“Percurso

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Tarsila” traz

pela primeira

vez as obras

da artista

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Tarsila do Amaral

EM REVISTAMUSEU OSCAR NIEMEYERwww.museuoscarniemeyer.org.br Ano 3 - Nº. 8 - Agosto de 2008

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Ano 2 - Nº . 8 - Agosto de 2008

“Affective Journey -- Tarsila” brings for the first time the works of the artist to south of Brazil

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MUSEU OSCAR NIEMEYER EM REVISTAPresidente:Maristela Requião

Diretoria Administrativo-Financeira:Vera Regina Maciel Coimbra

Assessoria Jurídica:Isabel Cristina Storrer Weber

Assessoria Cultural:Ariadne G. Mattei ManziBruno Schmidt

Marcelo KawaseRebeca PinheiroSandra Mara Fogagnoli

Acervo e Conservação:Suely Deschermayer

Coordenação de Monitoria:Rose Franceshi

Sirlei EspindolaSolange Rosenmann

Assessoria de Imprensa:Maria Tereza Boccardi

REDAÇÃOEditora-Chefe:Melissa Castellano

Reportagem:Flora Guedes e Marli Vieira

Projeto Gráfico e Diagramação:Celso Arimatéia

Tradução para o Inglês:Humberto Ferro Neto

Fotografia:Acervo do Museu Oscar Niemeyer,

Divulgação e José Gomercindo

Produção e Edição:

Projeto Comunicação -- (41) 3022-3687www.projetocomunicacao.com

Os textos assinados são deresponsabilidade dos autores e não refletem,necessariamente, a opinião do Museu Oscar Niemeyer.

É proibida a reprodução total ou parcial de textos,fotos e ilustrações, por qualquer meio,sem prévia autorização.

Para sugestões e críticas, escreva para nós:redacao@projetocomunicacao.com

Tiragem: 20.000 exemplaresImpresso em papel couché fosco LD 150 g, com

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www.museuoscarniemeyer.org.br

Imagem da capa:

Tarsila do Amaral,

“Antropofagia”, 1929,

acervo da Fundação

José e Paulina Nemirovsky

Museu Oscar Niemeyer

Rua Marechal Hermes, 999

Centro Cívico - Curitiba (PR) - CEP 80530-230

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Aqui nós celebramos a arte, a criatividade, o talento. A temporada no Museu Oscar Niemeyer contempla mostras dealguns dos mais importantes artistas, nacionais e internacionais, possibilitando um verdadeiro mergulho no que há de maisexpressivo no mundo em matéria de arte.

O percurso afetivo impregnado na obra de Tarsila do Amaral, um de nossos maiores mitos femininos das artes plásticas,traz ao Paraná a célebre tela “Antropofagia”, de 1929, e também “Procissão”, com sete metros de comprimento, só exibidano 4º Centenário de São Paulo, em 1954. No Brasil, esta é a primeira individual de Tarsila mostrada fora de São Paulo.

As 200 fotografias, em branco e preto, do genial German Lorca, nos fazem caminhar por um repertório inconfundívelentre contornos de luz, sombra e poesia, no cotidiano das ruas paulistas, onde a chuva é uma constante.

Do Museu de Arte Contemporânea de Caracas trouxemos expressiva coleção de preciosos trabalhos de Francis Bacon(1909-1992), Lucien Freud (1922), felizmente, vivo e produzindo, neto do famoso Sigmund Freud e Henry Moore (1898-1986). Os trabalhos em exibição, criados entre 1970 e 1990, pelos relevantes artistas do século 20.

Da Fundação Anni e Josef Albers, nos Estados Unidos, a produção do escritor, pintor e teórico da cor, Josef Albers,e da criativa desenhista, escritora e printmaker, Anni Albers, nos mostram suas 14 viagens pela América Latina, entre 1934e 1967. E a apropriação do design e da arquitetura de culturas hispânicas, na singular obrado casal alemão, expoentes da Bauhaus, apaixonados pela América Latina e pioneiros domodernismo no século 20.

A mostra “A Arte do Japão, do Moderno ao Contemporâneo” nos revela diferentes etapasna história da arte moderna e contemporânea japonesa, com obras cedidas por vários museus,principalmente os da Província de Hyogo. A exposição vem pela primeira vez ao Brasil,mostrada exclusivamente no MON, e comemora os 100 anos da imigração japonesa.

Paralelamente, outra vitória. Três artistasparanaenses, José Antonio de Lima, Mazé Mendese Francisco Faria terão suas criações artísticas apreciadas no Japão, no Museu de Arte daprefeitura de Hyogo, em novembro/2008. A Província de Hyogo quis ter a primazia, por serestado irmão do Paraná. É a nossa arte paranaense ultrapassando fronteiras.

Diante de tal panorama artístico, que descortina tão notáveis e expressivas oportunidadesde convívio com o melhor da arte, o convite para uma visita, ou várias visitas ao Museu OscarNiemeyer nos parece irrecusável.

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CelebrationHere we celebrate art, creativeness, talent. The Oscar Niemeyer Museum season favors on the exhibitions of some of the most important

national and international artists, allowing a true dive into what is most expressive in the world, concerning art.The affective journey saturated on Tarsila do Amaral’s work, one of our most distinctive feminine myths in plastic arts, brings to Paraná the

famous canvas “Antropofagia” (Anthropophagy) from 1929 and also “Procissăo” (Procession), seven meters wide, only exhibited in the 4thCentenary of Săo Paulo, in 1954. In Brazil, this is the first individual of Tarsila to be shown out of Săo Paulo.

The 200 photographs, in black and white, from the outstanding German Lorca, make us walk through a unmistakable repertory of light,shadow and poetry outlines, in the “paulistas” streets’ everyday, where rain is unceasing.

From Caracas Contemporary Art Museum, we brought a collection of precious works of Francis Bacon (1909 - 1922), Lucien Freud (1922),fortunately alive and working, grandson of the great Sigmund Freud and Henry Moore (1898 - 1986). The works in exhibition, created between1970 and 1990, by the expressive artists of the 20th century.

From the Anni and Josef Albers Foundation, in the United States, the production of the writer, painter and color theorist, Josef Albers andfrom the creative draftsman, designer, writer and printmaker, Anni Albers, shows us their 14 travels across Latin America, between 1934 and1967; and the Hispanic culture architecture and design appropriation, in the German couple’s singular work, Bauhaus’ exponents, Latin Americaenthusiasts and 20th century modernism pioneers.

The exhibition “Art from Japan, from Modern to Contemporary”, reveals us different stages in the Japanese contemporary and modern arthistory, with works lent by many museums, mainly those from Hyogo’s county. The exhibition, which comes for the first time to Brazil, is showedexclusively at MON and honors the 100 years of Japanese Immigration.

At the same time, another victory. Three ‘Paranaenses’ artists, José Antonio de Lima, Mazé Mendes and Francisco Faria, will have theirartistic creations appreciated in Japan, at the Hyogo’s City Hall Art Museum, in November 2008. The Hyogo’s county wanted to have thepriority due to its brotherhood with Paraná State. It’s our “Paranaense” art overcoming boundaries.

Facing this wide artistic landscape, which uncovers so noteworthy and expressive opportunities to coexist with the best of art, theinvitation for a visit or many visits to Oscar Niemeyer Museum sounds us undeclinable.

Maristela Requiăo

Maristela Requião

Celebração

José Gomercindo

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Tarsila do Amaral

“Percurso afetivo – Tarsila” traz pela

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as obras da artista brasileira ao Sul

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Fotografia

“Fotografia como memória” apresenta seis décadas do

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Figuras e estampas

Mostra reúne gravuras de Bacon, Moore e Freud, três

dos artistas mais relevantes do século

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100 anos de imigração japonesa

“Arte do Japão: do Moderno ao Contemporâneo”

presta homenagem aos 100 anos da imigração japonesa

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Sol nascente

Artistas do Paraná expõem no Museu de Hyogo, no Japão. M

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Viagens pela América Latina

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Cultura. Exposição discute a conexão da obra dos expoentes

da Bauhaus, Josef e Anni

Albers, com a cultura latino-americana pré-colombiana

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Enfim,Tarsila

“Percurso afetivo – Tarsila” traz pela primeira vez

as obras da artista brasileira ao Sul do Brasil

Tarsila do Amaral é uma artista respeitada e veneradano Brasil e no exterior. É uma tarefa árdua expressar aimportância da sua produção artística, sem cometer umainjustiça, sem esquecer-se de abordar algum aspecto do seutrabalho. Faltam predicativos para defini-la. Sobram-lhe virtu-des. Emblemática, requintada, feminina, espontânea. Hipnóti-ca, sintética, encantadora. Criativa, transformadora, vanguar-dista. Inigualável.

Pela primeira vez, as telas e gravuras de Tarsilachegam ao Sul do país. Raríssima oportunidade quepode ser conferida na mostra individual “Percurso afetivo– Tarsila”, em cartaz até o começo de outubro. Deconceito biográfico-documental, a exposição tem como fiocondutor um único documento, o seu “Diário de Via-gens”, da década de 1920, onde a artista registroudesenhos e impressões de excursões que fez pelo Brasile pelo mundo. A partir do diário, o curador AntonioCarlos Abdalla selecionou as mais de 50 obras reunidas

na mostra, que revelam um recorte onírico “presentedesde sempre na produção e vida de Tarsila”, quenasceu em 1886, no interior de São Paulo, e faleceu noano de 1973, em São Paulo (SP).

“Esta mostra é mais emocional, como uma sucessãode ‘flashes’. Com obras, documentos e objetos que foramcaros à artista, quase uma ‘intromissão’ nos aspectos maispessoais da vida de Tarsila. Fiquei muito ligado aos aspec-tos familiares também, com preciosas informações dadaspela Tarsilinha do Amaral, sobrinha-neta da artista, sem asquais teria sido impossível chegar ao “Diário de Viagens”,no qual toda a exposição foi inspirada”, explica ele, quealém do acervo da família, recorreu a pinturas e desenhosvindos de coleções como o da Fundação Nemirovsky, deRodrigo Jacques Perroy, de Roberto Marinho, de PauloKuczynski, da Pinacoteca de São Paulo e dos museus deArte Contemporânea e de Arte Moderna de São Paulo.

“O diário original está em exposição, bem como um

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“Auto-retrato”

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bom número de ampliações de algumas das páginas, que integram a expografia”,informa o curador que garimpou vários documentos e objetos como, cartas, fotografiase trechos do próprio “Diário de Viagens”.

Carlos Abdalla destaca uma pulseira do grande estilista francês Poiret, doperíodo do Art-Déco, dos anos 1920. “Tarsila era da mais alta burguesia brasileirae chamava a atenção por sua elegância e originalidade ao andar pelas ruas deParis. Há relatos de franceses sobre isso. Vem daí a famosa chamada de Oswaldde Andrade, seu marido na época, para a ‘caipirinha vestida por Poiret’. Édelicioso isso. É um sinal de contradição para essa mulher que sofreu asinfluências de toda a intelectualidade ligada ao ‘Partidão’ da época, e que tinhapreocupação com aspectos sociais, depois muito bem representados em sua obra.É o paradoxo do nosso Brasil”, analisa Abdalla.

“Percurso Afetivo – Tarsila” traz como obra mais representativa “Antropofagia”, de1929. “Um dos motivos que convenceram a Fundação Nemirovski a emprestar a obrafoi exatamente o ineditismo de se trazer Tarsila para o Paraná. Uma exposição desseverdadeiro ícone brasileiro é sempre rara, dada a dificuldade que se tem emconseguir obras de relevância, bem como a quantidade de solicitações de emprés-timos, para o Brasil e para o exterior”, contextualiza.

Entre os vários caminhos possíveis para o percurso curatorial, Antonio CarlosAbdalla evitou a divisão mais conhecida, que marca o trabalho de Tarsila do Amaralem três fases distintas: o Período Pau-Brasil, o Período Antropofágico e a FaseSocial. ”Esta exposição é de caráter antológico, com recorte selecionado, quaseintimista. É a ampliação de uma mostra, que teve minha curadoria, conjuntamentecom a Tarsilinha do Amaral, apresentada em 2006, no Espaço Cultural da BM&F,em São Paulo (SP), quando se comemoraram os 120 anos de nascimento daartista”, revela ele, esclarecendo que “Percurso Afetivo” não é a mesma exposiçãoapresentada na Pinacoteca de São Paulo e no MALBA de Buenos Aires, recentemen-te, intitulada de “Tarsila Viajante”, uma excelente mostra retrospectiva com curadoriade Regina Teixeira de Barros.

Obras“Antropofagia” é o maior destaque da mostra por ter sido o “carro-chefe” do

Período Antropofágico e resultado do Manifesto Antropófago, um dos documentos maisoriginais, importantes e extravagantes da arte brasileira. Mas a exposição guardaoutros destaques e surpresas para o público. “O “Manifesto” e “Antropofagia” são umverdadeiro monumento à cultura nacional e resultado de toda a agitação doMovimento Modernista e da Semana de 1922, que aconteceu no Teatro Municipal de

“Antropofagia”, 1929, óleo sobre tela, 126 cm x 142 cm,

acervo Fundação José e Paulina Nemirovsky

“Anthopophagy”, 1929, oil on canvas, 126 cm x 142 cm,

collection of Fundação José e Paulina Nemirovsky

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8Detalhes do “Diário de Viagens” de Tarsila do Amaral

Details of Tarsila’s “Travel Diary”

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“Manacá”

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São Paulo, e pôs as coisas no Brasil de pernas para osares. É um momento mágico. Provocador e divertido aomesmo tempo”, situa Antonio Carlos Abdalla, lembrando queTarsila é uma figura emblemática para a compreensão doModernismo no Brasil e que integrou o chamado “Grupo dos5”, ao lado de Mário de Andrade, Oswald de Andrade, AnitaMalfatti e Menotti del Picchia.

A obra “Procissão”, com sete metros de comprimento epertencente ao acervo da Pinacoteca Municipal, foi realizadapor ocasião das comemorações do IV Centenário de SãoPaulo, em 1954. O curador acredita que devido às grandesdimensões e problemas de conservação, a obra não foimostrada em nenhuma outra exposição da artista em maisde 60 anos. Infelizmente, duas obras fundamentais nãoparticipam do “Percurso Afetivo”. O “Abaporu”, que completa80 anos em 2008, e que está no acervo do MALBA, deBuenos Aires, não foi emprestado, porque saiu para compora mostra “Tarsila Viajante”. Já a primeira versão finalizada de“A Negra”, integrante do acervo do Museu de Arte Contem-porânea de São Paulo, está em período de ‘quarentena’ porquestões de conservação, também depois de participar de“Tarsila Viajante”.

“Em compensação, temos “A Negra” (2ª versão, incon-clusa) que reserva uma ‘surpresa’ no final do roteiro damostra”, pondera ele, acrescentando à lista das obras dedestaque as versões do “Abaporu” e “Antropofagia” emgravuras de metal. “Evidentemente, os originais são muitomais importantes, até porque Tarsila não era uma artista dagravura. Esse não era o ‘seu meio’. Sou admirador, há anos,da arte da gravura, e o Brasil tem uma das melhoresescolas de gravura do mundo. Tarsila experimentou poucasvezes essa técnica, mas vale apresentar essas versõesexatamente porque ajudam a vislumbrar esse envolvimentoemocional da artista com suas obras mais representativas,esse ‘retornar’ e ‘reinterpretar’ de sua criação”, aprofundaAbdalla.

No segmento biográfico da mostra estão dispostos os

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“O touro”, 1925, óleo sobre tela,

50 cm x 65 cm, coleção Roberto Marinho

“The bull”, 1925, oil on canvas,

50 cm x 65 cm, Roberto Marinho’s collection

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retratos feitos por ela da neta Beatriz, do irmão Milton, e doscompanheiros e amigos Mário de Andrade, Blaise Cendrars, LuísMartins e Lasar Segall. “De forma geral, há um destaque para aspessoas próximas de Tarsila e importantes para ela, seu período deformação artística e intelectual, as influências que sofreu, sua religio-sidade, a fuga para a natureza, sua preocupação social e suafase onde o onírico estava mais presente”, detalha o curador,lembrando que apesar de priorizar um enfoque intimista na mostra,não deixou de lado a unidade temática e cronológica das obras.

“Fiz questão de dar um viés mais contemporâneo, deixando claraa questão da ‘obra aberta’, possível em qualquer exposição de umartista de valor real. Significa apenas a idéia de uma continuidade notempo e nas interpretações viáveis ao longo dos mais variados

aspectos e enfoques que se pode dar a um artista como Tarsila.Sua obra não é datada, é atemporal, veio para ficar. E, com opassar dos anos, será mais bem estudada e interpretada, einfluenciará novas gerações de artistas e admiradores”, observaAbdalla, que planejou um proposital e aparente caos na mostra paracolocar o visitante mais próximo da vida da artista, livre declassificações mais rígidas.

“Tarsila é um ícone para o Brasil. Sua importância vai além desua obra. Ao lermos sobre sua produção artística, seu caráter, suagenerosidade, temos a sensação de estarmos diante de alguém muitopróximo. Tarsila, tomo a liberdade de dizer, é uma criatura e criadoramuito admirada, muito querida. Tupi, or not Tupi”, conclui AntonioCarlos Abdalla.

capa

“Crianças (Orfanato)”, óleo sobre tela, 97,5 cm x 140 cm, coleção Simão Medel Guss

“Children (Orphanage)”, oil on canvas, 97,5 cm x 140 cm, collection of Simão Medel Guss

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Tarsila, at last“Affective journey – Tarsila” brings for the first time the works of the Brazilian tothe south of Brazil

Tarsila do Amaral is a respected and worshiped artist in Brazil and overseas. Itbecomes even a hard task to express the importance of her artistic production,without commiting an injustice, without forgetting to talk about some aspect ofher work. There are no adjectives enough o define her. She is fully virtuous.Emblematic, exquisite, feminine, spontaneous. Hypnotic, synthetic, charming.Creative, transforming, vanguardist. Incomparable.

For the firs time, Tarsila’s canvas and engravings arrive to south of the country.Extremely rare opportunity, that can be checked in the individual exhibition:“Affective journey – Tarsila”, which can be seen up to the beginning of October. Ofa biographic-documental concept, the exhibition has as a leading string, a singledocument, her “Travel Diary” from the 1920 decade, where the artist registereddrawings and impressions of the excursions she made across Brazil and around theworld. From this diary, the curator Antonio Carlos Abdalla, has selected more than50 works gathered in the exhibition, that shows an oneiric extract “present sinceever in the life and production of Tarsila”, who passed away in the year 1973, inSăo Paulo (SP).

This exhibition is more emotional, like a succession of flashes. With works,documents and objects that were precious to the artist, almost an ‘intrusion’ in themost private aspects of Tarsila’s life. “I got very attached to the familiar aspectstoo, like priceless information given by Tarsilinha do Amaral, the artist’s

grandnephew, without whom it would be impossible to achieve the “TravelDiary”, in which the whole exhibitions was inspired”, explains the curatorthat, besides the family collection, has appealed to paintings and drawingsfrom other collections like Nemirovsky Foundation, from Rodrigo JacquesPerroy, from Roberto Marinho, From Paulo Kuczynski, from the Săo Paulo’sPicture Gallery and from the Contemporary Art Museum of Săo Paulo andModern Art Museum of Săo Paulo.

“The original diary is exposed, as well as a good number ofmagnifications of some pages, that integrate the expography”, explainsthe curator who prospected many documents and Tarsila do Amaral’sobjects to expose them, like letters, photographs and extracts from herown “Travel Diary”.

The curator points out a bracelet from the great French stylist Poiret,from the Art-Déco period, in the 1920 decade. “Tarsila was originally fromthe highest Brazilian bourgeoisie and she called attention due to herelegance and originality when she walked around by the streets of Paris.From there it comes the famous call of Oswald de Andrade, her husband atthe time, to the ‘caipirinha’ dressed by Poiret”. That’s delicious. It is a signof the contradiction of this woman who had a preoccupation with socialaspects, pretty well represented in her work. Is the paradox or our Brazil”,analyzes Abdalla.

“Affective journey – Tarsila” brings as the most representative work“Antropofagia” (Anthropophagy), from 1929. “One of the reasons thatconvinced the Nemirovski Foundation to borrow this exemplar, was preciselythe unpublished characteristic, the ineditism of bringing Tarsila to Paraná.

“O Mamoeiro”, 1925, óleo sobre tela, 65 cm x 70 cm, acervo IEB-USP

“O Mamoeiro”, 1925, óleo sobre tela, 65 cm x 70 cm, acervo IEB-USP

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“Chapéu Azul”, 1922, óleo sobre tela, 65 cm x 50 cm, coleção Simão Medel Guss

“Blue hat”, , 1922, oil on canvas, 65 cm x 50 cm, collection of Simão Medel Guss

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“Retrato de Luís Martins I”, 1940, óleo sobre tela, 80 cm x 60 cm, acervo Banco Itaú

“Portrait of Luís Martins I”, 1940, oil on canvas, 80 cm x 60 cm, collection of Banco Itaú

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An exhibition of this true Brazilian icon, is always rare, due to the difficulty to haverelevant works, as well as the number of borrowing requests, inside and outsideBrazil”, says.

Among many possibilities for the curatorial process, Antonio Carlos Abdalla, hasavoid the most known division, that marks Tarsila’s work in three distinctive phases:the Pau-Brasil Period, the Anthropophagic Period and the Social Period. “Thisexhibition is of and anthological feature with selected clipping, almost intimist, as wellas the magnification of an exhibition, under my supervision, along with Tarsilinha doAmaral, presented in 2006, in the BM&F Cultural Space, in Săo Paulo (SP), when the120 year of the artist’s birth were celebrated”, reveals, explaining that “Affectivejourney” is not the same exhibition presented at the Săo Paulo’s Picture Gallery andat Buenos Aires MALBA, recently entitled “Traveling Tarsila”, an excellentretrospective exhibition with the guardianship of Regina Teixeira de Barros.

WorksAccording the curator, “Anthropophagy” is the highest point of the exhibition

because it is the ‘locomotive’ of the Anthropophagic Period and theAnthropophagic Manifest result, one of the Brazilian Art’s most original, importantand extravagant documents. But the exposition saves other highlights and surprisesto the public. “The Manifest” and “Anthropophagy” are a real monument to thenational culture and result of all the agitation caused by the Modernist Movementand the ‘Week of 1922’, which took place at the Municipal Theatre of Săo Paulo,and turn things upside down in Brazil. It’s a magic moment. Provocative and funnyat the same time”, points out Antonio Carlos Abdalla, reminding that Tarsila is an

emblematic figure to the comprehension of the Brazil’s Modernism and who tookpart in the also called “Group of 5”, along with Mario de Andrade, Oswald deAndrade, Anita Malfatti e Menotti del Picchia.

The work “Procissăo” (Procession), measuring seven meters of length, andproperty of the Municipal Picture Gallery collection, was painted in celebration ofthe IV Centenary of Săo Paulo, in 1954. the curator believes that due to the greatdimensions and conservation problems, the masterpiece wasn’t showed in any otherexhibition of the artist in more than 60 years. Unfortunately, two essential workshaven’t participated of the “Affective journey”: the “Abaporu” – which willbecome 80 years in 2008 – is in MALBA’s collection, from Buenos Aires, and itwasn’t borrowed, because it is out, in the “Traveling Tarsila” exhibition. The first,finished version of the “A Negra” (The Black Woman), part of the Contemporary ArtMuseum of Săo Paulo collection is in ‘quarantine’, for conservation reasons, afterparticipating of “Traveling Tarsila” too.

“In compensation, we have “A Negra” (The Black Woman, second version notfinished) that hides a surprise at the end of the exhibition’s itinerary”, heconsidered, adding to the list of highlighted works the versions of the “Abaporu”and “Anthropophagy” in metal prints (engravings). Obviously, the originals are muchmore important, even because Tarsila wasn’t an engraver artist. This wasn’t “herfield”. I’ve been an admirer, for years, of the engraving art and Brazil has one ofthe best schools of engraving in the world. Tarsila tried a few times this technique,but is important to present these versions exactly because they help to catch sightof this emotional implication of the artist with her most representative works, this“returning” and “reinterpreting” of her creation”, deepens Abdalla.

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“Procissão”, 1954, óleo sobre compensado, 252 cm x 704,5 cm, Pinacoteca Municipal, Centro Cultural São Paulo

“Procession”, 1954, oil on masonite, 252 cm x 704,5 cm, Pinacoteca Municipal, Centro Cultural São Paulo

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S E R V I Ç O

O quê: “Percurso afetivo -- Tarsila”

Local: Sala Rembrandt

Quando: Até 5 de outubro de 2008

ServiceWhat: “Affective journey -- Tarsila”Where: Rembrandt roomWhen: Up to 10/05/2008

Patrocínio/Sponsorship: Parceria/Partnership:

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Pictures from her granddaughter Beatriz, from her brother Milton, herfellows and friends Mario de Andrade, Blaise Cendrars, Luís Martins and LasarSegall, done by the artist are displayed at the biographic segment of theexhibition. In general, there is a special attention to the persons close to Tarsilaand therefore, of more importance to her; her artistic formation and intellectualperiod, the influences she received, her religiosity, the escape to nature, hersocial concern and in her phase, where the oneiric (the dream) was morepresent”, details the curator, reminding that, despite of prioritizing an intimistapproach of the exhibition, he did not put aside the thematic and chronologicalunit of her work.

“I stood on giving a more contemporary bias to the exhibition, letting clearthe ‘open work’ question, possible in any exhibition of a really valuable artist. Itmeans only the idea of time continuity and the possible interpretations along themost variable aspects and approaches which can be given to an artist likeTarsila. Her work is not old fashioned, is timeless, it came to stay, and as theyears pass by, will be deeply studied and interpreted, and it will influence newgenerations of artists and admirers”, observes Abdalla, who planed an intendedand apparent chaos on the exhibition, in order to put the visitor, closer to theartist’s life, free of more rigorous classifications.

“Tarsila is an icon to Brazil. Her importance goes far beyond her work. Whenwe read about her artistic production, her personality, her generosity, we havethe sensation of being in front of a very close person. Tarsila, I allow myself tosay, is a very admired and loved creative creature. Tupi or not Tupi”, concludesAntonio Carlos Abdalla.

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Exposição mostra a

busca do pintor por um

aprofundamento do

diálogo com o homem

comum, com os

marginalizados,

com a dor e com a

realidade a sua volta

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8Uma madona negra dos trópicos abre a exposição

“Segall realista”. Produzida em 1926, “Morro vermelho”,considerada uma de suas obras mais complexas e impor-tantes, talvez seja a mais completa tradução da produção‘realista’ do lituano naturalizado brasileiro, Lasar Segall.

É nesse período, nos anos 20 século passado, logoapós a sua chegada ao país, que nascem os temasbrasileiros em sua obra, sua paleta se transforma e ganhacores luminosas. As formas ficam menos angulosas etensas, mas, ainda assim, não perdem totalmente ascaracterísticas expressionistas. Segundo o escritor Mário deAndrade, Segall era um ‘realista’, que mostrava tersuperado os ‘exageros’ da vanguarda expressionista.

Fugindo da associação costumeira do artista à escolaexpressionista alemã, a exposição é situada no cenáriocomplexo da pintura brasileira e mundial do período entre-guerras, permitindo visualizar a busca do pintor por umaprofundamento do diálogo com o homem comum, com osmarginalizados, com a dor e com a realidade a sua volta.

A exposição de caráter retrospectivo, organizada pararelembrar o cinqüentenário do falecimento do artista ecomemorar os 40 anos do Museu Lasar Segall, écomposta de 135 obras, entre pinturas a óleo, aquarelas,desenhos, gravuras e esculturas.

O responsável por esse recorte singular e criterioso daobra de Lasar Segall (1891 -1957) é o curador damostra, Tadeu Chiarelli, historiador, membro da direção doMuseu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) e um dosmais importantes especialistas em arte moderna brasileira. “Aexposição pretende dar uma visão peculiar da obra doartista, mostrando que sua trajetória é muito mais complexa

O realismoexpressionista expressionista O realismo

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Lasar Segall, “Retrato de Mário de Andrade”,

1927, óleo sobre tela, 72 cm x 60 cm

Lasar Segall, “Portrait of Mário de Andrade”,

1927, oil on canvas, 72 cm x 60 cm

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de Segallde Segall

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Lasar Segall, “Pogrom”, 1937, óleo com argila sobre tela, 184 cm x 150 cm

Lasar Segall, “Pogrom”, 1937, oil with clay on canvas, 184 cm x 150 cm

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Lasar Segall, “Morro vermelho”, 1926, óleo sobre tela, 115 cm x 95 cm

Lasar Segall, “Red Hill”, 1926, oil on canvas, 115 cm x 95 cm

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e rica do que demonstraram muitos dos estudos que foram feitossobre ela”, explica ele, dizendo que todas obras mais importantesproduzidas por Segall estão representadas na mostra de Curitiba.

Do acervo do Museu Lasar Segall vieram obras expressivas como“Interior de Pobres II” (1920), “Encontro” (1924) -- a partir da qualpercebe-se Segall “aclimatado a uma situação mais realista” -- e“Pogrom” (1937), obra que retrata as vítimas do massacre dosjudeus. A tela “Retrato de Mário de Andrade” (1939) pertence aoInstituto de Estudos Brasileiros, enquanto o quadro “Bananal” (1927)à Pinacoteca do Estado de São Paulo. Ainda compõem a mostraesculturas como “Dois torsos, Duas Cabeças” (1933), “Maternidade”(1935) e “Emigrantes” (1934).

Com enfoque especial nos anos 1920 e 1930 da produção deSegall, a mostra é dividida em três módulos. O primeiro aborda operíodo expressionista, que apresenta a obra do artista comoemblema das vanguardas históricas internacionais. O segundo móduloé o realista, que mostra o momento em que o artista recuperacertos pressupostos da tradição visual anterior à sua experiênciaexpressionista. E o terceiro é o período em que sua produçãocaminha para um diálogo nem sempre pacífico com a abstração.

Lasar Segall, “Dois nus”, 1930, óleo sobre tela,

100 cm x 73 cm, coleção Museu Lasar Segall - IPHAN/MinC

Lasar Segall, “Two nudes”, 1930, oil on canvas,

100 cm x 73 cm, collection of Museu Lasar Segall - IPHAN/MinC

“É a primeira vez que visita-

mos o Museu, além da arquitetura

do Niemeyer, estamos impressiona-

dos com a qualidade das exposi-

ções”, conta o pernambucano Fer-

rer Addobatti Neto, 36 anos, na foto

ao lado da esposa Ana Maria Ca-

valcanti, 40, e do filho Pietro, 8.

Visitor’s Opinion“Is the first time we visit the Museum, and besides the Niemeyer’s architecture we areimpressed by the amount of the exhibitions”, state the pernambucanos Ferrer Addobatti Neto,36 years old and, on the photo his wife Ana Maria Cavalcanti, 40, and his son Pietro, 8.

OPINIÃO DO VISITANTE

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Segall’s expressionist realismExposition shows the painter’s search for a deepening of dialog with the ordinaryman, with the marginalized, with pain and surrounding reality.

A black tropical Madonna opens the exhibition “Realistic Segall”. Painted in1926, “Morro vermelho” (Red hill) – considered one of his most complexes andimportant works, perhaps is the most complete ‘realist’ production from this Lituan,Brazilian naturalized, Lasar Segall.

Is in this period, in the 20’s of the last century, right after his arrival to thecountry that the Brazilian themes were born in his works, his palette transformsitself and shows bright colors, the shapes get less square and tense, but still theydon’t lose completely the expressionist characteristics. According to the writerMario de Andrade, Segall was a ‘realist’, who had ‘overcame’ the expressionistvanguard excesses.

Running away from the usual association of the artist with the Germanexpressionist school, the exhibition is sited in a complex scenery to the Brazilian andworldwide painting, in the interwar period (interbellum), allowing to see thepainter’s search for a deepening in the dialog with the ordinary man, with themarginalized, with pain and surrounding reality.

The retrospective featured exhibition, arranged to remind the artist’s death50th anniversary and celebrate the 40 years of the Lasar Segall’s Museum, is madeup of 135 works, among oil paintings, watercolors, engravings and sculptures.

The responsible for this singular and well cared clipping of Lasar Segall’s(1891-1957) work, is the exhibition’s curator, Tadeu Ciarelli, historian, member ofthe Săo Paulo’s Modern Art Museum’s management and one of the most importantspecialists in Brazilian modern art. “The exhibition intends to give a peculiar visionover the artist’s art, showing that his trajectory is much more complex and richerthan what have demonstrated the numerous studies done about it”, he explains,saying that all important works done by Segall are present in Curitiba’s exhibition.

From the Lasar Segall’s Museum collection, came expressive works like “Interiorde Pobres II” (Poors’ Interior II), from 1920, “Encontro” (The Date), from 1924 –as of is noticed Segall ‘completely adapted to a realistic situation’ – and “Pogrom”(1937), work which shows the victims of the Jewish massacre. The canvas“Retrato de Mario de Andrade” (Mario de Andrade’s Portrait), from 1939, isproperty of the Brazilian Studies Institute, while the picture “Bananal” (1927), tothe Săo Paulo Picture Gallery. Still compose the exhibition some sculptures like“Dois torsos, duas cabeças” (Two torsos, two heads), from 1933, “Maternidade”(Motherhood), from 1935, and “Imigrantes” (Immigrants), from 1934.

With a special attention to the Segall’s production during the 20’s and 30’s,the exhibition is split in three modules. The firs deals wit the expressionist period,which presents the artist’s work as an icon of International historical vanguards.The second is the realist, showing the moment in which the artist recovers certainfeatures of the visual tradition, previously to his expressionist experience. The thirdis the period where his production walks toward a dialog not always pacific withthe abstraction.

Parceria/Partnership:

S E R V I Ç O

O quê: “Segall realista”

Local: Salas Miguel Bakun e Guido Viaro

Quando: Até 20 de julho de 2008

ServiceWhat: “Realistic Segall”Where: Miguel Bakun and Guido Viaro roomsWhen: Up to July 20th, 2008

Patrocínio/Sponsorship:

Apoio:

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foto

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com

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por Milla Jung

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Exposição apresenta

seis décadas do olhar

carregado de poesia do

fotógrafo paulistano

German Lorca

“German Lorca”, auto-retrato,

fotoqrafando com Rollei, 1965

“German Lorca”, self-portrait,

photographying with Rollei, 1965

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8fotografia

Entre um inventário das coisas do mundo e

a invenção de pequenas ficções, o trabalho do

fotógrafo paulistano German Lorca, 86 anos,

abre frestas para uma nova sensibilidade: a da

superfície bidimensional da imagem. Ele não

está interessado no referente, mas sim no que

pode acontecer do encontro entre a aparência

do mundo e seu imaginário. O princípio, ele

diz, é o movimento da vida e da arquitetura

articulados em composição visual. Em seu tra-

balho, a verossimilhança com a realidade é só

um acaso, o aparato media o olhar mas não

o supera, ver não é ver com os olhos, mas

com o que se deseja. Diante da experiência da

cidade moderna, Lorca enquadra as geometrias

que acenam desde o novo cenário por vir, o

que nessas imagens seria futuro, já é passado,

a fotografia aqui é memória.

Para Diógenes Moura, curador da exposi-

ção “German Lorca: fotografia como memória”,

em cartaz até o dia 12 de outubro, o que

Lorca faz é literatura. “É como se essas

imagens estivessem latentes esperando para ser

acionadas, como num dispositivo, pelo olhar do

espectador.” Ao fotógrafo coube retratar a

despedida do bucolismo de uma cidade que

não supunha o que a suplantaria, a nós

espectadores cabe supor as narrativas que

circundam os fragmentos fixados desta dimen-

são de tempo. Quem não gostaria de habitar,

pelo menos durante o passear pela exposição,

os silêncios e a poesia do que não retornará

a não ser por seu olhar?

Diante do tempo e do espaço, as fotogra-

fias de Lorca cumprem docemente seu papel,

o de abrir janelas para o que nos olha.

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“Saguão Aeroporto”, 1965

“Airport lobby”, 1965

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“Menina na chuva”, 1951

“Girl in the rain”, 1951

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“Pernas”, 1970

“Legs”, 1970

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“A procura de emprego”

“Looking for a job”

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“Pierre Verger”, 1987

“Nelson Rockfeller (Matão - SP)”, 1956

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A exposição“German Lorca, fotografia como memória” apre-

senta 114 fotos em preto e branco produzidaspelo fotógrafo nos últimos 60 anos. Entre elas,retratos da atriz Bibi Ferreira, do costureiro Den-ner Pamplona de Abreu, do fotógrafo francêsPierre Verger. Também passam por suas lentesoutros personagens da cena cultural brasileira,pessoas anônimas, amigos, a chuva, a cidade deSão Paulo e seus costumes, o Rio de Janeiro,Santos e outras obras que exploram paisagens egeometrias arquitetônicas

German Lorca iniciou a carreira nos anos1940, como autodidata. Dez anos depois já eraum profissional reconhecido. Em 1952, ganhou oprêmio Alexandre Del Comte, na exposição inter-nacional de Buenos Aires. Sem formação acadê-mica na área, Lorca descobriu-se fotografando, atéingressar no Foto Cine Club Bandeirantes. Juntode outros fotógrafos referenciais como EduardoSalvatore, Thomas Farkas e Geraldo de Barros,quebrou paradigmas da fotografia brasileira comexperimentos, montagens e enquadramentos. ParaRicardo Ohtake, arquiteto e designer gráfico, “se aliteratura e a pintura iniciaram o modernismo atéantes da Semana de 22, a arquitetura só o teveem 1930 e a fotografia já no final dos anos 40,quando Lorca começou”.

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Foto: Milla Jung

“Guarda chuvas”, 1965

“Umbrellas”, 1965

‘Alto de Serra Velha”, 1971

O fotógrafo German Lorca em visita ao Museu

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German Lorca: photography as memoryBy Milla JungExhibition presents six decades of German Lorca’s look full of poetry

Between an inventory of things of the world and the inventions of littlefictions, the work of the “paulistano” photographer German Lorca, 86 years old,opens cracks to a new sensibility: the two-dimensional image surface. He is notinterested in the referent, but yes, in what can come out from the gatheringbetween the world appearance and his imaginary. The beginning, he says, is the lifemovement and architecture articulated in visual composition. In his work, theverisimilitude with reality is only an accident, the apparatus mediates the eye butdo not overcome it; to see is not to see with the eyes, but with the desired. Inface of the modern city experience, Lorca frames the geometries which wave,since the new coming scenery; what in these images would be future, is alreadypast. The photography here is memory.

To Diógenes Moura, “German Lorca: photography as memory” exhibition’scurator, which will be showing up to October 12th, what Lorca does is literature.“It is like if these images were sleeping, waiting to be put in action as a device, bythe spectator’s eye”. The photographer’s role was to depict the farewell of abucolic feeling of a city, which did not assume what would replace it; is up to usthe spectators, to suppose the narratives which surround the fragments settledfrom this time dimension. Who wouldn’t like to reside, at least when walkingthrough the exhibition, the silences and the poetry of what will not return unlessby his glance?

Before time and space, Lorca’s photos sweetly carry out its role: openingwindows to what is looking us.

The exhibition“German Lorca, photography as memory” presents 114 black and white photos

produced by the photographer in the last 60 years. Among them, portraits of theactress Bibi Ferreira, the fashion designer Denner Pamplona de Abreu and the frenchphotographer Pierre Verger. Through his lenses other characters of the Braziliancultural scenery also pass, anonymous people, friends, the rain, Săo Paulo city andits behaviors, Rio de Janeiro, Santos and other works which explore landscapes andarchitectural geometries.

German Lorca has started his career in the forties as a self-taught person. Tenyears later he was already a distinguished professional. In 1952, has won theAlexandre Del Comte, in the Buenos Aires International Exposition. Withoutacademic formation in the area, Lorca found out himself just photographing, untiljoin the Photo Cine Club Bandeirantes. Along with other well known photographerslike Eduardo Salvatore, Thomas Farkas and Geraldo de Barros he has brokenphotography Brazilian paradigms with experiments, compositions and framing. ToRicardo Ohtake, architect and graphic designer, “if literature and painting hasstarted modernism even before the “1922 Week” (Semana de 22), and architecturejust had its beginning in 1930, the photography had it by the end of the 40’s(1940), when Lorca has started.”

S E R V I Ç O

O quê: “German Lorca: fotografia como memória”

Local: Torre da fotografia

Quando: Até 12 de outubro de 2008

ServiceWhat: “German Lorca: photography as memory”Where: Photography TowerWhen: Up to 10/12/2008

Parceria/Partnership:

“O Fumante Solarizado”, 1954

“Solarized smoker”, 1954

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8g r a v u r a s

Figuras e

estam36

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Mostra reúne gravuras

de três dos artistas mais

relevantes do século 20

Mostra reúne gravuras

de três dos artistas mais

relevantes do século 20

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mpas37

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Moore, “Figura descansando”

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Figuras

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e estampas

Francis Bacon, “Auto-retrato”, n/d, litografia, 13/150, 47,4 cm x 103 cm

Francis Bacon, “Self-portrait”, n/d, lithography, 13/150, 47,4 cm x 103 cm

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“É muito gratificante promover a

cultura entre os nossos alunos.

Para mim, é maravilhoso estar

aqui”, afirmou o professor de

matemática Cesar Antunes, 30 anos,

minutos depois de descer de um

ônibus com mais de 30 alunos do

Colégio Estadual Adélia Bianco

Seguro, de Mato Rico, município

distante 480 km de Curitiba.

Visitor’s Opinion“It’s very rewarding to promote culture among our students. For me, is wonderful to be here”,stated the Mathematic Teacher (Professor) Ceasar Antunes, 30 years old, minutes after stepout of a bus filled with more than 30 students from Adélia Bianco Seguro State School,from Mato Rico, a county far 480 km from Curitiba.

OPINIÃO DO VISITANTE

g r a v u r a s

A consistência plástica e a força expressiva da arte de três dosartistas mais relevantes da contemporaneidade encontram no corpohumano o objeto de pesquisa e de expressão em suas obras: ocorpo transfigurado em Francis Bacon, a relação entre psique egênero em Lucian Freud e o vínculo expressivo que se estabeleceentre estrutura e sensualidade em Henry Moore.

Célebres por suas pinturas, desenhos e esculturas, Francis Bacon(1909-1992), Lucian Freud (1922) e Henry Moore (1898-1986)também têm uma rica produção de gravuras nas técnicas de água-forte, ponta seca e litografia. Parte deste trabalho pode ser visto em“Bacon, Freud, Moore: figuras e estampas”.

São retratos, auto-retratos e nus, formando uma seleção de 48obras gráficas, produzidas entre os anos 70 e 90 do século 20, quefazem parte do acervo da Fundação Museos Nacionales de Venezue-la, sob os cuidados do Museu de Arte Contemporáneo de Caracas.

Se o corpo é personagem comum a eles, a maneira de seexpressar é diversa e ímpar. Enquanto Bacon distorce as imagens,Freud utiliza-se de formas e texturas replicadas por linhas muitoprecisas e Moore, devido à sua formação de escultor, chega àsimplificação estrutural.

De acordo com Félix Suazo, curador da exposição e crítico dearte cubano, tratam-se de dois pintores e um escultor queassumem a especificidade técnica dos meios de reprodução gráficasem menosprezar suas inquietações plásticas: a cor em Bacon, alinha em Freud e o volume em Moore. “Suas litografias, águas-fortes e pontas-secas respeitam as exigências da gravura comolinguagem autônoma, conseguindo resultados excepcionais nesteramo das artes”, afirma.

A maneira como estes artistas manejam as técnicas gráficastambém varia. Bacon e Moore utilizam a litografia de formas diferentes,tendendo respectivamente para a cor ou para a linha. Enquanto Freuddomina a água-forte e a ponta seca, procedimentos aos quais adicionaocasionalmente o pastel e a aquarela. Diante desta diversidade, “Bacon,Freud, Moore: figuras e estampas” busca um equilíbrio entre o singulare o plural, tendo sempre como ponto comum a representação docorpo: seja nos retratos, auto-retratos ou nus.

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Figures and stampsExhibition gathers engravings from the three of the most relevantartist of the 20th century

The plastic consistency and the art’s expressive strength fromthree of the most relevant contemporary artists, find in the humanbody the research object and the expression in their work: thetransfigured body of Francis Bacon, the relationship betweenstructure and gender in Lucian Freud and the expressive bondestablished between structure and sensuality in Henry Moore.

Famous by their painting, drawings and sculptures, FrancisBacon (1909-1992), Lucian Freud (1922) and Henry Moore(1898-1986), also have a rich engraving production using theetching technique, dry point, and lithography. Part of this work canbe seen in “Bacon, Freud, Moore: figures and stamps”.

There are portraits, self-portraits and nudes, composing aselection of 48 graphic works produced within the 70’s and 90’sin the 20th century, being part of the Venezuela’s NationalMuseum Foundation (Fundación Museos Nacionales de Venezuela)collection, in care of the Caracas’ Contemporary Art Museum.

If the body is the common character between them, the waythey express it, is different and singular. While Bacon distorts theimages, Freud uses forms and textures replicated by very preciselines and Moore, due to his sculptor formation comes to thestructural simplicity.

According to Félix Suazo, Cuban art critic and exhibitioncurator, we are dealing with two painters and a sculptor, who takecontrol of the technical specificity of the graphic reproductionmeans, without underestimating their plastic restlessness: the colorin Bacon, the straight line in Freud and the volume in Moore. “Theirlithography, etchings and dry-points, respect the engraving’srequests as a self language, being able to get exceptional results inthis field of arts”, states.

The way these artists manipulate the graphic techniques alsovary. Bacon and Moore use different forms of lithography, trendingrespectively to color or line, while Freud masters etching and drypoint, procedures to which he occasionally adds pastel crayons andwatercolor. In face of this diversity, “Bacon, Freud, Moore: figuresand stamps” searches to balance between singular and plural,having as a common point always the body representation: inportraits, self portraits or nudes.

S E R V I Ç O

O quê: “Bacon, Freud e Moore: figuras e estampas”

Local: Sala Helena Wong

Quando: Até 10 de agosto de 2008

ServiceWhat: “Bacon, Freud and Moore: figures and stamps”Where: Helena Wong roomWhen: Up to August 10th, 2008

Parceria/Partnership:

Patrocínio/Sponsorship:

Freud, “Bella in her pluto T Shirt”

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por

Hyogo

Art

reinventada

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Honda Kinkichiro, “A donzela celestial”, 1890, 127,2 cm x 89,8 cm, óleo sobre tela

Honda Kinkichiro, “The celestial virgin”, 1890, 127,2 cm x 89,8 cm, oil on canvas

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8mostra

Quando a assessoria cultural do Museu Oscar Niemeyer negociou

a vinda da exposição “Eternos Tesouros do Japão”, que ficou em

cartaz no ano de 2006, na instituição, aproveitou para visitar o

famoso Museu de Arte da Prefeitura de Hyogo, na cidade de Kobe.

Da oportunidade, nasceu o interesse para trazer a Curitiba uma nova

perspectiva da arte japonesa, representada pela produção artística

moderna e contemporânea oriental.

A idéia de exibir essas obras numa mostra proporcionaria um rico

e belo contraponto com as armaduras, ornamentos, gravuras, pintu-

ras, biombos, pergaminhos e artesanato milenar reunidos em “Eternos

Tesouros do Japão”. Ganharia o público curitibano, com uma

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8compreensão mais universal da pintura nipônica. E as homenagens

do Museu Oscar Niemeyer ao ano do centenário da imigração

japonesa seriam encerradas com grandiosidade.

Inaugurada no final de junho, “Arte do Japão: do Moderno ao

Contemporâneo” exibe mais de cem anos da história da arte

daquele país, sob a perspectiva criativa e produtiva da província de

Hyogo. As obras pertencem ao gênero Moderno, que corresponde

ao final da Era Edo (1603-1867) e o início da era Meiji (1868-

1912), até as obras contemporâneas, datadas a partir de 1945. A

fim de informação, a História japonesa possui 15 períodos que

marcam a passagem das eras, da evolução política, social e da

sucessão de impérios, diferente dos períodos adotados pelo

Ocidente.

O curador da exposição, o japonês Koichi Kawasaki,

dividiu as 70 obras que compõem a exposição em três

núcleos. As pinturas são de autoria de mais de 30 artistas

japoneses consagrados que, em sua maioria, possuem algu-

ma relação com a província de Hyogo - boa parte nasceu

na região sul de Hyogo, cujo centro é a cidade “ocidenta-

lizada” e portuária de Kobe.

O primeiro núcleo reúne obras da arte moderna, em

seqüência cronológica, como a pintura a óleo “Mulher

Kanayama Heizo, “Jardim de outono”, 1909, 136 cm x 83,8 cm, óleo sobre tela

Kanayama Heizo, “Garden fall”, 1909, 136 cm x 83,8 cm, oil on canvas

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Celestial com Vestido de Pluma” (1890), famosa

lenda retratada minuciosamente por Kinkichiro Hon-

da, “Retrato de Haruno” (1894), da artista Itoko

Jinnaka e “Lisa Contemporânea” (1998), do pintor e

designer gráfico Shichiro Imatake. A partir desse

momento, percebe-se a introdução de elementos

ocidentais na arte japonesa, no que se refere à

perspectiva, abordagem, contraste de luminosidade e

o realismo. Mudanças resultantes da ida de jovens

artistas ao Ocidente ou da chegada de pintores

europeus no Japão e também da abertura de

escolas de arte no país.

Na segunda parte da mostra, intitulada “Paisa-

gens Japonesas” estão dispostas pinturas de natu-

reza morta realizadas ao ar livre, muitas vezes,

copiando exatamente “como a natureza se mostra”,

além de cenários urbanos coloridíssimos. Destacam-

se aqui as produções dos artistas Heizo Kanayama,

que soube como ninguém retratar as emoções e a

sensibilidade da natureza oriental, e Hide Kawanishi.

Este último retratou a paisagem e cultura de Kobe.

A técnica de xilogravura em madeira semelhante

à de Ukiyo-e, optando pelo colorido e por traços e

formas mais bruscas e robustas, “a nova xilogravura”

foi bastante empregada por Hide Kawanishi para

retratar a cultura moderna de Kobe. Ukiyo-e é uma

tradicional técnica de xilogravura, em preto e branco

ou colorida suavemente, que retrata mulheres e

paisagens, bastante divulgada no final do século 19.

Por último, a exposição dedica um espaço às

imagens fotográficas das obras produzidas pelo

mostra

Saito Yori, “Primavera”, 1918,

130,9 cm x 162,4 cm, óleo sobre tela, HPMA

Saito Yori, “Spring”, 1918,

130,9 cm x 162,4 cm, oil on canvas, HPMA

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Jinnaka Itoko, “Momotaro”, s/d, 65,9 cm x 52 cm, óleo sobre tela, HPMA

Jinnaka Itoko, “Momotaro”, n/d, 65,9 cm x 52 cm, oil on canvas, HPMA

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Jinnaka Itoko, “Retrato de Haruno”, 1894, 83,5 cm x 64 cm, óleo sobre tela, HPMA

Jinnaka Itoko, “Portrait of Haruno”, 1894, 83,5 cm x 64 cm, oil on canvas, HPMA

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Imatake Shichiro, “Lisa Contemporânea”, 1998,

162 cm x 130,5 cm, óleo sobre tela

Imatake Shichiro, “Contemporary Lisa”, 1998,

162 cm x 130,5 cm, oil on canvas

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Murakami, 1956

Mukai, 1961

Tapie, 1958

Yoshihara, 1962

Grupo Gutai (1954-1972), movimento de vanguarda

que rompeu o tradicionalismo da pintura japonesa, e

que, pela primeira vez, serão exibidas no Brasil. Nas

palavras do fundador do grupo, Jiro Yoshihara, a

arte Gutai “não imita o estilo de outro” e “pinta um

quadro que nunca foi visto até agora”.

Os jovens artistas primaram pela arte informal e

atitude radical nas suas telas e performances, como

“lutar na lama”, “rasgar painéis de papel”, “usar um

vestido elétrico”, ou mesmo apresentar obras tridi-

mensionais a partir da água. O Gutai realizou mais

de 20 exposições coletivas, fora algumas individuais.

Nomes importantes do movimento foram Kazuo Shi-

raga, Saburo Murakami, Jiro Takamatsu e Sadamasa

Motonaga.

A exposição é fruto de um convênio de coope-

ração mútua entre a província de Hyogo e o Estado

do Paraná, iniciado em 1970, que prevê o intercâm-

bio econômico e cultural entre os dois lugares. As

obras pertencem ao acervo do Museu de Arte da

Prefeitura de Hyogo e a outros quatro museus

públicos: Museu de Arte e História da cidade de

Ashiya, Museu de Arte Memorial de Koiso, em Kobe,

Museu de Arte da cidade de Himeji e Museu de

Arte Memorial de Otani, da cidade de Nishinomiya.

Segundo a direção do Museu de Arte da

Prefeitura de Hyogo, também colaboraram para a

realização da mostra grandes nomes da arte con-

temporânea japonesa da província, a exemplo de

Ryohei Koiso, Heizo Kaneyama, Tadanori Yokoo e a

Associação de Arte Gutai (Grupo Gutai).

A parceria de cooperação entre o Museu de

Arte da Prefeitura de Hyogo e o Museu Oscar

Niemeyer ainda prevê uma exposição coletiva com

os paranaenses Francisco Faria, José Antônio de

Lima e Mazé Mendes, em Kobe, de 1 de novembro

a 7 de dezembro desse ano (veja matéria na

página 56. Cerca de 20 obras de cada artista foram

selecionadas pelo curador Koicho Kawasaki para

serem levadas ao Japão.

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Hyogo’s reinvented art“Art from Japan: from Modern to Contemporary” payshomage to the 100 years of Japanese Immigration

When the Oscar Niemeyer cultural advisory dealed thecoming of the exhibition “Japan’s Eternal Treasures” whichwas exhibited in 2006, in the institution, it took theopportunity to visit the famous Hyogo Prefectural Museumof Art, in the city of Kobe. From this occasion, the interestof bringing to Curitiba a new perspective of Japanese artwas born, represented by the modern and contemporaryoriental artistic production.

The idea of showing these works in an exhibition, wouldallow a rich and beauty counterpoint with the armors,ornamentations, pictures, folding screens, velum papers andmillenary craftsmanship gathered in “Japan’s EternalTreasures”. It would conquer Curitiba’s public, with a moreuniversal comprehension of the Japanese painting, and theOscar Niemeyer Museum’s tributes to the centenary of theJapanese Immigration would close magnificently.

Opened by the end of June, “Japan’s Art: from Modernto Contemporary” exhibits more than one hundred years ofart history of that country, under the Hyogo’s countycreative and productive perspective. The works belong tothe modern genre, corresponding to the end of Edo’s Era(1603-1867) and the beginning of Meiji Era (1868-1912),till the contemporary works, dated from 1945. As a matterof information, the Japanese History has 15 periods markingthe passage of the eras, the political evolution, social anempire successions, differently of the Occidental periods.

The exhibition’s curator, the Japanese KoichiKawasaki, split all 70 works that compose the exhibitionin three groups. The paintings come from more than 30distinguished Japanese artists, who are somehow relatedwith Hyogo, whose center is the “westernized” andharbor city of Kobe.

The first group puts together the modern art works, inchronological order, as the “Celestial Woman with thePlume Dress” oil painting (1890), famous legend accuratelyportrayed by Kinchiro Honda, “Haruno’s Portrait” (1894)from the artist Itoko Jinnaka and “Contemporary Lisa”(1998), from the graphic designer and painter, ShichiroImatake. From this moment on, the introduction ofwestern elements in Japanese art, concerning to theperspective, approach, light contrast and realism is

Tanaka Atsuko, Detalhe de “Obra”, 1959, 164 cm x 132 cm, óleo sobre tela, HPMA

Tanaka Atsuko, Detail of “Work”, 1959, 164 cm x 132 cm, oil on canvas, HPMA

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Legenda da foto

Legenda da foto

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noticed. Changes caused by the coming of European artists to Japan orgoings of young Japanese artist to the west, and also the openings ofart schools in the country.

In the exhibitions second group, entitled “Japanese Landscapes”,“still life” paintings done open wide are displayed, sometimes imitatingexactly “nature as it shows”, besides full colored urban sceneries. Here,the productions of Heizo Kanayama who, like no one else, knew how toportrait oriental nature’s emotions and sensibilities, are spotlighted, andHide Kawanishi, who pictured the Kobe’s culture and landscape.

The xylograph technique in wood, Ukiyo-e’s technique like,preferring the colored and strong, rough forms, the “new xylography”was largely used by Hide Kawanishi to portray the Kobe’s modernculture. Ukiyo-e is a traditional xylography technique in black and whiteor slightly colored, portraying women and landscapes, very popular bythe end of the 19th century.

Finally, the exhibition dedicates a space to the photographic imagesof works produced by the Gutai Group (1954-1972), vanguard movementwho break up with the traditionalism of Japanese painting and whichwill, for the first time, be shown in Brazil. According to Jiro Yoshihara’swords, who is the group’s founder, the Gutai Art “doesn’t mimic the styleof other” and “paints a picture that has never seen until now”.

Young artists have chosen for the informal art and radical attitude in

S E R V I Ç O

O quê: “Arte do Japão: do Moderno ao Contemporâneo”

Local: Salas Frida Kahlo e Gaugin

Quando: Até 5 de outubro de 2008

Parceria/Partnership:

ServiceWhat: “Art from Japan: from Modern to Contemporary”Where: Frida Kahlo and Gaugin roomsWhen: Up to 10/05/2008

Patrocínio/Sponsorship:

Shiraga Kazuo, “Chibosei Chumonshin”, 1961, 169,8 x 130 cm, óleo sobre tela, HPMA

Shiraga Kazuo, “Chibosei Chumonshin”, 1961, 169,8 x 130 cm, oil on canvas, HPMA

their canvas and performances like, “mud fighting”, “to rip paper panels”,“use an electric dress”, or even present three-dimensional works comingfrom water. The Gutai has done more than 20 collective exhibitions,included some individuals. Important names of the movement were KazuoShiraga, Saburo Murakami, Jiro Takamatsu and Sadamassa Motonaga.

The exhibition is the result of a mutual cooperation agreementbetween the Hyogo’s county and Paraná State, started in 1970, whichforesees the economic and cultural interchange of both sites. The worksbelong to the Hyogo’s City Hall Art Museum and other four publicmuseums: Ashiya City History and Art Museum, Koiso’s Memorial ArtMuseum, in Kobe, Himeji City Art Museum and Otani Memorial ArtMuseum in the city of Nishinomiya.

According to the Hyogo’s City Hall Art Museum, great names ofJapanese contemporary art from the county like Ryohei Koiso, HeizoKaneyama, Tadanori Yokoo also collaborated to the achievement of theexhibition, as well as the Gutai Art Association (Gutai Group).

The cooperation partnership between Hyogo Prefectural Museum ofArt and Oscar Niemeyer Museum, still foresees a collective expositionwith the paranaenses Francisco Faria, José Antônio de Lima and MazéMendes, in Kobe, from 1st November up to November 7th. of the currentyear (see text on page 56). About 20 works of each artist were selectedby the curator Koicho Kawasaki to be sent away to Japan.

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O Paraná na terra do

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Artistas do Paraná expõem

no Museu de Hyogo,

no Japão. Mostra é fruto

do intercâmbio entre o

Governo do Paraná e a

província japonesa

O irrepreensível traço de Francisco Faria, o olhar artísticosobre o urbano de Mazé Mendes e as texturas, asperezas ecosturas de José Antonio de Lima serão exibidos em umaexposição inédita no Museu de Arte da Prefeitura de Hyogo,no Japão.

A mostra, que acontece de 1º de novembro a 7 dezembro,conta com cerca de 20 obras de cada artista e é o resultadodo intercâmbio entre o Governo do Paraná e a provínciajaponesa de Hyogo.

O Museu de Hyogo é uma maravilha arquitetônica projetadapor Tadao Ando, um dos grandes arquitetos japoneses contem-porâneos. Além disso, é um dos melhores e mais avançadoscentros expositivos do mundo. A exposição que precede a dosartistas paranaenses é uma retrospectiva de Chagall e a que asucede é uma mostra de um segmento do precioso acervo doKunsthistoriches Museum de Viena, que, entre outras obras, temvários Velázquez.

É neste importante espaço que os artistas paranaensesvão expor seus trabalhos. As obras da mostra pertencem aosacervos particulares dos autores e também ao acervo doMuseu Oscar Niemeyer. A seleção foi feita pelo curador daexposição “Arte do Japão: do Moderno ao Contemporâneo”, KoichiKawasaki, que não se contentou em escolher as peças porcatálogos. Ele fez questão de visitar duas vezes o atelier decada artista para, então, definir quais trabalhos seriam apre-sentados no Japão.

Mazé Mendes, Detalhe de “Sem título”

Mazé Mendes, Detaitls of “Untitled”

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O número de obras escolhidas surpreendeu os artistas. “A mostra é,a rigor, uma coletiva, mas o número de trabalhos de cada um de nóse a sua qualidade (em termos da sua representatividade no interior daobra do artista) é o de uma exposição individual, e das grandes. E otratamento que vem sendo dado por Koichi Kawasaki é, de fato,o dispensado a mostras individuais”, comenta Francisco Faria, um dosartistas paranaenses mais respeitados no Brasil e no exterior.

Faria lembra que a escolha dos artistas parananenses foi de inteiraresponsabilidade da curadoria do Museu de Hyogo. “Posso dizer que aseleção foi generosa, mas realista, ou seja, pragmática. Privilegiarammostrar obras que, segundo eles, possam ter um seguimento profissionalno exuberante mercado asiático. Eles poderiam ter escolhido artistas oumais jovens ou mais velhos, igualmente talentosos. Mas preferiram seconcentrar em profissionais que já têm uma carreira artística definida eque ainda têm pela frente um grande espaço para a consolidação de suapresença no mundo das artes visuais”, afirma.

Em sua passagem por Curitiba, o curador da mostra, KoichiKawasaki, disse que o intercâmbio cultural entre o Museu Oscar Niemeyere o Museu de Hyogo deve fortalecer ainda mais os laços entre Brasile Japão. ‘’É a primeira vez que fazemos esse intercâmbio de exposições.Espero que o público japonês aceite bem o que estamos fazendo e queos brasileiros também apreciem a arte japonesa’’, afirmou o curador.

Para os artistas paranaenses selecionados, o intercâmbio está sendovisto como uma grande oportunidade. Não apenas para divulgar ostrabalhos de cada um, mas para também fazer frutificar o conhecimentomútuo na área das artes visuais. “Temos uma grande responsabilidade,pois estamos levando o nome do Paraná e tentando abrir portas numimportante espaço expositivo”, diz o artista José Antonio de Lima. “É umainiciativa que merece ser parabenizada, até porque é muito difícil para umartista, do ponto de vista financeiro, conseguir levar seu trabalho parafora do país. E o Museu Oscar Niemeyer, juntamente com o Museu deHygo, está oferecendo esta oportunidade. Vamos torcer para que outrosintercâmbios surjam, beneficiando cada vez mais artistas do nosso estado”,completa Mazé Mendes.

MuseuErguido em 1970, em Kobe, o Museu de Arte Moderna da Prefeitura

de Hyogo simboliza para a população da província a reconstrução culturalapós a destruição causada pelo terremoto Hanshin-Awaji, em 1995,quando morreram cerca de seis mil pessoas. O museu foi novamenteinaugurado em 2004, como Museu de Arte da Prefeitura de Hyogo.

O arquiteto Tadao Ando buscou representar a integração do mare da montanha na edificação, aproveitando a paisagem do porto deKobe e a possibilidade de acompanhar as mudanças das estações doano. O salão de exposições do museu foi projetado com um pé-direito altíssimo e corredores para receber farta luminosidade natural,

além de escadarias circulares, um deck externo comvista para o mar e cinco entradas para visitantes. Comum andar no subsolo e quatro superiores, o edifício foiconstruído em concreto armado e possui um modernoequipamento isolador de oscilações para torná-lo resis-tente a abalos. Uma preocupação herdada da tragédiacausada pelo terremoto.

A proposta do museu também é de promover oencontro de várias artes e a educação – envolve mais de10 mil estudantes em diversas atividades, por ano – e nãoapenas de abrigar exposições. O Museu de Arte daPrefeitura de Hyogo é dono de um acervo com mais de7 mil obras e 4 mil itens.

Francisco FariaCuritibano, 52 anos, o artista fez sua primeira exposi-

ção em 1982, na Fundação Cultural de Curitiba. Atualmen-te, é um dos artistas paranaenses mais respeitados noBrasil e no exterior, reconhecido com premiações como ado Creative Works Fund, de San Francisco (EUA), em2001. Participou das Bienais Internacionais de São Paulo(1994), de Havana, Cuba (1994) e da primeira exposiçãode desenho brasileiro na China, no Yang Huan ArtMuseum de Pequim (1995), ao lado de outros seteartistas. Em 1996 foi incluído na exposição ZeichnungHeute, no Kunstverein de Frankfurt, Alemanha, que congre-ga a cada 10 anos os 100 mais destacados desenhistasda década. Realizou várias individuais em cidades comoSão Paulo, Curitiba, Florianópolis, Frankfurt e Washington.

Para a exposição no Museu de Hyogo, o artistalevará 20 desenhos, todos em lápis sobre papel, entre eles“Xarayes 1” e “Salso Argento # 1”. “Uma boa parte delessão desenhos de grandes dimensões, alguns pertencentesao acervo do Museu Oscar Niemeyer. Duas obras sãoséries de desenhos menores associados”, conta. O critériode escolha utilizado pelo curador da mostra, Koichi Kawa-saki, foi a atualidade dos desenhos.

Francisco Faria, “Salso Argento # 1”, desenho, lápis sobre papel (grafite), 2002, 150 cm x150 cm.

Nome retirado de um poema de Josely Vianna Baptista

Francisco Faria, “Salso Argento # 1”, Drawing, pencil (graphite) on paper, 2002, 150 cm x150 cm.

Named after a poem by Josely Vianna Baptista

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Mazé MendesCom uma trajetória artística consolidada, reconhecida e premiada,

Mazé Mendes, 58 anos, é mestre na arte de criar obras visuaisinspiradas na urbe. Natural de Laranjeiras do Sul (PR), passou suainfância e adolescência em Palmas. Vive e trabalha em Curitibadesde 1969, onde leciona na Faculdade de Artes do Paraná(Embap). Com maestria, a artista trabalha a horizontalidade e averticalidade, captando com a ajuda da fotografia signos da paisagemurbana que, ao seu olhar, já poderiam ser obras prontas. Mas, numcontínuo processo de criar e recriar, crescenta elementos da pintura,litografia e textos, sejam palavras ou trechos de poemas, que dão aobra a completude que faltava.

O talento artístico de Mazé Mendes poderá ser visto pelo públicojaponês em 16 obras, sendo duas pinturas de 1,80cm x 1,50cm eoutras duas de 1,5cm x 1,5cm, além de 10 fotos de 70cm x 80cmrelacionadas ao trabalho da artista. São imagens-fotos captadas emdiversos cantos das cidades, como portas trancadas, muros desgas-tados pelo tempo, janelas que incitam a curiosidade sobre o que estálá dentro, ou qualquer outro elemento da cidade que revele a forçao tempo, da natureza e do homem. Nessas imagens-fotos, a artistainsere palavras, cores e imagens, que na verdade, são vestígios desuas produções anteriores, finalizando o atual com toques dopassado, fundindo presente e passado, imagem e arte.

José Antonio de LimaAutor de obras que exploram a visão, textura, aspereza,

rugosidade, desenhos e costuras, tudo com extrema qualidadeestética e de produção, José Antonio de Lima, ou simplesmente,Zé Antonio, 54 anos, é um dos principais nomes do cenárioartístico paranaense. Natural de Sacramento (MG) veio para Paranáainda muito jovem. Formado em Jornalismo pela UniversidadeEstadual de Londrina (PR), Zé Antonio expôs pela primeira vez em1986, no 43º Salão Paranaense, e na I Mostra de Paisagem deMaringá (PR).

Em mais de 20 anos de carreira, conquistou dezenas deprêmios e participou de diversos salões no Brasil. Pelo mundo, jáexpôs na Alemanha (2002), Finlândia (2005), Suécia (2007), eEstados Unidos (2007).

Entre os trabalhos que irá apresentar ao público japonês estãoesculturas da instalação “Tramas”, uma série de objetos feitos emtecido, ferro e arame costurado que se interligam, formando umobra só, monumental e perfeitamente composta com o ambiente.Segundo Zé Antonio, as “Tramas” são o desenvolvimento de umasérie de obras anteriores chamadas “Catedrais Espaciais”, em queestruturas de ferro, mais ou menos circulares, eram recobertas detecido cru, esticado e amarrado. Com “Tramas”, Zé Antonioampliou aquelas estruturas em todas as direções, e as obras semultiplicam, ligando-se umas às outras e com a estrutura doespaço em que se inserem.

José Antonio de Lima, “Tramas”

José Antonio de Lima, “Weaves”

intercâmbio

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Paraná in the land of the rising sunParaná’s artists expose in Hyogo’s Museum in Japan. The exhibition is the result ofinterchange between Paraná’s Government and the Japanese county

The impeccable trace of Francisco Faria, the artistic look over the urban of MazéMendes and the textures, roughnesses and sewings of José Antonio de Lima, will be shownin an unprecedented exhibition at the Hyogo Prefectural Museum of Art, Japan.

The exhibition, that takes place from November 1st up to December 7th, counts onabout 20 works from each artist and it’s the result of the interchange between theParaná’s Government and the Japanese county of Hyogo.

The Hyogo’s Museum is an architectonic wonder, projected by Tadao Ando, one of thegreatest contemporary Japanese architects. Besides, he is one of the best and moreadvanced exhibition centres worldwide. According to the Hyogo’s Museum temporaryexhibitions annual programming, the exhibition that precedes the paranaense’s one is aretrospective of Chagall, and the previous is an exhibition of a precious part from theKunsthistoriches Museum, from Viena, collection which has, among other works or art, manyVélazquez.

Is in this important exposition space, where the “paranaenses” artists will expose theirworks. The exhibition works belong to the artists’ private collections and also the OscarNeinmeyer Museum’s collection. The curator, Koichi Kawasaki, was responsible for theselection, and he did not just choose the pieces by catalog, but insisted on visiting theatelier of each artist in order to define, which works would be presented in Japan.

The number of works chosen has surprised the artists. “The exhibition is, as a matter offact, a collective, but the number of pieces of each one of the artists and their qualities (interms of their importance inside the artist’s work)”, is like an individual exhibition, and a bigone. The welcome that has been given by Hyogo’s guardianship is, in fact, the one which isgiven to individual exhibitions”, says Francisco Faria, one of the most respected Paranaensesartists inside and outside of Brazil.

Faria reminds that the Hyogo’s Museum guardianship was completely responsible for the“paranaenses” artists choice. “I can say that the selection was generous, but realistic, whatmeans, pragmatic. They have privileged to show some works that, according to them, areable to have a professional following or continuity in the Asiatic exuberant market. Theycould have chosen younger artists or older ones, equally gifted. But they have preferred toconcentrate on professionals who have already a well defined artistic career and still have agreat space ahead to establish their presence in the visual arts world”, states.

In his passage for Curitiba, Kawasaki, the exhibition’s curator, said that the culturalinterchange of both the Oscar Niemeyer Museum and Hyogo’s Museum, must strengthen upeven more the bonds between Brazil and Japan. “It is the first time we perform thisinterchange of exhibitions. I hope the Japanese public accepts well what we are doing andBrazilian people appreciate Japanese art as well”, affirmed the curator.

To the “paranaenses” artists, this exchange has been seen as a great opportunity, notjust to spread out their work, as well as a chance to make fruitful the mutual knowledge inthe visual arts field. “But we have a great responsibility, because we are carrying outParaná’s name and trying to open new doors in an important exhibition space”, says theartist José Antonio de Lima. “It is an initiative that must be congratulated, because is verydifficult to an artist, from the financial point of view, to be able to take his work outsidethe country and Oscar Niemeyer Museum, along with Hyogo’s Museum, is offering us thisopportunity. Let’s cheer that other exchanges may came, benefiting even more artists ofour state”, completes Mazé Mendes.

MuseumBuilt in 1970, in Kobe, the Hyogo Prefectural Museum of Art, stands for the

population, the cultural reconstruction after the devastation of the county, caused by theHansin-Awaii earthquake in 1995, when about 6 thousand people have died. The Museumwas again reopened in 2004.

The architect Tadao Ando, tried to represent the sea and mountain integration on theproject and building, taking advantage of the Kobe’s Harbor landscape and the possibility offollowing the seasons changes too. The Museum’s expositions room was projected with thehighest foundation possible and aisles wide enough to accommodate plenty of natural light,besides of circular stairs, an external sea viewed deck and five entrances to the visitors.With an underground floor and four above, the building was built in concrete and it has amodern oscillation isolator device in order to make it more resistant to seismic quakes. Apreoccupation inherit from the tragedy caused by the earthquake.

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Mazé Mendes, “Canto”

Mazé Mendes, “Corner”

The Museum’s proposal is also to promote the meeting of several arts and theeducation – brings together more than 10 thousand students in many activities a year –and not only gives shelter to exhibitions. The Hyogo Prefectural Museum of Art owns acollection with more than 7 thousand pieces of art and 4 thousand more items.

Francisco Faria“Curitibano”, 52 years old, the artist has done his first appearance in 1982, at

Curitiba’s Cultural Foundation. Nowadays he is one of the most acknowledged andrespected paranaenses artists inside and outside Brasil, awarded with prizes like theCreative Works Fund, of San Francisco (USA), in 2001. Took part of the Săo PauloInternational Bienais (Bienais Internacionais de Săo Paulo) (1994), in Havana,Cuba(1994) and on the first Brazilian Drawing exhibition in China, at the Yang Huan ArtMuseum from Pequim (1995), along with other 7 artists. In 1996, he was included ofthe Zeichnung Heute exhibition, ate the Kunstverein of Frankfurt, Germany, whichgathered every 10 years the most 100 outstanding draftsmans designers of the decade.He has performed many solo exhibitions in cities like Săo Paulo, Curitiba, Florianópolis,Frankfurt and Washington.

To the exhibition at the Hyogo’s Museum, the artist will bring 20 drawings, all in pencilon paper, among them “Xarayes 1” and “Salso Argento #.1”. “A good part of them aredrawings of great dimensions, some belonging to the Oscar Niemeyer Museum’s collection.Two pieces are sequences of smaller drawings joined together”, he says. The criterion usedby Koichi Kawasaki, the exhibition’s curator, was the “up to date” quality of the drawings.

José Antonio de LimaAuthor of works exploring the vision, texture, roughness, wrinkles, drawings and

sewings, everything extremely well cared concerning to the esthetic and production, JoséAntonio de Lima or simply Zé Antonio, 54 years old, is one of the chief names onParanaense artistic scenery. Native from Sacramento (MG), came to Paraná still very young.Graduated in Journalism by Londrina’s State university (PR) in 1979, Zé Antonio, exhibitedfor the fist time in 1986, at the 43th. Paranaense Exhibition Roomand in the Maringa’s 1stLandscape Exhibition, Maringá (PR).

In more than 20 years of career, he conquered dozens of prizes and has participated inseveral Exhibition Room all over Brazil. Overseas he’s presented in Germany (2002), Finland(2005), Sweden (2007) and United States of America (2007).

Some of his works that will be presented to the Japanese public, are the sculptures of“Tramas” installation, a series of fabric, iron and wire made objects sewed together,connected to one another, forming a single piece, monumental and perfectly integratedwith the environment. According to Zé Antonio, the “Tramas”, are the development of asequence of previous works known as “Catedrais Espaciais” (Space Cathedrals), whereslightly rounded iron structures, were covered by raw fabric, stretched out and tied. With“Tramas”, Zé Antonio enlarged those structures in all directions, so that they havemultiplied themselves, connecting to one another and with the space they are inserted.

Mazé MendesWith an already established, distinguished and awarded artistic trajectory, Mazé

Mendes, 58 years old, is master in creating new visual works inspired on the city. Nativefrom Laranjeiras do Sul (PR), she has pass his childhood and adolescence in Palmas. Shelives and works in Curitiba since 1969, where teaches and the Paraná’s Art College(Faculdade de Artes do Paraná - FAP). Mastery working, she deals with horizontality andverticality, helped by photography, catching urban landscape signs, that could be, accordingto her, already finished works. Although in a continuous process of creating and recreating,adds elements from painting, lithography and texts, in words or passages of poems, whichwill complete the work’s missing parts.

Mazé Mendes artistic talent can be seen by the japanese public in 16 works, two ofthem are paintings of 1,80 cm X 1,50 cm and other two of 1,5 cm X 1,5 cm, and alsomore 10 photos of 70 cm X 80 cm related with the artist’s work. The photos are Image-photos captured in many sites of the cities, like closed doors, wasted by the time walls,windows which teases the curiosity about what is inside there or any other element ofthe city which reveals the strength and time, nature and man. In these image-photos,the artist introduces words, colors and images that are in fact, traces of her ownprevious production, finishing the current with touches of the past, melting present andpast, image and art.

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Exposição

apresenta a

conexão da obra

dos expoentes

da Bauhaus,

Josef e Anni Albers,

com a cultura

latino-americana

pré-colombiana

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Anni e

“Painel a partir de uma túnica”, Chimu,

algodão e fibra de camelídeo, 43,2 cm x 52,1

cm, The Josef and Anni Albers Foundation

“Painel a partir de uma túnica”, Chimu,

algodão e fibra de camelídeo, 43,2 cm x 52,1

cm, The Josef and Anni Albers Foundation

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Paixão pelaAmérica Latina

Josef Albers

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As tramas delicadas, intrincadas e matemáticas dos tecidosde Anni Albers e as repetições temáticas impregnadas de

cores puras das telas de Josef Albers são o resultado dacombinação da formação recebida na Bauhaus alemã e a

influência da arte antiga da América Latina, mais especifica-mente do México e do Peru pré-colombianos.

Expoentes da Bauhaus, Anni (1899-1994) e Josef Albers(1888-1976) foram pioneiros do modernismo no século 20.

Imigraram para os Estados Unidos em 1933 e, entre 1934

e 1967, viajaram regularmente para o México, Chile e Peru eCuba para o estudo da arte, da arquitetura e do design têxtil de

culturas pré-colombianas.A exposição “Anni e Josef Albers: viagens pela América Latina”

apresenta a atração desses imigrantes alemães pela luz, pela cor ea cultura antiga latinas. “A mostra celebra e dá continuidade a essa

maravilhosa conexão entre a visão de dois grandes modernistas,ambos tendo despendido uma década fazendo da Bauhaus tudo o

que foi e a cultura latino-americana”, afirma Nicholas Fox Weber,

Josef Albers, “Homenagem ao Quadrado”, 1950, óleo sobre masonite, 27,9 cm x 27,9 cm, The Josef and Anni Albers Foundation

Josef Albers, “Homage to the square”, 1950, oil on masonite, 27,9 cm x 27,9 cm, The Josef and Anni Albers Foundation

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diretor-executivo da The Josef and Anni Albers Foundation.De acordo com Heinz Liesbrock, diretor do Josef Albers

Museum Quadrat Bottrop, “para Anni, as tecelagens dos Andesperuanos, cuja tradição pode ser observada da antigüidade aos

tempos atuais, tornaram-se uma inspiração excepcional. Tecnica-mente complexas e surpreendentes quanto à formação, essas

tecelagens representavam a comunicação prévia à escrita e eram,ao mesmo tempo, providas de excessos icônicos que aos olhos

de Anni tornavam-se formas estéticas em si. O que Anni

“Essa é a primeira vez que visitoo Museu Oscar Niemeyer e estouachando as exposições encan-tadoras. As salas estão muitobonitas”, afirma a norte-americanaChristina Sheridan, 59 anos, ex-professora de artes e funcionáriado Museu de Artes do Battes College,Maine (EUA), atualmente morando emSão Paulo.

Visitor’s Opinion“This is the first time I visit the Oscar Niemeyer Museum and I think the exhibitions arecharming. The rooms are very pretty”, states the north American Christina Sheridan, 59 yearsold, former art teacher and functionary at the Battes College Arts Museum, Maine (USA),currently living in Săo Paulo.

OPINIÃO DO VISITANTE

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Detalhes das fotocolagens Pazcuaro (SIC) e Anahuacalli,The Josef and Anni Albers Foundation (na primeira linha Anni Albers, na segunda, Josef)

Details of Pazcuaro (SIC) and Anahuacalli’s photocollages,The Josef and Anni Albers Foundation (on the first line Anni Albers, on the second, Josef)

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Passion for Latin AmericaExposition shows the connection between the work ofthe Bauhaus’ exponents Josef and Anni Albers andPre-Colombian Latin American Culture.

The mathematic, intricate, delicate weaves of Anni Albers fabricsand the thematic repetitions, saturated with pure colors of Josef arethe combination of the formation received at the German Bauhaus andthe influence of the ancient Latin American Art, more precisely thePre-Colombian Peru and Mexico.

Bauhaus exponents, Anni (1899-1994) and Josef Albers(1888-1976) were pioneers of the 20th century modernism. Theyimmigrated to the United States in 1933 and, within 1934 and 1967,traveled regularly to Mexico, Chile, Peru and Cuba in order to studyPre-Colombian Art, architecture and textile design.

The exposition “Anni and Josef Albers: journeys across LatinAmerica” presents the attraction of these German immigrants to light,color and ancient Latin cultures. “The exhibition celebrates and goeson with this wonderful connection between the vision of two greatmodernists, both having expended a decade praising Latin Americanculture and justifying good Bauhaus’ name”, states Nicholas Fox Weber,Josef and Anni Albers Foundation executive-chief.

According to Heinz Liebrock, Josef Albers Museum QuadratBottrop’s director, “to Anni, the Peruvian Andean weaves, whosetraditions can be observed from ancient times to modern days, havebecome an exceptional inspiration. Technically complex and amazing,concerning to their formation, these weaves represented writingprevious communication and they were, at the same time, suppliedwith iconic excesses, which were to Anni’s eyes, esthetic formsthemselves. What Anni developed in a dialog with this ancient art,belongs, undoubtedly, in its sublime manifestation, to the moderntextile art apogee”.

Still in Heinz opinion, Josef Albers also found an importantinspiration to the development of his visual language, during hismeetings with sculpture and ancient Mexican architecture. “That isthe origin of the visual complexity and the permanent change,between two and three dimensionality which is characteristic of hiswork since the 1930 decade”, asserts.

In the exhibition, the visitor will be able to see the pictures of thefamous series “Homage to the Square”, started in 1946 by Josef, whoproduced more than a thousand variations of this same image, till hisdead in 1976. “The Homages”, consist in three or four nested squaresof different colors, which are the summation of Albers’ interests ingeometric forms and colors. They can also be understood astranslations of a Mesoamerican pyramid”, says Kiki Gilderthus, art andhistory director of Rocky Mountain College.

More than 400 photographs and photo-collages (seldom or neverexhibit before) take part of this exposition, where Josef Albersregisters the Latin American travels. The exhibition includes drawings,paintings, jewels and fabrics done by Anni Albers, showing her constantconcern with structure, patterns, colors and meanings of Andeanweaves. Some rarely seen pictures – produced by Josef within 1930and 1940 – take part of the exhibition and they present the artistexploring colors and lines in an experimental way.

S E R V I Ç O

O quê: “Anni e Josef Albers:

Viagens pela América Latina”

Local: Salas Tarsila do Amaral, Guignard e Pancetti

Quando: Até 24 de agosto de 2008

ServiceWhat: “Anni and Josef Albers: Journeys to Latin America”Where: Tarsila do Amaral, Guignard and Pancetti roomsWhen: Up to August 24th, 2008

Patrocínio/Sponsorship:

desenvolveu em um diálogo com essa arte antiga pertence indubita-velmente, em sua manifestação sublime, ao auge da arte têxtil

moderna”.Ainda na opinião de Heinz, Josef Albers também encontrou

importante inspiração para o desenvolvimento de sua linguagem visualnos seus encontros com a escultura e com a arquitetura do México

antigo. “É aí que tem origem a complexidade visual da mudançapermanente entre bi e tridimensionalidade que caracteriza sua obra

desde a década de 1930”, afirma.Na mostra, o visitante poderá quadros da famosa série “Home-

nagem ao Quadrado”, iniciada em 1946 por Josef, que produziu maisde mil variações dessa mesma imagem até a sua morte, em 1976.

“As “Homenagens”, que consistem de três ou quatro quadradosimbricados de diferentes cores, são a soma do interesse de Albers

em formas geométricas e cor. Elas também podem ser compreendi-das como traduções de uma pirâmide mesoamericana”, afirma Kiki

Gilderhus, diretora de História da Arte na Rocky Mountain College.Fazem parte da exposição mais de 400 fotografias e fotocola-

gens (raramente ou nunca exibidas antes), nas quais Josef Albersdocumenta as viagens latino-americanas. A exibição inclui desenhos,

pinturas, jóias e tecidos feitos por Anni Albers, que mostram suaconstante preocupação com a estrutura, padrões, cores e significa-

dos da tecelagem andina. Também fazem parte da exposiçãoalgumas pinturas raramente vistas – produzidas por Josef entre

1930 e 1940 – e que mostram o artista explorando cores e linhasde maneira experimental.

Parceria/Partnership:

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acontece

Suely Deschermayer e a artista plástica Mazé Mendes O artista José Antonio de Lima e sua esposa Miriam

Ardisson Akel, presidente da Faciap, e Vera Mussi,secretária de estado da Cultura

Juliana Guetter, Ivana e Pedro Abreu naexposição de Tarsila do Amaral

A atriz Beth Goulart brinca nas obras de Eduardo Frota

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O deputado estadual Luiz Nishimori, Maristela Requião, Toshizo Ido, governador da província de Hyogo e o governador RobertoRequião na noite de abertura da exposição “Arte do Japão: do Moderno ao Contemporâneo”

A sobrinha neta de Tarsila do Amaral, TarsilinhaO publicitário Alexandre Magno na noite de abertura daexposição “Percurso Afetivo -- Tarsila”

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acontece quem

A empresário Daniela Leão visita a exposição de Tarsila do AmaralEdith Azevedo, Rose Franceschi, Tarsilinha do Amaral, SolangeRosemann, Sirlei Espindola e Sandra Fogagnoli

Tarsilinha do Amaral e o curador Antonio Carlos Abdalla Priscila Maranhão Polatti e Betina Pizani na exposição dosartistas da Bauhaus Anni e Josef Albers

O fotógrafo German Lorca e Maristela Requião O artista plástico André Mendes na mostra de Tarsila do Amaral

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O fotógrafo German Lorca entre seus dois filhos e norasGerman Lorca atende o público presente na aberturade sua exposição

Brenda Danilowitz, curadora da mostra “Anni e Josef Albers”,com Maristela Requião e a arquiteta Ariadne Mattei Manzi

O artista plástico Carlos Zimmermann e o arquiteto JulioPeckman posam ao lado de Josef Albers

O maestro AlceuBochino prestigiaa exibição “Annie Josef Albers:

viagens pelaAmérica Latina”

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8em car taz

Pintura e fotografia são os meiosutilizado pelo arquiteto e artista plás-tico angolano, Julio Quaresma, paradiscutir as interferências no espaçoque nos cerca.Em “Homem.com-se”,Julio propõe uma reflexão sobre osvalores e poderes que estruturam asociedade. Estão ali os conflitos ge-rados pela falta de comunicação,excesso de informação, as incompre-ensões e amarras sociais, a perver-sidade política e a cegueira religiosa.Até 3 de agosto, na Hall do Pátiode Esculturas.

Homem.com-sePainting and photography are the meansused by the Angolan architect and plasticartist, Julio Quaresma, to discuss theinterferences in space that surrounds us. In“Homem.com-se”, Julio proposes a reflectionabout the values and powers whichstructure the society. The conflictsgenerated by the lack of communication,excess of information, incomprehensions andsocial bonds, the politic perversions andreligious blindness can be found in it. Up toAugust 3rd, in the Sculpture Yard Hall.

Parceria/Partnership:Governo do Paraná

S E R V I Ç OMuseu Oscar NiemeyerHorário: de terça a domingo, das 10h às 18h

Preços: R$ 4,00 (adultos) e R$ 2,00 (estudantes identificados).

Crianças de até 12 anos, maiores de 60 e grupos agendados

de alunos de escolas públicas do ensino fundamental e

do médio não pagam.

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Homem.com-se

Júlio quaresma, “Via dolorosa”, Óleo sobre tela e fotografia, 2004

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A exposição “Oscar Niemeyer: trajetória e produção contemporânea,1936 -2008” destaca a vitalidade profissional do arquiteto centenárioe de sua obras recentes, como a Praça do Povo e a Torre da TVDigital, em Brasília. Parte interessante da mostra é a exibição dofilme inédito, “Um arquiteto engajado em seu tempo”, do diretor belgaMarc-Henri Wajnberg. O filme traz Oscar Niemeyer desenhando aversão final do Centro Cultural da Astúrias, na Espanha. Os visitantestambém verão, em primeira mão, projetos jamais exibidos, como oParque Dona Lindu, em Boa Viagem, no Recife (PE), além da Praçado Povo e a Torre da TV Digital, em Brasília (DF).

A mostra inclui ainda cerca de 80 desenhos e documentos originais,18 maquetes, uma escultura de três metros (acervo do Museu OscarNiemyer) e uma projeção de 50 imagens feitas pelo fotógrafo francêsMarcel Gautherot sobre o Complexo da Pampulha e de Brasília, quefazem parte da coleção pessoal do arquiteto. No Salão Principal(Olho), até 17 de agosto.

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Oscar Niemeyer

Errata

Na edição do mês de fevereiro,

ano 2, nº6, pg. 32, onde lê-se a

presença de Gilberto Belleza,

leia-se Ubyrajara Gilioli.

Oscar NiemeyerThe exposition “Oscar Niemeyer: trajectory and contemporary production,1936 –2008” stands out the centenary architect professional vitality and hisrecent woks, like “A Praça do Povo” (The People Square), and the “Torre Digital”(Digital Tower), in Brasília. An interesting part of the exposition is the exhibit of anunseen movie, “An architect committed to his time” from the Belgian directorMarc-Henri Wajnberg. The movie shows Oscar Niemeyer drawing the final version ofthe Asturias Cultural Center, in Spain. The visitors will also see, on first hand, neverseen projects like Dona Lidu’s Park, in Boa Viagem, Recife (PE).

The exhibition still includes about 80 drawings and original documents,18 maquettes (models), a 3 meters (9,84 feet) tall sculpture (Oscar NiemeyerMuseum’s collection) and a projection of 50 images done by the frenchphotographer Marcel Gautherot about the Pampulha’s complex and Brasília,which are part of the architect’s personal collection. At the mainhall (Olho – “The Eye”), up to August 17th.

Patrocínio/Sponsorship: Copel

Parceria/Partnership: Fundação Oscar Niemeyer

Praça dos Três Poderes

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