Nascida em 1977 em Boksburg, África do Sul, Senzeni Mthwakazi Marasela estudou na University of the Witwatersrand, Joanesburgo, onde obteve um BA em Fine Arts em 1998. Tem participado em inúmeras exposições na África do Sul e foi artista em residência em Iziko, South African National Gallery, Cidade do Cabo, em 2000. Em 2002 Marasela recebeu a Thami Mnyele Scholarship. Uma seleção das suas exposições coletivas inclui: Body and the Archive, Artists’ Spaces, New York, 2003; AIDS in Africa, Wesleyan Women’s College, Boston, 2002; Upstream Public Art Exhibition, Umea, Sweden, 2000; Portrait Afrika, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2000; Translation/Seduction/Displacement, White Box, New York, 2000; Margins in the Mainstream, Namibian National Gallery, Windhoek, 2000; Art Region End of Africa (A.R.E.A.), Listasafn Reykjavikur Kjarvalsstadir, Reykjavik, 2000; Truth Veils, Gertrude Posel Gallery, University of the Witwatersrand, Joanesburgo, 1999.

Born in 1977 in Boksburg, South Africa, Senzeni Mthwakazi Marasela studied at the University of the Witwatersrand, Johannesburg where she obtained a BA Fine Arts degree in 1998. She has taken part in numerous South African shows and was an artist in residence at Iziko, the South African National Gallery, Cape Town in 2000. In 2002, Marasela was recipient of the Thami Mnyele Scholarship. Selected group exhibitions include Body and the Archive, Artists’ Spaces, New York, 2003; AIDS in Africa, Wesleyan Women’s College, Boston, 2002; Upstream Public Art Exhibition, Umea, Sweden, 2000; Portrait Afrika, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2000; Translation/Seduction/Displacement, White Box, New York, 2000; Margins in the Mainstream, Namibian National Gallery, Windhoek, 2000; Art Region End of Africa (A.R.E.A.), Listasafn Reykjavikur Kjarvalsstadir, Reykjavik, 2000; Truth Veils, Gertrude Posel Gallery, University of the Witwatersrand, Johannesburg, 1999.

Virginia Chihota nasceu em 1983, em Chitungwiza, Zimbabwe, e atualmente vive e trabalha em Podgorica, Montenegro. Formou-se em Belas Artes pelo National Art Gallery Studios em Harare, Zimbabwe, em 2006. Chihota representou o Zimbabwe na 55a Bienal de Veneza em 2013 e foi galardoada com o Prix Canson no mesmo ano. Exposições recentes incluem Goodman Gallery, Cape Town (2015), Saatchi Gallery (2015), Kunsthalle Faust, Hannover (2014), Neuer Berliner Kunstverein (2014) e Lyon Biennale (2011).

Virginia Chihota was born in 1983 in Chitungwiza, Zimbabwe and currently lives and works in Podgorica, Montenegro. She graduated in Fine Arts from the National Art Gallery Studios in Harare, Zimbabwe in 2006. Chihota represented Zimbabwe at the 55th Venice Biennale in 2013 and was awarded the Prix Canson in the same year. Recent exhibitions include Goodman Gallery, Cape Town (2015), Saatchi Gallery (2015), Kunsthalle Faust, Hannover (2014), Neuer Berliner Kunstverein (2014) and the Lyon Biennale (2011).

KIN

Lebohang KganyeMary EvansPhoebe Boswellruby onyinyechi amanzeSenzeni Mthwakazi MaraselaVirginia ChihotaCuradoria/Curator: Eva Langret

HANGAR30.04 – 09.07.2016ENTRADA LIVRE/FREE ENTRANCE

The Suit, Lebohang Kganye, 2013

INAUGURAÇÃO/OPENING 30 Abril/30th April 201619h–24h/7pm to 12pm

Visita à exposição com a curadora Eva Langret Visit to the exhibition with Curator Eva Langret 20h/8pm

HANGAR Centro de Investigação ArtísticaRua Damasceno Monteiro, 12 r/c1170-112 LisboaTel. +351 218 871 481 | 967 209 639 geral@hangar.com.pt

Programa Educativo/Education Program Ana de Almeida | 938 439 060ana.almeida@hangar.com.pt

Horários: quarta-feira a sábado, 15h–19hOpening times: wednesday to saturday, 3pm–7pmEntrada livre/Free entry

Curadoria/Curator: Eva LangretOrganização/Organization: HANGAR | XeremCoprodução/Co-production: AFRICA.CONT/CML

KIN tem o apoio de/The KIN exhibition is supported by: Ministério da Cultura - Direção Geral das Artes, BIPZIP Parcerias Locais, Fundação Calouste Gulbenkian

Programa Paralelo/Parallel ProgramO programa paralelo tem por objetivo trazer as questões globais levantadas pela exposição até uma dimensão mais local, de Portugal e do contexto lusófono. The parallel program intends to bring the global issues raised by this exhibition to a local dimension of Portugal and its Lusophone context

2 Maio/2nd May – 19h/7pmArtist Talk com/with Phoebe Boswell

2 Junho/2nd June – 19h/7pmSeminário/Seminar PERSONAL GEOGRAPHIES, ART AND THE SELF, com/with Christabelle Peters, Giulia Lamoni e Carlos Garrido Castellano. Organizado por/Organized by Mónica de Miranda

3 Junho/3rd June – 18h/6pmVisita à exposição com Bruno Leitão Visit to the exhibition with Curator Bruno Leitão

Programa Mini-Hangar/Education programSábados/Saturdays“Histórias de Família” – workshops de desenho e fotografia para crianças com os artistas angolanos Hamilton Francisco Badu e Ingrid Fortez e com a artista moçambicana Eugénia Mussa. Organizado por Ana de Almeida.Family histories – drawing and photography workshops for kids with angolan artists Hamilton Francisco Badu and Ingrid Fortez, and Mozambique-Portuguese artist Eugénia Mussa. Organized by Ana de Almeida.

7 Maio/7th May – 15h–18h/3pm to 6pmHamilton Francisco Badu14 Maio/ 14th May – 15h–18h/3pm to 6pmIngrid Fortez 21 Maio/21th May – 15h–18h/3pm to 6pmEugénia Mussa

KIN é uma exposição que reúne 6 artistas contemporâneas internacionais: ruby onyinyechi amanze, Phoebe Boswell, Virginia Chihota, Mary Evans, Lebohang Kganye e Senzeni Mthwakazi Marasela. As obras apresentadas debruçam-se essencialmente sobre narrativas pessoais, tomando como ponto de partida uma noção geral de família – aquela em que nascemos, aquela que fazemos para nós – e a história de família, para articular noções de eu no âmbito de contextos interpessoais e enquadramentos históricos e sociais mais amplos. Pesquisando genealogias, desvelando narrativas familiares que atravessam gerações, considerando a herança partilhada com familiares ou a experiência do comum com os nossos pares, as obras em exibição sublinham o papel central que as nossas relações têm para a nossa própria educação. Ao falar em parentesco e na ligação aos outros, as artistas participantes questionam os amplos processos de relato e interpretação dos acontecimentos e negoceiam o intervalo entre o universo do pessoal, do íntimo, da experiência subjetiva, e as narrativas coletivas ou aparentemente oficiais. Nas ciências sociais, a perceção de que as vidas dos indivíduos comuns têm um valor significativo no entendimento dos processos históricos de mudança e das sociedades contemporâneas adquiriu importância recentemente. Artistas e investigadores têm dado uma importância central às narrativas pessoais por estas permitirem olhar os acontecimentos sob uma nova luz, de formas frequentemente ignoradas pelos enquadramentos tradicionais da análise histórica. As obras nesta exposição são de natureza profundamente pessoal e sugerem uma história diferente, sussurrando verdades íntimas para lá de generalizações e declarações arrebatadoras. Sem remorsos e com uma honestidade constrangedora, as artistas em KIN fazem uso do eu como o seu principal objeto de estudo, olhando em profundidade para as suas histórias e convidando o espetador a refletir sobre a sua própria história.

KIN is an exhibition which brings together six international contemporary artists: ruby onyinyechi amanze, Phoebe Boswell, Virginia Chihota, Mary Evans, Lebohang Kganye and Senzeni Mthwakazi Marasela. The works presented focus on personal narratives, while broadly considering the notion of family – those we are born into, those we make for ourselves – and the family story as a starting point to articulate notions of self within interpersonal contexts and broader historical and social frameworks. Delving into genealogies, uncovering family narratives across generations, considering shared heritage with relatives or a commonality of experience with peers, the works on display highlight the central role of the relationships we have in nurturing ourselves. In speaking of relatedness and connections to others, participating artists often question wider processes of interpreting and reporting on events and negotiate the gap between the realm of the personal, the intimate, subjective experience, and wider collective, or seemingly official narratives. Complex, personal and multilayered by nature, the works in this exhibition unveil a different story, whispering intimate truths in response to generalizations and sweeping statements.

Eva Langret

Caminante, son tus huellasel camino y nada más;caminante, no hay camino,se hace camino al andar.(Antonio Machado, 1909)

Já seis anos antes do poeta andaluz, o pensador e ativista norte-americano W.E.B. Dubois cunhava o conceito de “dupla consciência” para dar conta da condição dos americanos de ascendência africana. E antevia que ela seria o problema definidor do século XX. Foi e estendeu-se, alargando-se pelo nosso tempo. As obras das seis artistas desta exposição, conjugando memórias, histórias, fantasias, lugares, tempos, aqui estão agora, desta vez “múltiplas consciências”.

Six years before the Andalusian poet, W.E.B. Dubois, a thinker and American activist, coined the concept of “double consciousness” to account for the condition of African descent Americans. Dubois foresaw that it would be the defining problem of the twentieth century. It was indeed, and still remains just as prevalent now, extending through time to the present. The works of the six artists in this exhibition combine memories, stories, fantasies, places and times. They exist now, though this time in the form of “multiple consciousness”.

José António B. Fernandes DiasAfrica.Cont

HANGAR

Equipa/TeamDireção Artística/Artistic DirectorMónica de MirandaDireção de Curadoria/Curator DirectorBruno LeitãoProdução/Production ManagerAndreia PáscoaPrograma Educativo/Education Program Director Ana de AlmeidaEstagiários/InternsJoana Louro, Imogen Watson, Mavreta Vanderou, Tanja Jojic, Simona Ševčenkaitė, Mark Prelec

HANGAR tem o apoio financeiro de/Hangar is funded by:Ministério da Cultura - Direção-Geral das Artes, Programa BipZip Parcerias Locais, Direção Municipal de Cultura da Câmara Municipal de Lisboa, Fundação Calouste Gulbenkian, Triangle Network

Parceiros/PartnersCentro de Estudos Comparatistas da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, Gasworks (Londres), Beyond Entropy, Orfeu Negro

Agradecimentos/AcknowledgementsTiwany Contemporary AFRICA.CONT – José António B. Fernandes Dias, Paula Nascimento, João G. Rapazote

www.hangar.com.ptwww.africacont.org

Eva Langret é curadora em Londres. Cresceu em Paris e mudou-se para Londres em 2005. Trabalhou em: 198 Gallery, The Delfina Foundation, The Wapping Project (Bankside). Atualmente trabalha na Tiwani Contemporary, onde é Head of Exhibitions & Artist Liaison.

Eva Langret is a London-based curator. She grew up in Paris and moved to London in 2005. She has previously held positions at the 198 Gallery, The Delfina Foundation, The Wapping Project (Bankside) and currently at Tiwani Contemporary, where she is Head of Exhibitions & Artist Liaison.

Lebohang Kganye (n. 1990, Katlehong) vive e trabalha em Joanesburgo, África do Sul. Kganye deu início aos seus estudos de fotografia em 2009 no Market Photo Workshop, completou o Advanced Photography Programme em 2011 e atualmente estuda Belas Artes na University of Johannesburg. Nos últimos cinco anos tem participado em masterclasses de fotografia e em exposições coletivas, tanto localmente como internacionalmente. Kganye foi galardoada com o Tierney Fellowship Award em 2012, que ocasionou a sua exposição individual Ke Lefa Laka, na Market Photo Workshop Gallery. A artista criou uma animação a partir da série que foi lançada no Dia de Mandela em 2014, na Escócia. Kganye foi posteriormente selecionada para os prémios da 17th Business and Arts South Africa Awards em 2014.

Lebohang Kganye (b. 1990, Katlehong) is an artist living and working in Johannesburg, South Africa. Kganye began her photography studies in 2009 at the Market Photo Workshop and completed the Advanced Photography Programme in 2011 and is currently studying Fine Arts at the University of Johannesburg. Over the past five years she has participated in photography masterclasses and group exhibitions locally and internationally. Kganye was the recipient of the Tierney Fellowship Award in 2012, leading to her solo exhibition Ke Lefa Laka at the Market Photo Workshop Gallery. She created an animation from the series which was launched on Mandela Day 2014 in Scotland. Kganye was then selected as the Featured artist for the 17th Business and Arts South Africa Awards in 2014.

Nascida em 1963, Mary Evans mudou-se em criança da Nigéria para a Inglaterra. Evans estudou Belas Artes no Goldsmiths College e na Rijksakademie em Amsterdão. Participou em numerosas exposições no Reino Unido e internacionalmente, incluindo as exposições individuais Cut and Paste, Tiwani Contemporary, Londres (2012); Meditations, Baltimore Museum of Art, EUA (2008); Scope, Cafe Gallery Projects, Londres (2001); Filter, Leighton House Museum, Londres (1997); assim como as exposições coletivas Africa Utopia, South Bank Centre (2014); Where do I end and you begin, Edinburgh Art Festival (2014); Feast: Radical Hospitality in Contemporary Art, Blaffer Art Museum, Houston University, EUA (2013); Art Dubai Commission (2013), Farewell to Post-Colonialism, 3rd Guangzhou Triennale, Guangdong Museum of Art, China (2008); Port City, Arnolfini, Bristol (2007). Foi galardoarda com várias residências e prémios, incluindo: Arts and Literary Arts Residency, na Rockefeller Foundation Bellagio Center (2014) e The Smithsonian Artist Research Fellowship, National Museum of African Art, Washington DC, EUA (2010). Evans leciona como Associate Lecturer no Central Saint Martins College of Art and Design em Londres.

Born in 1963, Mary Evans moved from Nigeria to England at a young age. Evans studied Fine Art at Goldsmiths College and the Rijksakademie, Amsterdam. She has taken part in numerous exhibitions in the UK and internationally, including solo exhibitions Cut and Paste, Tiwani Contemporary, London (2012); Meditations, Baltimore Museum of Art, USA (2008); Scope, Cafe Gallery Projects, London (2001); Filter, Leighton House Museum, London (1997); as well as group exhibitions such as Africa Utopia, South Bank Centre (2014); Where do I end and you begin, Edinburgh Art Festival (2014); Feast: Radical Hospitality in Contemporary Art, Blaffer Art Museum, Houston University, USA (2013); Art Dubai Commission (2013), Farewell to Post-Colonialism, 3rd Guangzhou Triennale, Guangdong Museum of Art, China (2008); Port City, Arnolfini, Bristol (2007). She has been the recipient of several residencies and awards, including Arts and Literary Arts Residency at the Rockefeller Foundation Bellagio Center (2014) and The Smithsonian Artist Research Fellowship, National Museum of African Art, Washington DC, USA (2010). Evans teaches as an Associate Lecturer at Central Saint Martins College of Art and Design in London.

Phoebe Boswell (n. 1982, Kenya) vive e trabalha em Londres. Nascida em Nairobi, a sua mãe é da etnia Kikuyu e o seu pai é britânico queniano de quarta geração, cresceu no Médio Oriente antes de ir para Londres. A sua trajetória está sempre ancorada numa exploração pessoal daquilo que é o “lar”, combinando o desenho tradicional e a tecnologia digital para criar desenhos, animações e instalações por forma a comunicar narrativas globais e fragmentadas. Boswell estudou Pintura na Slade School of Art e Animação 2D na Central St Martins, Londres. Expôs na Carroll / Fletcher, Kristin Hjellegjerde, Royal Academy, Bonhams e Mall Galleries. Em 2012 foi nomeada para a Art Foundation’s Animation Fellowship e foi a primeira galardoada com a Sky Academy Arts Scholarship. Em 2015 foi Artista em Residência na Florence Trust e participou na Gothenburg International Biennial of Contemporary Art. Em 2016 irá participar na Biennial of Moving Images 2016 em Genebra, na 1:54 Art Fair NYC.

Phoebe Boswell (b. 1982, Kenya) currently lives and works in London. Born in Nairobi to a Kikuyu mother and fourth generation British Kenyan father, and brought up in the Middle East before coming to London, Boswell’s trajectory is always anchored to a personal exploration of “home”. She combines traditional draftsmanship and digital technology to create drawings, animations and installations which communicate global, fragmented narratives. Boswell studied Painting at the Slade School of Art and 2D Animation at Central St Martins, London, and has exhibited at Carroll / Fletcher, Kristin Hjellegjerde, the Royal Academy, Bonhams, and the Mall Galleries. In 2012, Boswell was nominated/shortlisted for the Art Foundation’s Animation Fellowship and was the first recipient of the Sky Academy Arts Scholarship. She was a Florence Trust Artist-in-Residence, and participated in the Gothenburg International Biennial of Contemporary Art, both in 2015. This year, she will participate in the Biennial of Moving Images 2016 in Geneva, in 1:54 Art Fair NYC.

ruby onyinyechi amanze é uma artista visual cuja prática artística centra-se essencialmente no desenho e obras em papel. Os seus desenhos exploram questões de hibridez, nomadismo e narrativas não lineares, através da criação de mundos surreais habitados por criaturas que, noutros contextos, pareceriam deslocadas. amanze nasceu na Nigéria em 1982. Passou treze anos no Reino Unido, antes de se mudar para os EUA. Em 2004, amanze obteve o seu B.F.A., Summa Cum Laude, na Tyler School of Art, Temple University, e em 2006 obteve o seu M.F.A. pela Cranbrook Academy of Art, Bloomfield Hills, Michigan. Após licenciar-se, amanze começou a lecionar na Drexel University, antes de se tornar Diretora de Educação no Museum of Contemporary African Diaspora, em Brooklyn. Em 2012, amanze ganhou o prestigiado Prémio Fulbright Scholars pelo seu trabalho de pesquisa e ensino de desenho contemporâneo na University of Nigeria, Nsukka. Tem contribuído com a sua perspetiva sobre desenho e arte contemporânea em África, em conversas na Yale University, Columbia University, BBC e no Centre for Contemporary Art, Lagos (CCA Lagos). Exposições recentes incluem A Constellation, The Studio Museum em Harlem, EUA (2015); The Ease of Fiction, CAM Raleigh, EUA (2016); Speaking Back, Goodman Gallery, Cidade do Cabo, África do Sul (2015) e Mutations, Tiwani Contemporary, Londres (2015).

ruby onyinyechi amanze is a visual artist whose practice is primarily centred around drawing and works on paper. Her drawings explore issues of cultural hybridity, nomadism and non-linear narrative, by creating a surreal world that otherwise displaced creatures inhabit. amanze was born in Nigeria in 1982. She immediately relocated to the UK, where she spent the next thirteen years, prior to moving to the USA. In 2004, amanze earned her BFA, Summa Cum Laude, from Tyler School of Art, Temple University and, in 2006, her MFA from Cranbrook Academy of Art, Bloomfield Hills, Michigan. Upon graduating, amanze began teaching at Drexel University, before becoming the Director of Education at the Museum of Contemporary African Diasporan Arts in Brooklyn, NY. In 2012, amanze received the prestigious Fulbright Scholars Award to research and teach contemporary drawing at the University of Nigeria, Nsukka. She has also contributed her voice to the conversation on both drawing and contemporary art from Africa, at Yale University, Columbia University, the BBC and the Centre for Contemporary Art, Lagos (CCA Lagos). Recent exhibitions include A Constellation, The Studio Museum in Harlem, USA (2015); The Ease of Fiction, CAM Raleigh, USA (2016), Speaking Back, Goodman Gallery, Cape Town, South Africa (2015) and Mutations, Tiwani Contemporary, London (2015).

Senzeni Mthwakazi MaraselaIntsomi zakwaXhosa - Fables and fairy tales of Xhosa peopleDocumentação vídeo da performance, no Johannesburg Pavilion durante a 56a Bienal de Veneza, 2015Créditos do vídeo/Realização: Roelof Petrus van Wyk, para o Pavilhão de Joanesburgo na 56ª Bienal de Veneza, 2015. Curador: Roelof Petrus van WykFotografia: Nico KrijnoVideo documentation of performance, staged by the Johannesburg Pavilion at the 56th Venice Biennale, 2015Video credits/Director: Roelof Petrus van Wyk, for the Johanesburg Pavilion at the 56th Venice Biennale, 2015. Curator: Roelof Petrus van WykPhoto: Nico Krijno

Notas sobre a obra: Em 2003, Senzeni Mthwakazi Marasela deu incío a um projeto intitulado “Theodorah comes to Johannesburg“. Este projeto múltiplo, que inclui performance, fotografia e serigrafia, tem origem na história do alter-ego de Marasela, um personagem fictício que dá pelo nome de Theodorah Hlongwane, em honra da mãe da artista. Inspirada pelo romance de Njabulo Ndebele “The Cry of Winnie Mandela” (2003), Marasela concebeu Theororah como uma mulher que toma conta do seu marido, Gebane. Através de Theodorah, Marasela explora a história universal das mulheres à espera, em particular as mulheres que esperam pelo regresso dos seus maridos. Em 2015, noutro episódio da sua história, Theodorah viajou até Veneza em busca de Gebane. Marasela, em personagem, como Theodorah, lê fábulas e contos de fadas escritos em Xhosa, um língua que ela não consegue exatamente ler ou compreender, numa praça pública em Veneza, durante a bienal, como parte de um programa de performances e eventos com curadoria do Pavilhão de Joanesburgo. O vídeo é a documentação da performance. No seu papel como Theodorah, Marasela usa um vestido Seshoeshoe, um peça de vestuário usada pelas mulheres casadas no Lesotho. Desde que o projeto começou em 2013, a artista usa vestidos Seshoeshoe diariamente. A artista usa também o Twitter @ArtistSenzeni para documentar a viagem para encontrar Gebane e durante a qual, se tudo correr bem, também encontrará Theodorah.

Notes about the work: In 2003, Senzeni Mthwakazi Marasela started a project titled ‘Theodorah comes to Johannesburg’. This manifold project, which includes performance, photography and printmaking, originates in the story of Marasela’s alter-ego, a fictional character named Theodorah Hlongwane, after the artist’s mother. Inspired by Njabulo Ndebele’s novel ‘The Cry of Winnie Mandela’ (2003), Marasela conceived Theodorah as a woman looking for her husband, Gebane. Through Theodorah, Marasela explores the universal story of women’s waiting, in particular women who have waited for their husbands to return. In 2015, in another episode of her story, Theodorah travelled to Venice in search of Gebane. Marasela, in character as Theodorah, read fables and fairy-tales written in Xhosa, a language that she can neither readily read nor understand, on a public square in Venice, during the biennale, as part of a programme of performances and events curated by the Johannesburg Pavilion. This video is documentation of the performance. In her role as Theodorah, Marasela wears a Seshoeshoe dress, a piece of clothing worn by married women in Lesotho. Since the project started in 2013, the artist has been wearing Seshoeshoe dresses daily. She also uses Twitter @ArtistSenzeni to document the journey towards finding Gebane and hopefully Theodorah in the process.

Virginia ChihotaBefore you take the key allow me to... (usati watora kiyi nditendere ndi...), 2013 Serigrafia sobre papel, 120 x 80 cm cadaScreen print on paper, 120 x 80 cm each

Notas sobre a obra:Ao longo dos últimos anos, Chihota tem vindo a examinar a sua vida, nomeadamente a sua recente experiência de casamento e de maternidade, e transformou os seus pensamentos num corpo de obras em papel de uma notável ressonância simbólica, repletas de alusões à vida quotidiana e simbolismo religioso e folclórico. Trabalhando em gravura e desenho, a artista observa a figura humana e representa-a com grande força expressiva. Esta série toma como ponto de partida as suas reflexões sobre o corpo e explora a relação entre o eu e o outro, o eu e o meio ambiente em relação à subjetividade feminina. Com Before you take the key allow me to... Chihota evoca a intimidade, a privacidade, o secretismo do lar e a ligação entre as esferas do público e do privado. As gravuras monocromáticas de Chichota geralmente retratam a figura humana, isolada ou presa dentro de membranas, semelhantes ao útero, de cores translúcidas e padrões manchados de tinta. As suas linhas fortes e o jogo com transparências sublinham o seu excecional talento para as técnicas de impressão e transmitem a sua autoridade, tanto quanto a vulnerabilidade e ansiedade dos seus sujeitos. O seu trabalho surge a partir de uma resposta pessoal às relações e representa um mundo de desejos ilimitados no qual o sujeito encontra sempre limitações. Deixa a nu experiências pessoais extraídas da vida da artista como mulher, como mãe e como esposa, à medida que ela sobe aos píncaros da beleza, investiga visões de terror e compartilha conosco epifanias de amor e solidão.

Notes about the work: Over the past years, Chihota has examined her life, recently her experience of marriage and motherhood, and has transformed her thoughts into a body of works on paper of striking symbolic resonance, rife with allusions to everyday life, and religious and folkloric symbolism. Working across printmaking and drawing, she observes the human figure and depicts it with expressive force. This series takes her meditations on the body as a departure point, and explores the connection between self and other, and self and environment in relation to female subjectivity. With Before you take the key allow me to... Chihota evokes intimacy, privacy and secrecy at home and the boundary between private and public spheres. Chihota’s monoprints often depict the human form, isolated or trapped within womb-like membranes of translucent colours and inky patterns. Her bold line and play with transparency highlight her exceptional skills as a printmaker, and convey her authority as much as her subjects’ vulnerability and anxiety. The work comes out of a personal response to relationships and represents a world of boundless desires in which the subject always encounters limitations. It lays bare personal experiences drawn from the artist’s life as a woman, a mother and a wife, as she rises to heights of beauty and delves into visions of horror and shares with us epiphanies of love and solitude.

Mary EvansThe Bronze Collection, 2014Técnica mista sobre papel, 30 x 40 cmTécnica mista sobre papel, 30 x 40 cm

Notas sobre a obra:A interrelação entre memória e história é central na prática de Evans. Os seus padrões, signos, símbolos e pictogramas são tirados da cultura popular e articulam o foco da sua pesquisa, centrada nos enquadramentos sociais, políticos e históricos da diáspora e da migração. The Bronze Collection é uma série de recortes em papel que representam retratos em silhueta das irmãs de Evans, tomando a tradição clássica do retrato como forma de questionar ideias em torno da representação, da mudança cultural e da globalização. A obra evoca a tradição dual e partilhada de Evans e das suas irmãs, e cita a tradição europeia dos séculos XVIII e XIX dos retratos em silhueta, assim como os bustos comemorativos em bronze do Benin medieval. Em The Bronze Collection, Evans sublinha a interseção entre “belas artes”, “artesanato”, “decoração” e “ornamento”.

Notes about the work: The interplay between memory and history is central to Evans’ practice. Her pattern, signs, symbols and pictograms are borrowed from popular culture and articulate her research focus, which is centered on the social, political and historical frameworks of diaspora and migration. The Bronze Collection is a series of cut paper silhouette portraits of Evans’ sisters, building on the classical tradition of portraiture to question ideas around representation, cultural change and globalisation. The work evokes Evans and her sisters’ shared, dual heritage, and refers to the 18th and 19th century European tradition of silhouette portraits, as well as commemorative bronze brass heads from medieval Benin. In The Bronze Collection, Evans highlights the intersection between “fine art”, “craft”, “decoration” and “ornament”.

Phoebe BoswellDadangu, 2016Instalação vídeoVideo installation

Notas sobre a obra:Dadangu (2016) explora a intimidade na relação entre irmãs e a história partilhada. A instalação, cujo título significa “minha irmã” em Swahili, mostra a artista, que vive em Londres, e a sua irmã, no Dubai, a examinar uma coleção de valiosas fotografias de família, usando-as como gatilhos para construir a narrativa das suas vidas partilhadas. Ecoando a natureza migratória da sua história de família, o processo de criação da obra envolveu o envio e reenvio das fotografias entre as duas irmãs. Elas contam as suas histórias separadamente e a instalação da peça vem reunir as suas vozes. Com a sobreposição das versões das duas irmãs, daquilo que deveria ser a mesma história, Dadangu explora a harmonia mas também a inevitável dissonância que ocorre quando tentamos rememorar algo.

Notes about the work: Dadangu (2016) is an intimate exploration of sisterhood and shared history. The installation, named after the Swahili for ‘my sister’, shows the artist (based in London) and her sister (based in Dubai) mining a collection of treasured family photographs, using these as triggers to explore the narratives of their shared lives. Echoing the migratory nature of their family story, the process of creating the work involved the physical photographs traveling between the two sisters. They told their stories separately, and their voices are brought together in the installation. In overlapping the two sisters’ versions of what should be the same stories, Dadangu explores the harmony but also the inevitable disconnect and dissonance of personal memory.

ruby onyinyechi amanzeAstroturf rooftop picnics (Lagos), ghana must go (bags) somewhere, anywhere- overweight luggage unpacked at airport counters, isn’t a chandelier like a plant? a delicate semblance of permanence. neon hearts. we all have them, 2015Tinta, acrílico fluorescente, grafite, lápis de cor, transfers de fotografias, pigmento metálico e glitter sobre papel, 182.88 x 303.53 cmInk, fluorescent acrylic, graphite, coloured pencils, photo transfers, metallic pigment and glitter on paper, 182.88 x 303.53 cm

Avoid the red ants as you climb (Twin) while ada and audre soar, 2015 Grafite, transfers de fotografias, acrílico fluorescente, tinta e lápis de cor sobre papel, 182.88 x 316.84 cmGraphite, photo transfers, fluorescent acrylic, ink and coloured pencils on paper, 182.88 x 316.84 cm

Notas sobre a obra:Num espaço outrora em conflito, onde não existe aqui ou ali, ada – a Extraterrestre – e a sua corte de criaturas familiares (incluindo audre – o Leopardo –, Pidgin, Twin, Oyibo – o Tritão –, ofunne e os Fantasmas) florescem agora no seu universo quimérico autoconstruído. Estes desenhos são parte de uma narrativa não linear, em produção, chamada extraterrestres, híbridos e fantasmas, que narra os hábitos maldosos e as brincadeiras de ada e da sua família. Existindo algures entre uma realidade construída, fantasia, memória e imaginação, esta família de criaturas e as suas aventuras refletem os vários níveis de experiências das pessoas que vivem entre mundos e cuja identidade fluída não está enraizada numa geografia única ou numa noção “fixa” de lar. Neste espaço, as criaturas encontram autenticidade, completude e liberdade na sua capacidade de pertencerem, simultaneamente, a toda a parte e a parte alguma. Neste mundo, as criaturas jogam.

Notes about the work:In a once conflicted space of neither here nor there, ada the Alien and her cohort of kindred creatures [including audre the Leopard, Pidgin, Twin, Oyibo the Merman, ofunne & the Ghosts...] now flourish in their self-constructed, chimeric universe. The drawings are part of an ongoing, non-linear narrative called aliens, hybrids and ghosts which chronicles the mischievous routines and playful activities of ada and her family. Existing somewhere between constructed reality, fantasy, memory and imagination, this family of creatures and their adventures reflect the layered experiences of people who live in-between worlds and whose fluid identity is not grounded in a singular geography or a “fixed” notion of home. In this space the creatures find authenticity, wholeness and freedom in their ability to simultaneously belong nowhere and everywhere. In this world, they play.

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Lebohang KganyeThe Pied Piper, from the series Ke Lefa Laka, 2013 Impressão jato de tinta sobre papel de algodão, 64 x 90 cm; Edição de 5 + 1AP Inkjet print on cotton rag paper, 64 x 90 cm; Edition of 5 + 1AP

The Alarm, from the series Ke Lefa Laka, 2013 Impressão jato de tinta sobre papel de algodão, 64 x 90 cm; Edição de 5 + 1AP Inkjet print on cotton rag paper, 64 x 90 cm; Edition of 5 + 1AP

The Suit, from the series Ke Lefa Laka, 2013 Impressão jato de tinta sobre papel de algodão, 90 x 64 cm; Edição de 5 + 1AP Inkjet print on cotton rag paper, 90 x 64 cm; Edition of 5 + 1AP

Notas sobre a obra: Apesar de ser principalmente fotógrafa, a fotografia de Kganye incorpora com frequência o seu interesse pela escultura e performance do arquivo e memória. Kganye confronta as suas fotografias colecionadas e alteradas, fotografias da artista e da sua família, como material tanto para a memória como para a fantasia. A artista explora a história ficcional através do uso de arquivos para fundir personagens ilusórias com personagens “reais”, criando um novo universo. Em Ke Lefa Laka (2013), Kganye encena episódios da história do seu avô e constrói uma narrativa visual na qual os dois se encontram, através do uso de manequins recortados, em tamanho real, representando as diversas personagens que se relacionam com a artista em várias histórias de família. Tomando as fotografias de família como ponto de partida, a série propõe uma história ficcional, baseada no arquivo pessoal e misturando personagens ilusórias e personagens “reais” num universo imaginário. Nestas narrativas fictícias, a artista é a única personagem “real” que, por sua vez, adota a persona do seu avô, vestida com um fato completo (a indumentária com que tipicamente aparecia vestido nas fotografias de família) e calçando o seus sapatos (ambos, vários números acima do da artista). Enquanto o projeto documenta a história pessoal da artista e atravessa gerações da família da sua mãe, ecoa simultaneamente a história da África do Sul, uma vez que a família de Kganye foi desenraizada e realojada devido às leis do apartheid.

Notes about work: Although primarily a photographer, Kganye’s photography often incorporates her interest in sculpture and performance of the archive and memory. She confronts her collected and altered photographs; the artist’s and her family’s, as material for both memory and fantasy. She explores fictional history by using archives to merge illusive characters with “real” characters in a new universe. In Ke Lefa Laka (2013), Kganye enacts episodes of her grandfather’s story and constructs a visual narrative in wich they meet, through the use of life-size flat-mannequins of the characters relating to her in various family stories. Using family photographs as starting point, the series proposes a fictional history, based on the personal archive and merging illusive characters with “real” characters in an imaginary universe. In these fictive narratives, the artist is the only “real” person taking on the persona of her grandfather, dressed in a suit (a typical garment that he often appeared wearing in the family photographs) and “walking in shoes” (both over-sized). While the project documents the artist’s personal history and straddles generations of her mother’s family, it resonates with the history of South Africa, as Kganye’s family was uprooted and resettled as a result of apartheid laws and the amendment of land acts.

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