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EL NEOCLASICISMO
2da. mitad del siglo XVIII y
buena parte del siglo XIX
CARACTERÍSTICAS GENERALES
* Surge, a mediados del siglo XVIII pero se
mantiene, junto con otras tendencias, a lo largo
del siglo XIX.
* Los centros principales serán Roma y París.
Reacción clasicista frente al Barroco favorecida
por la Ilustración.
* Es un intento de someter la creación
artística a reglas racionales y de elaborar
modelos de validez universal: por ello,
carece de fuerza creadora y resulta un arte
de escasa originalidad. Su aceptación popular
fue mínima.
Algunos factores contribuyen a su
desarrollo:
•
• Las publicaciones de los
tratadistas sosteniendo el ideal
griego como punto de partida
de toda belleza, defendiendo un
retorno a las fuentes de la
Antigüedad
• Las excavaciones de Herculano
(1719) y Pompeya (1748).
• Las expediciones
arqueológicas inglesas a Grecia.
• La creación de las Reales
Academias que dirigen la estética
de su tiempo de acuerdo con una
normativa clásica.
• Se refiere especialmente a la
arquitectura aunque sin olvidar
totalmente la escultura y la
pintura.
Contexto histórico
Descubrimiento ruinas
de Pompeya y Herculano
El siglo XVIII
• La Ilustración pone en el centro los principios de la razón y cuestiona al Absolutismo, la intolerancia religiosa, pone el énfasis en el hombre, en el progreso, en la ciencia.
• Retrocede el catolicismo, la Ilustración plantea la necesidad de una ley única y general para los ciudadanos, se deben eliminar los privilegios y se deben respetar derechos inalienables. Importancia de las academias.
Contexto histórico Importancia de academias
(sala de modelo vivo)
Contexto histórico:
Afición por el
coleccionismo
Características del Neoclasicismo:
Por falta de un criterio definido que existía en períodos
anteriores, ahora hay indecisión estilística, para elegir una de
las dos alternativas que son:
Idealismo (ideales del pasado); ¿recoger un estilo del
pasado, y cuál?
Realismo (realidad del presente); ¿crear un estilo nuevo,
y cómo?
La alternativa de resucitar estilos históricos conduce a un
eclecticismo indiscriminado.
Otra alternativa en el dilema de la indecisión estilística es la
de crear un estilo nuevo, de acuerdo con la realidad del
momento.
El término Neoclasicismo surgió en pleno siglo
XIX para denominar de forma peyorativa al
movimiento que desde mediados del siglo XVIII, se
venía produciendo en la filosofía y que
consecuentemente
se había transmitido a todos los ámbitos de la
cultura. Responsable de este cambio es la
Ilustración que, con su deseo de racionalizar todos
los aspectos de la vida y del saber humanos,
sustituyó el papel de la religión como organizadora
de la existencia del hombre por una moral laica que
ordenará desde entonces las relaciones humanas y
llevará a un concepto deista de la naturaleza.
LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
Parlamento de Viena – Austria (Terminado en 1883 - arquitecto Thophil Hansen)
Reacción contra
los efectos
decorativos del
Barroco y del
Rococó.
La
arquitectura
neoclásica
La realización del proyecto
no debe ser el resultado del
estilo de un artista sino que
forman parte de la cultura y
del modo de vivir de la
sociedad
Prima la
técnica
sobre la
inspiración
La razón se impone
a la imaginación:
todo consiste en
proyectar
Utilización de
materiales clásicos:
mármol y piedra.
Ausencia de
elementos decorativos
Predominio
de
volúmenes
geométricos
Recuperación
de la cultura
greco-latina Predomina lo
horizontal por sobre
lo vertical, la solidez,
el uso
del frontón, las
columnas y los
atrios. Esto es
ORDEN,
PROPORCIÓN Y
ARMONÍA.
PUERTA DE ALCALÁ – 1768 - 1778, MADRID ARQ. FRANCiSCO SABATINI (1722 – 1797)
PUERTA DE ALCALÁ - FRANCISCO SABATINI
1768 – 1778 – MADRID
• Construida por orden del rey Carlos III, como
puerta de entrada a Madrid.
• Imita a los antiguos arcos romanos.
• Realizada en granito.
• Medidas: 19,5 mts. de altura x 56 mts de ancho.
La Puerta de Alcalá imita a un arco
de triunfo romano con tres arcos de
medio punto y dos adintelados. La
decoración es a base de trofeos a la
romana con escudos y banderas,
además de cabezas de leones,
cornucopias y guirnaldas. También
tiene columnas y pilastras con
capiteles jónicos. El material es
combinación de granito gris y caliza
blanca de colmenar.
PUERTA DE BRANDENBURGO”, BERLÍN, ALEMANIA
1788 – 1791 ARQ. CARL GOTTHARD LANGHANS
* Representa los Propileos del
“Nuevo Berlín” de la época (ciudad
amurallada, tenía 18 puertas de
entrada)
* Medidas: 26 mts., altura x 66,5
mts. de ancho y 11 mts. de
profundidad.
* Realizada en piedra arenisca.
Aunque ahora podemos apreciar en ella tres
cuerpos, los dos laterales (de mayor profundidad y
menor altura) son añadidos posteriores,
correspondientes ya a 1868, si bien tratan de
mantener la uniformidad con el cuerpo central. Éste
fue concebido como un pórtico hexástilo, levantado
en estilo dórico, lo que explica la división del friso
en triglifos y metopas. Los espacios entre las
columnas de cada cara de la puerta están cerrados
mediante muros, en los que se dispone decoración
en relieves. De esta forma se realza la funcionalidad
de la construcción como puerta de paso, mediante
cinco accesos, de los cuales el central posee mayor
anchura.
CUADRIGA DE LA PUERTA DE
BRANDENBURGO EN BERLIN
PUERTA DE BRANDENBURGO
EN 1945 TRAS EL FIN DE LA
2DA GUERRA MUNDIAL
PUERTA DE BRANDENBURGO DURANTE LA GUERRA FRÍA
MUSEO DEL PRADO, MADRID Arq. Juan de Villanueva (1739 – 1811)
Juan de Villanueva
Museo del Prado -
Fachada principal
Cuerpo inferior:
Alternancia vanos
Con arcos de medio punto
y hornacinas rectangulares
(estatuas son posteriores)
Cuerpo superior:
Columnata de
orden
jónico bajo
estructura
arquitrabada
Pórtico hexástilo
Grandes columnas
dóricas (por contraste
dan ligereza a columnata
de 2º piso)
Adelantado, rompe
plano de los cuerpos
centrales
Remate: Espacio
rectangular (con relieve)
que refuerza horizontalidad
Juan de Villanueva
Museo del Prado
Interior
Bóvedas de cañón,
con
casetones y
lunetos.
Luz cenital
(funcionalidad)
Espacios
diáfanos
Sobriedad
decorativa
Elementos clásicos
Arcos de medio punto,
Columnas, etc.
EL PANTEÓN – PARIS - 1790 Jacques-Germain Soufflot (1713 – 1780)
Iglesia de La Madeleine –Paris – (1764 – 1806)
Pierre Vignon
Maison Carrée – Nimes, Francia – S.I a c
Arco del Triunfo – Paris – Jean François Chalgrin
Arco de triunfo de Tito – Roma – S.I d c
Capitolio de
Washington
(1800 – 1846)
Arq. William
Thornton
Congreso de la Nación – Buenos Aires – 1896
Arq. Vittorio Meano (1860 – 1904)
En la escultura
neoclásica tuvo una influencia muy significativa, la revalorización del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.
PERSEO CON LA
CABEZA DE MEDUSA
ANTONIO CANOVA
LA ESCULTURA NEOCLÁSICA
CARACTERÍSTICAS
* Predomina la racionalidad de la
expresión serena y sosegada sobre la
irracionalidad de lo impetuoso. Imita
el estilo de los grandes escultores de
la Antigüedad, principalmente de los
griegos.
* Se toman como modelos los temas
clásicos porque quieren razonar
intelectualmente sobre la belleza.
* Frente al realismo y expresionismo
de la escultura barroca se oponen la
serenidad y belleza de la escultura
clásica: hay una reacción contra los
efectos pictóricos, la teatralidad y el
movimiento desbordado del Barroco.
Principales Características
Principales Características
• Retorno al equilibro, armonía e inexpresividad
del arte clásico.
• Búsqueda de la simplicidad y pureza de líneas.
• Se retoman los cánones de las academias.
• Preponderancia de las temáticas vinculadas a la
mitología y las historias de héroes griegos y
romanos.
• El desnudo tiene una notable presencia, como
deseo de rodear las obras de una cierta
intemporalidad.
En el Arte y la Estética, el Ethos es el estatismo
emocional, entendido como contrario del Pathos, el
dinamismo emocional.
El Ethos forma parte del canon griego desde la época
arcaica a la prehelenística, siendo su mayor expresión la
época clásica, siendo retomado en el Neoclasicismo
Ejemplo
de ETHOS
El Doríforo
de
Polícleto
450 aC
Ejemplo de PATHOS – Laocoonte y
sus hijos – Aprox. Siglos II o I aC
“PSIQUE Y CUPIDO”
1786 - 1793
Antonio Canova (Italia -1757-1822)
CÁNOVA “Paulina Bonaparte”
Paulina Bonaparte
Antonio Canova
Referencias mitológicas:
Como Venus vencedora Figura frontal
salvo cabeza
que gira para
ponerse de perfil
Acabado muy
pulimentado
con ligero tono
rosado
Triclinio
concebido
como pedestal
Quietud y
abandono que
potencian sensualidad
Pulcra ordenación
de pliegues
Brazo flexionado
apoyado en
almohadones
acentúa
complacencia
CÁNOVA
“LAS TRES
GRACIAS”
Las tres Gracias
Antonio Canova
Las tres gracias:
Eufrósine, Aglaia y
Talia
Rompe organización
tradicional
( dos de perfil y una de
espaldas)
Creando una más compleja
que multiplica puntos de
vista
e invita a una continua
contemplación
Actitudes
elegantes
Tela sirve como
nexo de unión y
cubre delicadamente
las zonas más
íntimas
Formas sensuales
de contenido erotismo
Miradas cómplices y
entrelazamiento sinuoso
las aíslan del espectador
Cambios sutiles enriquecen
ritmo:
Dos con pierna izquierda
firme y derecha retrasada.
Una con pierna derecha
firme y la izquierda cruzada
y retrasada
Equilibrio, armonía,
serenidad y
perfección
ALBERT THORWALDSEN
(1770-1844).
Jasón y el
vellocino
de oro.
Apolo
Sauróctonos
360 ac
Praxíteles
Giuseppe Sanmartino
(1720 – 1793)
"Cristo velado"
1753
Capilla de Sansevero
Nápoles - Italia
El cadáver reposa sobre un catafalco y dos almohadones sostienen la
cabeza de Cristo, cuyo cuerpo aparece enteramente cubierto por un velo, la
famosa Sindone o Sábana Santa, desde la cabeza a los pies, junto a los
cuales encontramos la corona de espinas y los clavos, para cuya extracción
se han empleado unas tenazas que también figuran esculpidas.
La pintura neoclásica
Jacques
Louis David
1748 – 1825
La cólera de
Aquiles
1819
Kimbell Art
Museum
Texas -
EEUU
CARACTERÍSTICAS
DE LA PINTURA
NEOCLÁSICA
Principal fuente de
inspiración: la
Naturaleza, realista pero
idealizada, bella y
tranquila
Personajes
presentan perfección
anatómica y
proporciones
canónicas griegas
Falta de
expresividad: no
hay sentimientos,
y cuando los hay,
son contenidos y
fríos
Composiciones
geométricas,
equilibradas y
estáticas.
Si tienen
movimientos,
este es
mesurado
Preponderancia
expresiva del
primer plano,
generalmente
más iluminado
que los demás
Predominio del
dibujo sobre el
color, contornos
definidos
buscando imitar
a la escultura
Pincelada
bien
acabada que
no se puede
apreciar
Uso de
alegorías
para mostrar
temas del
presente
Intención
moralizante
Jean Baptiste Regnault
El genio de Francia
entre la Libertad y la
Muerte, 1795.
USO DE
ALEGORIAS
Auguste-Dominique Ingres
Retrato de Napoleón en el trono
imperial, 1806
Con el gobierno de
Napoleón Bonaparte, la
pintura se convirtió en un
arte al servicio de la
propaganda del Imperio y
del emperador.
JACQUES-LOUIS
DAVID
(1748 – 1825)
Es el máximo
representa te de la
pintura neoclásica.
Su inspiración
proviene
mayoritariamente de
relieves escultóricos
de la Antigüedad
clásica, de los que
adopta su planismo y
la ordenación
horizontal de las
figuras.
Fue un pintor «político» que defendía los valores de la
Ilustración, de la Revolución francesa y del Imperio
Napoleónico.
El juramento del juego de pelota - 1791
EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS
La historia en que se basa:
La guerra entre Alba y Roma, ciudades del Lacio unidas por
vínculos de sangre, fue resuelta mediante el enfrentamiento de
los tres hermanos Horacios, romanos, y los tres Curiáceos,
albanos. El combate era a muerte. Uno de los Horacios logró
vencer. En cambio, su victoria quedó ensombrecida por las
lamentaciones de su hermana Camila, prometida con uno de los
Curiáceos.
El mundo clásico es la pantalla donde se refleja el presente:
David exalta la figura del campeón, quiere dar a entender que
el monarca no sólo es el privilegiado, sino que se exige la
moralidad pública. David elige el momento del juramento y del
compromiso. El poder político tiene que dar fe ante la
colectividad. Los tres Horacios juran ante su padre que
defenderán la colectividad. Las mujeres son las protagonistas del
drama, ellas no empuñan la espada, pero ponen su alma para
asumir su destino.
Jacques-Louis David
El Juramento de los
Horacios
Predominio del
dibujo sobre el
color, con
contornos
nítidos.
Figuras formadas
con triángulos que
dan estabilidad.
Personajes
masculinos en líneas
verticales, están
erguidos, músculos
tensos y están
inscritos
en un cuadrado
(reflejan el Ethos, el
sacrificio cívico). Personajes
femeninos
dominan líneas
curvas
(abatimiento,
desesperación,
el Pathos)
Unidad del cuadro
Fragmentada en dos escenas para lograr
una visión sincrética: la parte heroica (el
juramento) y la parte trágica (el dolor de las
mujeres)
Belleza ideal
en anatomías
de inspiración
clásica.
Jacques-Louis David
El Juramento de los
Horacios
Predominio del
dibujo sobre el
color, con contornos
nítidos.
Figuras formadas
con triángulos que
dan estabilidad.
Personajes masculinos
en líneas verticales, están
erguidos, músculos
tensos y están inscritos
en un cuadrado (reflejan
el Ethos, el sacrificio
cívico).
Personajes femeninos
dominan líneas
curvas (abatimiento,
desesperación,
el “pathos”)
Fondo arquitectónico clásico (toscano)
sin adornos para no distraer de acción
principal en primer plano (el fuerte
claroscuro también contribuye a llamar
la atención sobre el primer término
iluminado y relegar la zona de
penumbra)
Cada arco de Medio
punto engloba a un
grupo de personajes.
Unidad del cuadro
Fragmentada en dos
escenas para lograr
una visión sincrética:
la parte heróica (el
juramento) y la parte
trágica (el dolor de
las mujeres)
Composición clara y
equilibrada (principio
de simetría,
compensación de
masas, etc.)
Belleza ideal
en anatomías
de inspiración
clásica.
LA MUERTE DE SÓCRATES -1787
Sócrates tratando de
señalar a sus amigos
-antes de su propia
muerte- los valores
morales a los que
deben someter su
conducta.
La esposa de
Sócrates, llamada
Jantipa,
abandona la celda
escoltada por
guardianes
Platón está sentado a los pies de la cama, con pergamino y pluma a
su lado, testigo silencioso de la injusticia del Estado
Guardia que entrega la cicuta a
Sócrates: Hasta los mismos
guardias, que ya se habían
familiarizado con el sabio
anciano sentían pesar por la
suerte que deparaba a un
hombre como él.
MARAT
MUERTO
Jacques-Louis David
Marat asesinado
Simplicidad compositiva:
líneas geométricas dan
una sensación estática
de intemporalidad
(verticales y horizontales)
Fuerte claroscuro
contrasta con la
Iluminación intensa del
político
Elementos
con una fuerte carga simbólica:
* Cuchillo cerca de su mano
caída que sostiene la pluma:
oposición barbarie frente a
ideales ilustrados.
* Caja le servía de escritorio,
las sábanas con remiendos, el
tapete verde cubre la tabla que
tenía sobre la bañera:
austeridad,
* Un billete de asignado con
una nota para entregar a una
viuda con cinco hijos:
generosidad.
David lo
representa
con un
desnudo
heroico
Tintero con pluma para
significar la labor intelectual
de Marat
La sangre recorre desde
la nota, el agua
enrojecida, la herida
manando que llevan
hasta el cuchillo
ensangrentado
La caja, un volumen cúbico
perfecto hace las funciones
de lápida: “ A Marat, David.
L`an Deux
El enterramiento de
Cristo
Caravaggio
1602 - 1604
Charlotte Corday
Paul Baudry
1860
La muerte de Marat - Edward Munch - 1907
LA CORONACIÓN DE NAPOLEÓN
El pintor no se limitó a recoger la ceremonia propiamente dicha, sino que
nos ofrece en la obra un verdadero retrato de la Francia imperial, concebido
dentro de los cánones de la pintura neoclásica, en el que se integran más de
doscientos retratos individuales, aunque sea un objeto de pequeño tamaño
(la corona que Napoleón se apresta a colocar sobre la cabeza de Josefina)
el que ocupa el lugar central de la representación, hacia el que se dirige casi
de manera automática nuestra mirada.
Jacques-Louis David
Napoleón cruzando
los Alpes
Contraste del lento y
fatigoso avance del
Ejército francés por el
paso de San Bernardo
y la actitud dinámica del
caballo
Paisaje abrupto
en diagonal
Caballo en corveta agitado
en contraste con dominio
del emperador
Crines, capa, crines y cola
del caballo impulsados por
viento trasero siguen
dirección del brazo del
emperador (símbolo del
triunfo)
Inscrito en las rocas
el nombre de Anibal,
Carlomagno y
el propio Bonaparte
Atmósfera
tormentosa
(azul grisáceo)
contrasta con
tonos cálidos de
Napoleón
Gran realismo
en los detalles
La cara serena de Napoleón
contrasta con lo agitado
de las líneas curvas en
que aparece envuelta
Fue otro gran pintor del
Neoclasicismo, prolongando
el estilo hasta la segunda
mitad del siglo XIX. Alumno
de David, viajó a Roma en
1806, ciudad con la que va a
estar ligado muchos años de
su vida.
Destacó como un experto
artesano, con un
depuradísimo sentido de la
línea, del equilibrio y de la
armonía en la construcción
del cuadro. Precisamente por
esta razón, la calidad de sus
dibujos es insuperable.
Jean-August-Dominique
Ingres
(1780 -1867)
Napoleón en su trono imperial
1806
Napoleón visitando el leprosario de Jaffa - 1804
La bañista de Valpinçon
1808
Sus desnudos se presentan como
una verdadera declaración de amor
hacia la Belleza, plasmada a través
del cuerpo de la mujer. De él dijo el
poeta Charles Baudelaire: "Una de
las cosas que, en mi opinión
distinguen ante todo el talento de
Ingres es su amor por la mujer. Su
libertinaje es serio y lleno de
convicción. Ingres no es nunca tan
feliz ni tan poderoso como cuando
su genio se enfrenta con los
encantos de una belleza joven".
La pose del personaje es
neoclásica, no hay fondo,
reflejando la luz desde la
izquierda, que contribuye
a dar volumen al cuerpo
desnudo. El estudio
anatómico es clasicista,
pero sin exagerar las
musculaturas, como
ocurre en algunas obras
de la antigüedad
(escultura).
Estudio sobre un
desnudo masculino
1801
La gran odalisca - 1814
El baño
turco
1862
VESTIMENTAS, MUEBLES Y ACCESORIOS DEL
NEOCLÁSICO.
Louise de Broglie,
Condesa de Haussonville
INGRES - 1845
Justo antes de la
Revolución Francesa,
la indumentaria común
tendía a ser cómoda y
sencilla, en contraste
con la extravagante
moda cortesana. La
excavación de las
ruinas romanas de
Herculano que tuvo
lugar en 1738 fue un
impulso para el
surgimiento del estilo
neoclásico.
Madame Recamier,
Francois Gerard
Siglo XIX
El culto a la Antigüedad se convirtió en un concepto básico
para la cambiante sociedad europea, y llegó a dominar las
artes y el estilo de vida general desde la segunda mitad del
siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX.
Con la Revolución
Francesa, la moda se
convirtió en un instrumento
de propaganda ideológica
de la nueva era. Los
revolucionarios
manifestaron su espíritu
rebelde y su rechazo a la
vieja sociedad mediante el
atuendo. Aquellos que
llevaban complicados y
extravagantes trajes de
seda eran considerados
enemigos de la
Revolución.
La Revolución Francesa fomentó una nueva estética en la indumentaria que
prefería el simple algodón antes que la refinada seda. El linón, una tela de gran
calidad parecida al lino, hecha con un delicado y fino algodón, se puso de moda
por su ligereza y transparencia. Otras similares como el percal, la muselina y la
gasa le siguieron los pasos.
A principios del siglo XIX el
vestido chemise, una
prenda de muselina blanca,
casi transparente, de
cintura alta, similar a las
túnicas de las antiguas
estatuas griegas o
romanas, se puso muy de
moda.
Durante la época de la
Revolución las mujeres no
usaban corsé ni
guardainfante, y el rumbo
de la moda cambió
radicalmente, pasando del
rococó a un estilo racional
y neoclásico.
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