe Sergi
Càmara (2005) em seu livro O desenho animado, onde ele expõe um extenso
esquema de produção (Figura1) comum em filmes animados e que serviu como
base para a produção do curta Medusa. As etapas mostradas no esquema de
Càmara geralmente são seguidas em grandes projetos, porém, produções menores
tornam por descartar ou adaptar muitas dessas etapas.
15
Figura 1: Esquema de produção de um filme de animação. Fonte: Càmara (2005).
1.3. Elaborando um roteiro
A elaboração de um bom roteiro é de fundamental importância não
apenas para lograr bons resultados no trabalho final, mas um roteiro bem
estruturado pode garantir uma produção segura e sem surpresas desagradáveis.
Para Nesteriuk (2011), o surgimento do roteiro para audiovisual se deu
com o desenvolvimento do cinema que ao longo dos anos foi ganhando força e
dimensões maiores existindo a necessidade de gerir uma linha de pensamento
capaz de orientar a equipe, sendo possível imaginar o filme antes dele ser
produzido. O roteiro também teria a importância de atrair e convencer grandes
investidores a apostarem no produto, analisando a partir do texto os gastos
necessários e o potencial que pode se atingir.
Escrever um roteiro exige do roteirista certa dedicação e disciplina, pois
ele é escrito por partes, cada etapa é iniciada após a conclusão da anterior.
Escrever um roteiro é um processo passo a passo. Um passo de cada vez. Primeiro, encontra-se um tema; depois, estrutura-se a ideia; procuram-se os
16
dados que façam falta; posteriormente, estrutura-se o primeiro ato em fichas de 3x5; então, escreve-se o roteiro, dia a dia. Quando o primeiro rascunho está pronto, fazem-se uma revisão profunda e as alterações necessárias para o ajustar à dimensão adequada. Por último é preciso poli-lo até estar pronto para ser visto por todos. (FIELD, 1979 apud COMPARATO, 1995)
Para Comparato (1995) o roteiro se inicia a partir de uma ideia que mexe
com o autor e faz com que ele sinta a necessidade de relatar. Porém, a ideia é algo
abstrato e que deve ser refinado, o que leva ao conflito da obra. Esse conflito é
escrito em uma frase, chamada de storyline, que servirá de base para todo o
desenvolvimento do texto. Com o roteiro desenvolvido, deve-se definir o que
Comparato chama de “tempo dramático”, fase onde é definido o tempo de acordo
com o que a cena pede. Uma cena de ação, por exemplo, pode ser mostrada com
rapidez para provocar maior agitação, enquanto uma cena romântica com um tempo
mais lento leva o espectador a um envolvimento maior com a cena. Por fim temos a
“unidade dramática”, que se trata do roteiro finalizado pronto para ser gravado, aqui
o diretor usa o roteiro como guia se orientando pelas cenas.
Um roteiro normalmente segue a estrutura básica de três atos, onde a
história é dividida em apresentação, confronto e resolução. Segundo O'Neil (2005):
esta é uma das técnicas mais naturais da produção de roteiros pois permite
facilmente que o público se envolva com a história.
Figura 2: Paradigma de um roteiro dividido em três atos.
Fonte: Field (2001).
Para Field (2011) o primeiro ato, ou início, é a parte mais importante do
roteiro, é nele que o escritor tem que apresentar os personagens principais, do que
se trata a história e como ela se sucede, sendo esta parte responsável por manter o
interesse ou afastar o espectador nos primeiros minutos. O segundo ato, o
confronto, é fase onde os problemas vão surgindo e o personagem principal enfrenta
desafios que o impedem chegar a seus objetivos. Por fim, o terceiro ato, ou
17
resolução, é a conclusão da história, porém não significa o fim mas sim a solução
dos problemas seguidos do fim e os créditos. Não existe regra para a aplicação dos
três atos podendo a ordem ser alterada de acordo com a necessidade criativa do
autor.
1.4. Desenvolvendo personagens e cenários
Para a criação de um personagem o primeiro passo é definir sua
personalidade. Uma característica sempre deve se destacar, seja ele bobo, fofo,
meigo, malvado ou mal-humorado. A importância na definição da sua personalidade
se dá pelo fato dela refletir diretamente a sua aparência física. Quando o desenhista
inicia seu estudo, ele desenha formas que podem simbolizar a personalidade do seu
personagem. Personagens mal humorados ou muito inteligentes podem ter uma
forma quadrada, já aqueles fofos e meigos, formas redondas e ovais para reforçar
sua graça. Segundo Blair (1994), esse estudo de forma faz com que o personagem
passe maior credibilidade e realismo.
Figura 3: Formas primitivas podem indicar a personalidade do personagem.
Fonte: Blair (1994).
Além da forma, outra característica importante em um personagem é a
pose. Por natureza somos capazes de identificar alguém pelos seus gestos e jeito
de andar, o mesmo ocorre com personagens de desenho animado. Definir uma boa
pose deve tornar um desenho fácil de ser reconhecer, como ocorre com super-
18
heróis e vilões que possuem poses opostas, sendo um para cima demonstrando
virilidade e o outro arqueado mostrando inferioridade (CÀMARA, 2005).
Com o personagem definido é importante que se crie padrões para
garantir que ao longo da animação não haja deformações ou mudanças bruscas
tanto de cor quanto de forma, para isso é criado o modelsheet. Nele o personagem é
desenhado em diferentes posições, sendo as principais: de frente, perfil, três quartos
e de costas. Com essas poses definidas é possível ter referência suficiente para
evitar que o personagem seja desenhado de forma equivocada durante o processo
de produção.
O cenário é um elemento complementar da cena, podendo ser complexo
ou ser resumido a uma cor sólida. Segundo Nesteriuk (2011), o mais importante a se
pensar em um cenário é a ambiência, ou seja, o clima que será refletido em toda a
cena e se ela afetará o comportamento do personagem. Em uma velha casa escura
o personagem pode demonstrar medo e andar lento, diferente caso esteja em uma
festa com muitas cores onde ele poderia apresentar um comportamento agitado e
animado.
Quando se está construindo um personagem 2D digitalmente, é
importante que ele seja desenhado de tal forma que as partes do corpo sejam
separadas como cabeça, corpo, braços e pernas, assim o animador pode
movimentá-las de forma independente como se manipulasse um fantoche (Garza,
2012). A construção do cenário segue o mesmo princípio, sendo todos os elementos
de cena criados individualmente e separados por camadas, também chamadas de
layers, permitindo separar imagens por profundidade como primeiro plano e
background, assim como é mostrado na Figura4.
19
Figura 4: Cenário separado em layers.
Fonte: Fowler (2002).
1.5. Storyboard
Com o roteiro pronto é importante visualizar a animação antes dela ser
produzida, para isso é desenvolvido o storyboard, roteiro desenhado em quadros.
No storyboard é possível definir a câmera e os ângulos que serão usados nas
cenas.
Segundo Nesteriuk (2011), a origem do storyboard se deu nas primeiras
décadas do século XX quando o diretor Gregory LaCava desenhou uma sequência
de pequenos desenhos, os thumbnails4, e fez anotações sobre duração e planos que
serviram de orientação na pré-produção de animações que dirigiu. Webb Smith,
animador dos Estúdios Walt Disney, veio a aperfeiçoar a técnica, vindo a utilizar
quadros maiores e mais detalhado similar ao que se utiliza atualmente como
storyboard. Nesteriuk completa:
No início da década seguinte, Smith sugeriu aumentar o tamanho de cada quadro desenhado, utilizando uma folha de papel para cada desenho realizado, ao invés de diversos desenhos miniaturizados em forma de tirinha. Smith também sugeriu pendurar cada desenho sequencialmente em grandes painéis de cortiça, nos quais se tornaria mais simples adicionar ou remover as folhas com os desenhos. Também permitiria dessa maneira que os artistas de storyboard pudessem acompanhar o fluxo visual de toda uma sequência de uma só vez, em escala maior de tamanho, um pouco mais próxima a de uma tela de aparelho de televisão. O aperfeiçoamento do storyboard promovido por Smith foi fundamental para a realização de “Branca de Neve e os Sete Anões” (1937), o primeiro longa-metragem em animação produzido pelos Estúdios Disney. Em pouco tempo, os estúdios de animação passaram a utilizar o storyboard em todas as suas produções
4 Desenhos de cenas em miniaturas, geralmente esboço feito antes do sttoryboard final.
20
e, a partir do final da década de 20, já havia menções de artistas de storyboard nos créditos das animações.
Atualmente os estúdios de animação utilizam pautas de storyboard
complexas, nelas são indicadas título, números do episódio da cena, tipo de plano e
tempo de produção e descrição do cenário. Também são feitas anotações com falas,
movimentos de câmera e outras anotações que o diretor achar importante para a
produção da cena (CÀMARA, 2005).
Figura 5: Modelo de folha de storyboard usado em algumas produções. Fonte: Càmara (2005).
1.6. O som da animação
O som é um elemento importante na animação moderna pois ela funciona
como um guia que prepara e orienta o espectador dentro das cenas. O som pode
trazer sensações de tensão, medo, calmaria e agitação, e também antecipar
acontecimentos, portanto, a escolha das músicas e efeitos sonoros devem ser feitas
com certo planejamento e cuidado, para que seja reforçado ao espectador o
sentimento que a cena pede. Como diz Nesteriuk (2011):
Assim, elementos musicais como altura, timbre, intensidade, duração, letra, melodia, harmonia e ritmo, dialogam constantemente com os elementos visuais apresentados em uma cena a fim de compor uma unidade entre estas linguagens.
Dentro dos sons que compõem uma animação, temos os efeitos sonoros.
Segundo OPOLSKI (2013), o ato de sincronizar o som com imagem é chamado de
21
foley e é geralmente dividida em; steps, que são os passos, clothes, as roupas e
props, os objetos de cena, que juntos formam a ambiência que auxilia na construção
do filme. É comum que os profissionais de foley não utilizem sons reais na cena,
mas utilizem efeitos dramáticos e abstratos, também chamados de sound effects.
Outro item importante para compor o áudio de uma cena é o background (BG), ele é
responsável pelo som de fundo e não costuma se destacar, mas auxilia o
espectador a imaginar o local onde o personagem se encontra.
O background, comumente chamado de BG, nada mais é do que o som ambiente de determinada cena, sempre denso e continuo, sem eventos sonoros pontuais que se possam se destacar. Se a ação se passa no centro de uma cidade, provavelmente o BG será construído por sons contínuos de movimentação de carros e pessoas conversando. Ao contrário, se a atriz principal encontra-se em meio a uma floresta admirando árvores, flores e toda a natureza, o BG será constituído por sons de grilos, pássaros, ventos, quem sabe a água de um riacho que corre ali por perto etc (OPOLSKI, 2013).
Quando todos os elementos de sons estão prontos, eles são reunidos,
montados e editados para serem sincronizado com a imagem.
1.7. Animatic
O animatic é um estudo apurado do storyboard, uma animação grosseira
mas com tempo próximo ou igual ao que se pretende trabalhar na animação final,
nele também são estudados os ângulos e câmeras com o movimento apropriado
para cada cena.
Para Nesteriuk (2011), o animatic é uma versão audiovisual do storyboard
onde os quadros são expostos na tela por um determinado tempo até ser substituído
pelo próximo. Apesar dos movimentos, o animatic ainda não é considerado uma
animação por não possui acabamento nem fluidez servindo apenas como um guia
com indicações de câmera e sincronia de som.
Animatics podem ser simples (vídeo storyboard) como uma sequência de slides ou mais sofisticados (high-end), semelhantes a uma animação limitada, com algum movimento de câmera, deslocamento de personagens e objetos, transições e efeitos simples de vídeo. Independentemente de seu nível final de acabamento, devem sincronizar o áudio com a imagem apresentada. Para tanto, softwares de edição e pós-produção de vídeo são utilizados para gerar o arquivo audiovisual (NESTERIUK, 2011).
22
1.8. Animação
O papel da animação é dar vida a imagem estática. Para que isto ocorra
de forma natural o animador deve tornar seus personagens o mais convincentes
possíveis. Um item muito importante é a expressão facial. Muitos animadores nesta
etapa, trabalham com o uso de referencial de vídeos, observam atores e modelos ou
simplesmente utilizam um espelho com o qual fazem as mais diversas expressões
para se orientarem na hora de dar vida aos personagens (CÀMARA, 2005).
Segundo WILLIAMS (2001), os elementos principais a serem dominados
pelo animador são o tempo e o espaço, são eles responsáveis por tornar o
movimento do objeto a ser animado natural e realista. Como exemplo, Williams
apresenta o movimento de uma moeda gravada no tempo de um segundo, se o
animador deseja mostrar um movimento constante ele deve movimentar a moeda a
cada quadro em espaços iguais, porém, para dar um movimento natural o animador
deve utilizar espaços diferentes, quanto maior for este espaço mais rápido a moeda
se movimentará, permitindo se trabalhar com aceleração e desaceleração.
Figura 6: Acima movimento continuo. Abaixo, movimento de aceleração e desaceleração.
Fonte: WILLIAMS (2001)
Càmara (2005), descreve a produção da animação como a utilização de
uma mesa com luz em baixo onde se desenha em uma folha e ao término de um
desenho se coloca o próximo papel por cima, permitindo se visualizar a imagem
anterior usando-a como referência para o próximo movimento. Este princípio se
mantem quando se trabalha com técnica digital. Atualmente os softwares dispõem
de ferramentas similares que permitem o mesmo efeito, onde é possível desenhar
23
um movimento visualizando o anterior através de uma transparência como o Flip
Book e Adobe Flash.
1.9. Edição
Na edição ocorre o processo de ordenação das cenas, associação ao
áudio e aplicação de efeitos. Apesar de parecer exclusivamente técnico é necessário
que o editor ou montador tenha noções de narrativa para que a animação final
apresente fluidez e não cause confusão na continuidade da história. Para Aumont
(2008), a técnica de montagem consiste em três operações principais que são,
seleção, agrupamento e junção que em conjunto levam ao filme. Aumont completa
“O objeto sobre o qual a montagem se exerce são os planos de um filme (ou seja,
para explicitar ainda mais: a montagem consiste em manipular planos com o intuito
de constituir um outro objeto, o filme.” Assim como em filmes live-action, aqueles
produzidos com atores reais, a animação passa por princípios semelhantes onde
cabe ao editor selecionar e unir as cenas que melhor possam contar uma história.
2. METODOLOGIA – ETAPAS DE PRODUÇÃO
Nesta sessão serão apresentadas as formas de produção usada no
desenvolvimento do curta de animação Medusa. Assim, este capítulo tem o objetivo
de descrever as etapas de produção e as ferramentas utilizadas na aplicação da
técnica escolhida para a produção da animação.
Assim como citado no referencial teórico, foi usado como referência para
o desenvolvimento da animação o esquema de produção de animação de Càmara
(2005). Porém, foram feitas adaptações de acordo com as necessidades
encontradas no projeto, resumindo o esquema original a etapas básicas de
produção como mostrado na Figura 6.
24
Figura 7: Esquema de produção do curta Medusa.
Fonte: Elaborada pelo autor
2.1. Escrevendo o Roteiro
A construção do roteiro foi feito com base na mitologia grega com o
objetivo de dar um novo rumo a uma antiga história, propondo uma nova visão sobre
a lenda mitológica da Medusa. Para tanto foram buscadas na web referências que
possibilitaram na escrita maior intimidade com o personagem principal, conhecendo
versões de outros autores e sua origem.
O roteiro foi construído seguindo a técnica de três atos como citado no
referencial teórico, onde a história foi dividida em apresentação do personagem
principal e o problema enfrentado por ele, seguido por um momento excitação e a
conclusão. Este roteiro foi finalizado em seu quinto tratamento, ou seja, passando
por cinco versões, levando em conta pequenas e grandes alterações. Em seguida foi
feita uma versão decupada com indicações de sons e câmeras de forma detalhada
(Figura 8).
Para a construção do roteiro foi utilizado o editor Microsoft Word e, com o
texto impresso, foram feitas anotações no próprio papel referente à mudança de
ordem de algumas cenas, cortes e adaptações e andamento na produção.
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Figura 8: Fragmento do roteiro decupado.
Fonte: Elaborada pelo autor
2.2. Criando personagens e cenários
Após vários esboços, o personagem foi definido e em seguida aplicado ao
modelsheet (Figura9). Nesta fase os personagens são construídos em forma vetorial
utilizando o software Adobe Illustrator, que permite desenhar separadamente cada
parte do personagem permitindo movimentá-las individualmente (Figura 9).
Figura 9: Modelsheet da personagem Medusa.
Fonte: Elaborada pelo autor.
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Figura 10: A direita partes independentes do personagem Narciso.
Fonte: Elaborada pelo autor
Toda a animação transcorre no mesmo cenário sendo mostrado em
ângulos diferentes. Para que isto fosse possível foi feito um extenso ambiente
(Figura 11). Assim como os personagens, cada elemento da cena foi feito
individualmente permitindo separá-los e duplicá-los quando necessário. Por dispor
de maior trabalho visual, aplicação de texturas e efeitos de pinceladas, se optou por
trabalhar toda confecção do cenário no programa Adobe Photoshop, onde ainda é
possível se trabalhar em layers que são reconhecidas por outros programas de
edição que serão citados nos próximos tópicos.
Figura 11: Print screen de cenário feito no Photoshop.
Fonte: Elaborada pelo autor
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2.3. Painel de storyboard
Após o roteiro ser decupado e os personagens e cenários definidos, o
storyboard foi desenhado diretamente no Photoshop (Figura 12), a partir do uso de
uma mesa digitalizadora, modelo Bamboo/Wacom.
Para facilitar a visualização durante a produção da animação, todos os
quadros do storyboard foram impressos, recortados e fixados em um painel escuro
(Figura 13). Assim foi possível acompanhar o desenvolvimento da animação fazendo
comparação entre a cena animada e o storyboard.
Figura 12: Print screen de fragmento do storyboard.
Fonte: Elaborada pelo autor.
Figura 13: Storyboard impresso e colado em painel.
Fonte: Elaborada pelo autor.
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2.4. Pesquisa de som
A escolha das músicas e efeitos sonoros foi feita a partir de pesquisa
bancos de sons disponibilizados na web de forma gratuita e sobre licença creative
commons5, o principal site utilizado foi o “Incompetech” por dispor de uma gama
maior de músicas e efeitos com licença livre para uso comercial (Figura 14).
Figura 14: Print screen de pesquisa de música no site "incompetech.com".
Após escolhidos os sonsa serem usados na cena, foi necessário realizar
a edição de alguns arquivos, fazendo cortes, aumento de volume, aplicação de
filtros, etc. Para editar o som foi utilizado o programa Audacity (Figura 15).
Figura 15: Print screen da tela do programa Audacity.
Fonte: Elaborada pelo autor
5 “[...] licenças de direitos autorais que fornece uma maneira simples e padronizada para dar ao público permissão para compartilhar e usar o seu trabalho criativo - sobre as condições de sua escolha” (CREATIVECOMMONS, tradução nossa). Disponível em: <http://creativecommons.org/about> Acesso em: 02 maio 2014.
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2.5. Produzindo o animatic
Com o storyboard e os sons definidos foi produzido o animatic.
Fragmentos do roteiro foram separados e colocados em sequência seguindo o
tempo necessário, sincronizando com os sons pré-definidos. Algumas imagens do
storyboard passaram por edição e ganharam animações simples, apenas para
serem melhor compreendidas durante sua visualização. As cenas do animatic foram
montadas e sincronizadas com o som no Premiere como mostrado na Figura 16,
também foi adicionado um relógio e um medidor de frames para ajudar a contar o
tempo do movimento na hora da animação.
Figura 16: Print screen da tela do Premiere. Fonte: Elaborada pelo autor
2.6. Animando
A animação final foi feita utilizando o programa Adobe Flash, e foram
utilizadas duas técnicas em sua produção, a quadro-a-quadro (Figura 17), onde os
desenhos são feitos um após o outro com pequenas modificações, a animação em
motion tween, recurso disponível no Flash que permite a intervalação de movimento
de forma automática e a técnica de animação econômica, onde as partes que foram
construídas no Illustrator são guardadas em uma biblioteca e são constantemente
utilizadas sem a necessidade de ser feito um novo desenho. Alguns movimentos na
animação precisaram de referência. Um exemplo é a cena do cavalo (Figura 17),
onde foi necessário assistir vídeos de cavalos reais para que o movimento das patas
animadas fosse o mais próximo do natural.
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Com base no animatic os movimentos da animação final vão sendo
desenvolvidos e as cenas de referência vão sendo descartadas. Com a cena pronta,
a animação é aberta no After Effects (Figura 18) com fundo transparente para que
então o cenário seja aplicado à cena.
Figura 17: Print screen de animação quadro a quadro.
Fonte: Elaborada pelo autor.
Figura 18: Print screen do AfterEffects com a junção de personagem e cenário.
Fonte: Elaborada pelo autor
2.7. Editando animação
Com as imagens animadas no Flash, elas são importadas no Adobe After
Effects onde os cortes e transições são feitas e correções de cores são aplicadas
aos vídeos. No After também são aplicados efeitos especiais e animações
adicionais. Quando ovídeo é finalizado, ele é importado no Adobe Premiere onde o
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áudio foi sincronizado, alguns cortes extras foram feitos, e também adicionados os
créditos. Em seguida o arquivo final é fechado e exportado, finalizando as etapas de
produção.
Figura 19: Print screen do After com a composição final do vídeo.
Fonte: Elaborada pelo autor
RESULTADOS
A produção do curta de animação Medusa, pode ser considerado bem
sucedido para uma primeira experiência. Apresentando pequenas dificuldades no
decorrer da produção que foram solucionadas nas consultas com o orientador e com
base nas referências bibliográficas.
O objetivo de adquirir novos conhecimentos com base nas etapas de
produção foram atingidos, refletindo em um apurado de conhecimento significativo
para aplicações futuras em projetos pessoais e profissionais. Para uma análise
aprofundada pode-se dividir o desenvolvimento da animação em três partes: pré-
produção, produção e pós-produção.
Durante a pré-produção, não foram identificadas grandes dificuldades.
Porém o desenvolvimento do roteiro foi uma etapa que necessitou uma dedicação
maior, por ter sido alterado diversas vezes. Essas alterações além de ocorrerem
como parte do processo criativo, também foram influenciadas pelo planejamento do
projeto que levou em conta, o tempo, as habilidades que já existiam e aquelas que
seriam adquiridas durante a produção. Com o roteiro solucionado outras etapas de
pré-produção caminharam gerando resultados satisfatórios com a criação de
personagens, storyboard e animatic. Durante as pesquisas por músicas, foi
identificado que no interesse em participar de eventos e festivais, as trilhas que
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compunham a animação deveriam não apenas estarem sobre licença Creative
Commons, mas também com especificações de uso comercial livre, o que limitou a
busca em poucos bancos sonoros capazes de atender a este requisito.
A produção da animação necessitou certo tempo e cuidado para que
mesmo com as limitações relacionadas à habilidade com técnicas de animação e
uso de ferramentas não fosse comprometida a qualidade do produto.
O trabalho de pós-produção foi bem resolvido tendo como referência
vídeos-tutoriais da web que facilitaram a compreensão dos programas utilizados
permitindo fluidez no decorrer da edição.
Para uma primeira produção de curta animado, o resultado obtido foi
satisfatório podendo servir de vitrine para futuros trabalhos nas diversas áreas de
um projeto de animação.
CONCLUSÃO
Todo o trabalho de pesquisa e aplicação prática foi de fundamental
importância tanto para a conclusão deste curta de animação, quanto na aquisição de
novos conhecimentos que serão aprofundados durante toda a carreira pessoal e
profissional no mercado de trabalho.
Com base nos pontos positivos e nas dificuldades encontradas durante a
produção, ficou constatado que para se obter resultados mais satisfatórios, deve-se
investir melhor na administração do tempo e na formação de uma equipe, que deve
ser composta por profissionais de áreas diferentes de conhecimentos de animação,
de arte e de programação, o que permitiria uma maior dedicação e melhor
acabamento para cada uma das etapas apresentadas neste relatório. Ficando
entendido que em trabalhos futuros estas medidas serão tomadas para garantir a
qualidade do produto final.
Concluindo aqui este relatório técnico de produção, porém considerando o
cotidiano profissional de todo o aprendizado obtido durante a realização deste
trabalho de conclusão de curso, afim de adquirir e aperfeiçoar os conhecimentos e
garantindo um maior aprofundamento teórico e prático. Tendo como objetivo o
enfrentamento de novos desafios, visando a evolução da produção de pequenos
curtas a longas-metragens, bem como séries de animação.
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REFERÊNCIAS
Livros
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Rio de Janeiro: Objetiva, 2001. Tradução de Álvaro Ramos.
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1. ed. Canadá: Fowler Cartooning Publishing, 2002.
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Graphica, 2005.Tradução de Dario Chaves.
OPOLSKI, Débora. Introdução ao Desenho de Som: uma sistematização aplicada
na análise do longa-metragem Ensaio sobre a cegueira. 1. ed. João Pessoa: UFPB,
2013.
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2001.
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Disponível em: <http://www2.recife.pe.gov.br/wp-content/uploads/Anexo-IV-Manual-
da-Nova-Classificação-Indicativa.pdf>Acesso em:18 fev. 2014.
34
ÉSQUILO. Prometeu Acorrentado. [s. L.]: Ebooksbrasil, 2005. Tradução de: J. B. de
Mello e Souza. Disponível em:
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GARZA, Beto. CHARACTER DESIGN: How to Design and Vector a Set of Character
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<http://design.tutsplus.com/tutorials/how-to-design-and-vector-a-set-of-character-
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Disponível em:<http://www.greciantiga.org/arquivo.asp?num=0080> Acesso em: 07
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AULA Anima Pirata Barrigudo. Direção de Guilherme Laqua. Paraná, 2012. (57
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<http://youtu.be/T0jmgeAzNSQ?list=UUxKrVdkRtzba3ChY6gegKLQ> Acesso em: 14
maio 2014.
AULA de Teoria e Fundamentos de Animação Tradicional 2D. Guilherme Laqua.
Paraná, 2012. (57min.); Disponível em:
<http://youtu.be/66or9UAArh0?list=UUxKrVdkRtzba3ChY6gegKLQ> Acesso em: 14
maio 2014.
35
COMO tratar seu vídeo no After Effects. Direção de Henrique Cestarolli. [s. L.]:
Produccine, 2013. (5min.). Disponível em:
<http://youtu.be/E5b3l8T6NPs?list=UUZzUx1ZvM3ELvoSxTzri9Vg>. Acesso em: 24
maio 2014.
HERCULES. Direção: Ron Clements; John Musker. [Estados Unidos]: Walt Disney,
1997. 1 DVD (92 min.).
MOVIMENTO de câmera, montagem e continuidade. Direção de Henrique Cestarolli.
[s.L.]: Produccine, 2013. (6min.). Disponível em:
<http://youtu.be/OYV7PmI6JFc?list=UUZzUx1ZvM3ELvoSxTzri9Vg> Acesso em: 21
maio 2014.
THE Little Island. Direção: Richard Williams. Londres: Richard Williams Animated
Films, 1958. (33min.), Disponível em: <http://youtu.be/TDcTRVUx2bA>. Acesso em:
25 jun. 2014.
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APÊNDICE – ROTEIRO
Ideia e conflito: Metáfora x Aceitação pessoal
Título: Medusa
Medusa é uma linda jovem com cabelos de cobra. Ela vive só e
triste, todos que arriscaram se aproximar dela foram
transformados em pedra. Até que um dia um forasteiro surge
para conquistá-la. Ela tenta se esconder para evitar
transformar mais um pretendente em pedra, mas com a
insistência do rapaz ela se vira. Ele está com os olhos
vendados, assim não vira pedra, então se aproxima, toca o
rosto de Medusa e sorri. Fim.
“Medusa”
Quinto Tratamento
Um roteiro de Thales Lima
CENA 1
EXT. PLANÍCIE COM ALGUMAS ONDULAÇÕES – Manhã
PAN do local mostrando estátuas com rostos assustados, são
homens que tentaram se aproximar de MEDUSA e foram
transformados em pedra.
CENA 2
EXT. AMBIENTE ABERTO – Manhã
MEDUSA está pensativa, sentada em uma pedra.
Vemos um balão com um pensamento de MEDUSA. Ela parece
apaixonada. Ela está imaginando uma soma, MEDUSA + Príncipe =
coração (as imagens são representadas com desenhos q parecem
ter sido feitos por crianças).
Ela escuta passos de cavalo e se anima. Seria o pretendente
tão esperado?
Vemos patas de um cavalo branco. A câmera sobe até seu
montador mostrando um cavalo exageradamente pomposo e um
cavaleiro (NARCISO) tal qual. NARCISO é forte, tem um ar
heroico e um semblante charmoso e galanteador (Referência:
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Johnny Bravo). Usa roupas gregas clássicas com muito tecido e
peitoral a mostra.
NARCISO desce de seu cavalo e se aproxima de MEDUSA que está
de costas. Ele carrega uma caixa de bombons para presenteá-la.
MEDUSA não consegue disfarçar sua empolgação mais ainda não se
vira.
NARCISO solta um leve pigarro para chamar sua atenção.
RUM… RUM!
MEDUSA vira com um grande sorriso. Suas cobras também estão
felizes.
Quando NARCISO vê MEDUSA, ele se assusta e dá um grito
feminino que quebra sua pose máscula.
Enquanto grita ele vai se transformando em pedra.
CAMERA ABERTA. MEDUSA está triste e dá um suspiro
decepcionada.
FADE-OUT
CENA 3
EXT. AMBIENTE ABERTO – Noite
FADE-IN
Vemos um céu estrelado. CÂMERA caminha até MEDUSA. Ela está no
mesmo lugar da cena anterior, sentada na pedra.
MEDUSA escuta alguém se aproximar.
A pessoa está ao seu lado
Uma mão estendida com uma flor entra no quadro.
MEDUSA fica parada alguns instantes olhando até que surge um
novo balão de pensamento. Outra soma. MEDUSA + Príncipe =
pedra. O balão estoura.
O Visitante insiste em entregar a flor.
Com a insistência, ela se vira devagar acreditando que vai dar
ao visitante o mesmo destino dos outros que tentaram se
aproximar.
Vemos seu rosto apreensivo.
Sua expressão muda ao ver o visitante. Agora seu rosto é calmo
e impressionado.
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Vemos o rosto do visitante (PERSEU). Ele é jovem e está com os
olhos vendados. Na mão uma linda flor estendida em direção a
MEDUSA.
Ela permanece parada olhando para PERSEU. Pela primeira vez
alguém ficou tanto tempo frente a frente sem virar pedra.
Ele se aproxima, toca seu rosto e sorri.
MEDUSA fica vermelha e solta um tímido sorriso.
FIM
