2012

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV.

ARQ. ALEJANDRA VAQUERO.

GRUPO #1: GLORIA ELVIR.

SARA BARRIENTOS.

ARTE DEL SIGLO XIX Y XX

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ASIGNATURA:

CATEDRATICO:

TEMA:

ALUMNAS:

FECHA:

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA IV.

ARQ. ALEJANDRA VAQUERO.

ARTE DEL SIGLO XIX Y XX.

GLORIA ELVIR.

SARA BARRIENTOS.

23 DE MAYO DEL 2012

UNIVERSIDAD DE SAN PEDRO SULA.

ESCUELA DE ARQUITECTURA.

INDICEIntroducción ------------------------------------------------------ Arte del siglo XIX --------------------------------------------------- Modernismo o Art Noveau ------------------------------------------ Escultura del siglo XIX ----------------------------------------------

Auguste Rodín ---------------------------------------- Pintura del siglo XIX ------------------------------------------------

La hermandad prerrafaelista---------------------------- Escuela de Barbizón y cultura de Biedermeir --------------

El Romanticismo -------------------------------------------- Téodore Gericault ------------------------------------- John Constable --------------------------------------- Joseph Turner ---------------------------------------- Caspar David Friedrich --------------------------------

El Realismo ------------------------------------------------- Gustave Courbet ------------------------------------- Honoré Daumier -------------------------------------- Jean Francois Millet -----------------------------------

El Impresionismo -------------------------------------------- El Impresionismo Clásico -------------------------------

Edouard Manet --------------------------------- Edgar Degas ------------------------------------ Pierre Auguste Renoir ---------------------------- Joaquín Sorolla ---------------------------------

El Impresionismo Paisajista ------------------------------------ Claude Monet ---------------------------------- Alfred Sisley ------------------------------------ Camille Pisarro ---------------------------------

El Postimpresionismo ----------------------------------------- Paul Cézanne ----------------------------------------- Vincent Van Gogh -------------------------------------

5 6 7 8 9 9 10 11 11 12 13 13 14 14 15 16 17, 18 19 19 20 21 22, 23 24 24 25 26 27 28 29 30

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Paul Gauguin ---------------------------------------- Georges Seurat --------------------------------------- Paul Signac ------------------------------------------ Henri de Toulouse-Lautrec ----------------------------

Evolución de las artes figurativas ----------------------------- Fauvismo --------------------------------------------------

Matisse --------------------------------------------- Expresionismo ---------------------------------------------

Edavar Munch --------------------------------------- Kirchner -------------------------------------------- Roualt ---------------------------------------------- Kandinsky ------------------------------------------

El Cubismo ------------------------------------------------ Cubismo analítico -----------------------------------

Pablo Picasso --------------------------------- Arte del siglo XX --------------------------------------------------

El arte de vanguardia --------------------------------------- La pintura del siglo XX --------------------------------------

Dadaísmo ------------------------------------------- De Stijl y el Neoplasticismo ---------------------------- Nuevos procedimientos de abstracción ------------------

Entre la imagen y el objeto ---------------------- El Futurismo y la Pintura Metafísica -------------------- El Surrealismo ---------------------------------------

Joan Miró ------------------------------------ Salvador Dalí ---------------------------------

La abstracción --------------------------------------- Paul Klee -------------------------------------

El Pop Art ------------------------------------------- Andy Warhol ---------------------------------

La abstracción en la escultura -------------------------------------- Conclusiones ----------------------------------------------------- Glosario ---------------------------------------------------------Bibliografía ------------------------------------------------------

31 31 32 32 33 34, 35 36 37, 38 39 40 41 41, 42 42, 43 43 44, 45 46 46 47 48 49 51, 52 53, 54 54, 55 55 55 56 57 57 58 58 58 - 60 61 62 63, 64

Introducción

En el presente documento, se ha preparado con el objetivo de analizar y comprender movimientos artísticos que se han venido dando con el pasar del tiempo.

Nos centraremos en este punto exactamente en los siglos XIX y XX, para conocer que movimientos se dieron en ese entonces y cuales se originaron como consecuencia de estos mismos.

Aquí se encuentra debidamente explicado movimiento artístico de esta época, así como sus máximos representantes y sus obras importantes.

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El movimiento revolucionario de 1848 y la expansión de la Revolución Industrial dieron un vuelco importante a la vida social, económica y política de Europa. Si los progresos de la ciencia y la industria llenaron de esperanza el futuro de la humanidad, sus repercusiones sobre el proletariado provocaron inquietud. Esta realidad suscitaba un arte diferente al neoclásico conservador, al cual ya se había opuesto al romanticismo estimulado por las épicas aventuras napoleónicas. Con el advenimiento de la restauración, los valores ideológicos revolucionarios son sustituidos por el culto al dinero y a una moral mezquina.

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Frustrado, el espíritu revolucionario no encuentra más salida que la ensoñación interior, y da rienda suelta a la imaginación como forma de escapar a las exigencias del ser interior. Pero en este momento la ciencia y la filosofía rinden culto al hecho. Augusto Comte dice que “No hay más conocimientos reales que aquellos que descansan sobre hechos observados”. Las letras y el arte no tardaron en hacer lo suyo. Frente a la realidad interior, la exterior se imponía con fuerza y la razón de esos cambios la hallamos en los dos modos de conocimiento imperantes. Grecia fundó su método de conocimiento de la realidad en las leyes de la lógica, mediante la diferenciación de objeto y sujeto. En Oriente rige el método prelógico, en el que el sujeto y el objeto están ligados entre sí por las relaciones de simpatía y antipatía. El conocimiento se produce por fusión con lo que se intenta conocer. El primero pasará a Grecia y a Roma convirtiéndose en la base del conocimiento occidental. El segundo nos llegará a través del cristianismo. Con Descartes el conocimiento animista parecía agotado, y frente a la astrología surgía la astronomía. Esta incompatibilidad se resuelve momentáneamente: se reserva el conocimiento lógico para la ciencia y el artístico para las letras y las artes, como muestra el romanticismo.

MMMOOODDDEEERRRNNNIIISSSMMMOOO OOO AAARRRTTT NNNOOOVVVEEEAAAUUU Paralelamente al funcionalismo de la Escuela de Chicago y los ensayo en pos de una arquitectura moderna surge en Europa, a mediados del siglo XIX, un movimiento artístico llamado Arts & Crafts que pretende revalorizar el trabajo creativo y artesanal frente a la deshumanización y estandarización a la que se ha visto sometido el arte como consecuencia de su vinculación con la producción industrial, haciéndose eco de las corrientes disidentes en contra de lo que algunos llaman progreso. Este movimiento contempla el retorno a la artesanía como forma de liberar al hombre de la tiranía de la máquina. El artista debe esforzarse por adornar de formas bellas y originales la vida cotidiana del ciudadano y acercar las artes mayores y las menores. El representante más interesante de esta corriente es William Morris, promotor de Arts & Crafts (Artes y Oficios). Próximo a planteamientos socialistas, quiso hacer una arquitectura digna para el pueblo, pero su elaboración artesanal y la calidad de los materiales reservó su disfrute a la

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burguesía, que lo acogió con entusiasmo y facilitó la difusión en los nuevos proyectos urbanísticos de la ciudad-jardín, que perseguían la creación de núcleos urbanos, agradables y asociadas con la naturaleza. A finales del siglo XIX se dan las condiciones necesarias para que la arquitectura Europea salga del estancamiento en la que la había sumido el historicismo. El cansancio del eclecticismo, el interés por la funcionalidad del espacio interior y por el diseño de los Arts and Crafts, la popularización de los nuevos materiales y la ruptura con el pasado como muestra la pintura están en la base de la nueva arquitectura, que recibirá una denominación diferente según los países. En Bélgica “Art Noveau”, en Austria “Secesión”, en Italia “Liberty”, en España “Modernismo”. En estos momentos el panorama artístico español es desalentador, pues solo Cataluña merece recordarse. Su evolución económica ha dado origen a una dinámica burguesía industrial cuyos objetivos son distintos de los que abandera la burguesía castellana y tradicional. Junto con la burguesía catalana se situaran los intelectuales con un programa renovador que aspira a engrandeces Cataluña y acercarla a Europa. Las diferencias con Madrid lo conducirán en lo cultural a la Renaixenca, en lo político al nacionalismo y en lo artístico al modernismo, cuya gran figura es Antoni Gaudí.

EEESSSCCCUUULLLTTTUUURRRAAA DDDEEELLL SSSIIIGGGLLLOOO XXXIIIXXX En la Escultura del siglo XIX apenas hubo nada nuevo, estuvo muy influida por la pintura y se centró en la realización de monumentos cívicos. El escultor más relevante del siglo XIX, debido a la revisión que lleva a cabo de la escultura, es Auguste Rodín.

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AAAUUUGGGUUUSSSTTTEEE RRROOODDDIIINNN En los escultores más importantes de la historia del arte y el mas valorado desde Bernini. Concibe lo inacabado como una parte esencial de la realidad y la obre, Hace un estudio nuevo de las esculturas medieval y renacentista. Recrea el lenguaje escultórico, aportando una nueva valoración a la superficie, el espacio, la textura y el volumen. A veces elimina algunas partes del cuerpo para lograr una mayor expresividad. Destacan entre sus obras fundamentales: la edad del bronce, el beso, el pensador, las ciudades de Calais.

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A mediados del siglo XIX parece que la ciencia toma a su cargo el porvenir de la humanidad y la solución de los problemas del proletariado surgido de la Revolución Industrial, que exigen el arte la sumisión de la observación objetiva, lo cual da lugar al realismo pictórico que deriva en impresionismo al someterlo al escrúpulo científico. Pues si el conocimiento se realiza a través de las sensaciones y no del objeto, hay que hablar de una realidad óptica de éste, lo que para nosotros es una equivalencia. Esta realidad óptica es

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exclusivamente material ya que la forma ha sido un aditivo aportado a la razón, modo por el cual se rompe con la tradición clásica donde forma y materia se unen como el cuerpo y el alma. El realismo es materialista, pero el impresionismo, que quiere ser realista, le daba el golpe de gracia al eliminar forma y materia en un intento de reproducir mejor la irradiación luminosa del objeto, abriéndose así el camino al arte moderno. Esta decisión estaba apoyada por la ciencia que en sus investigaciones descubría una nueva concepción del átomo, antes materia y ahora energía, en cuyo interior todo está en movimiento. El arte hace suyos los descubrimientos y al comprobar cómo una misma realidad contemplada en momentos distintos provoca impresiones diferentes, entiende que lo real no es la materia o el espacio sino el tiempo, como muestran las catedrales de Monet. De este modo el impresionismo perdía sus lazos con el mundo físico que el realismo había plasmado. Los avatares del arte nos ayudan a comprender las mutaciones que socavan la sociedad del siglo XIX en su marcha hacia el futuro.

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En 1848, año en que Marx y Engels publican el Manifiesto Comunista, una serie de jóvenes artistas ingleses fundan la Hermandad Prerrafaelista con el objetivo de luchar contra el arte predominante, el propugnado por el Royal Academy. En ambos hechos hay un sustrato común de inconformismo ante la sociedad Victoriana surgida en la Revolución Industrial. El origen del movimiento radica en los principios teóricos defendidos por John Ruskin a partir de 1843, y en la asimilación de la estética de los Nazarenos alemanes, llevada a cabo por Ford Madox Brown durante su estancia en Roma. Ambos influyeron poderosísimamente sobre un poeta y pintor de origen italiano, Dante Gabriel Rossetti, quien se encargará de materializar las ideas de vuelta a la pureza y sencillez de la pintura de los primitivos italianos: Botticelli, Mantegna y Massaccio. Sus obras evidencian gusto por el detalle y la observación de la naturaleza que, sin romper con la visión romántica, apuntan hacia los posteriores planteamientos realistas. Sus pinturas de intenso colorido (conseguido gracias a la aplicación del óleo sobre pasta blanca fresca) y cuidado detallismo.

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Barbizón es un pequeño pueblo de las proximidades de París, cerca del bosque Fontainebleau. En él se instalaron, a partir de 1830, una serie de pintores que sin construir un grupo programático y unitario como la hermandad prerrafaelista, formaban un conjunto coherente de interés: La escuela de Barbizón. Sus protagonistas fueron:

Theodore Rousseau Charles-Francois Daunigny

Los pintores de la escuela de Barbizón parten de la obra de Constable, que había dejado una profunda huella en el mundo artístico francés. Como él, están interesados en la vivencia personal del paisaje, en la identificación del pintor con la naturaleza y sobre todo en la captación de los fenómenos meteorológicos mas cambiantes: los efectos de una tormenta, la fugacidad de un rayo de sol en el bosque… No hay en ellos ninguna pretensión ética ni ideológica. En los territorios germánicos, desde Dinamarca hasta Austria, surge, entre 1815 y 1848, la denominada cultura de Bierdermeir. Expresión directa de los gustos y aspiraciones de la pequeña burguesía, sobria, culta, y emprendedora, en sus cuadros vemos reflejados retratos, escenas hogareñas y paisajes que constituyen realidad más cotidiana. Sin que falte un filtro idealista, la sencillez de sus imágenes es todo un alegato contra la grandilocuencia de la preponderante aristocracia terrateniente.

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Este movimiento afecto a todas las manifestaciones de la artística y se opone al clasicismo dominante. En él predomina el sentimiento frente a la razón, lo que lleva a la exaltación de las pasiones y la defensa de la libertad y el patriotismo. Esto implica también una defensa del individualismo y la subjetividad. Surge así una afirmación de las particularidades históricas: el Nacionalismo. En cuanto a las características formales de la pintura Romántica:

Emplea colores brillantes y fuertes ya que el color es un elemento clave. Recurre al uso de luces efectistas y teatrales que acentúan la expresividad. Sus temas son muy variados: acontecimiento de la época, revoluciones, guerras,

catástrofes, paisajes o retratos.

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Los pintores románticos son maestros del color y representan fundamentalmente temas contemporáneos. Los principales exponentes son Jean Constable, Joseph Turner y Caspar David Friedrich.

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Es el representante más notorio de esta tendencia en Francia. En su pintura cobra gran importancia el color, en ella predomina luces intensas y vibrantes. Dentro de sus dinámicas composiciones da importancia al paisaje. También retrata desastres de la naturaleza. Entre sus obras principales destacan:

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Fue uno de los primeros paisajistas modernos originario de Inglaterra. Para pintar cambio el taller por el aire libre, lo que lo convierte en un precedente del impresionismo. En esas condiciones, pudo estudiar la luz y los reflejos que produce.

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No fue totalmente aceptado en Inglaterra, donde se consideraba que sus cuadros eran “descuidados”. La figura humana adquirió en sus cuadros la categoría de anécdota frente al verdadero protagonismo del paisaje. Destacan sus siguientes obras, El carro de heno, la catedral de Salisbury.

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Este autor dejo una abundante obra, pero no es fácil seguir su evolución a través de ella; lo que sí es evidente es la gran libertad con que usa el color, que combinado con la luz, crea visiones imaginarias muy alejadas de la realidad. Realizó numerosas experimentaciones. Entre sus obras más sobresalientes pueden contarse Lluvia, vapor y velocidad, la decima plaga de Egipto, El Camposanto de Venecia.

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Representante del Romanticismo alemán, Friedrich propuso la más idealizada de las versiones. En sus cuadros aparece una naturaleza en estado contemplativo, donde los primero planos conservan cierto realismo. Es la expresión grafica del pensamiento racionalista. Entre sus obras principales se cuentan: Rocas cretácicas de Rugen, El naufragio de la esperanza.

María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

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Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título "Realismo". Allí expuso su obra El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad. Posteriormente se identificó con el movimiento especialmente a Honoré Daumier, Jean-François Millet y Jules Breton, y a otros pintores (Jean-Louis-Ernest Meissonier, Henri Fantin-Latour, Thomas Couture, Jean-Léon Gerome, etc.) El crítico de arte Jules Champfleury definió teóricamente la estética del movimiento. Se suelen identificar los principios estéticos del realismo pictórico con los del realismo literario contemporáneo (Honoré de Balzac). El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda (en el contexto de la revolución de 1848) marcó la sensibilidad social e ideológica de este grupo de pintores realistas, que conectaría con la vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: el naturalismo posterior (Émile Zola).

Wikipedia (s.f.)

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El Realismo: frente al deseo de evasión del Romanticismo, aparece este movimiento pictórico que se reafirma en la realidad. Presenta las siguientes particularidades: Es una pintura influida por la fotografía. Los artistas toman conciencia de los problemas sociales derivados de la

industrialización y del desencanto debido a los frascos revolucionarios. Los protagonistas de los cuadros son personas comunes y corrientes: campesinos,

obreros. Francia es el país que mejor representa este movimiento.

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Después del paisaje neoclásico destinado a enmarcar la acción del romanticismo dominado por la soledad y apasionamiento, surge esta corriente como respuesta al positivismo a mediados del siglo de la aceptación de la naturaleza en su realidad visible. La escuela de Barbizon, formada por un grupo de artistas, ya se había interesado por el tema del paisaje, tratándolo de una manera realista como si fuese la anatomía humana, mediante el estudio del espacio, el modelado y la luz. En ellos se inspiran los paisajes de Courbet y el testimonio social: la revolución de 1848 representa la primera confrontación entre la clase burguesa y la proletaria, surgida de la gran Revolución Industrial, que llena Europa de enormes industrias, ferrocarriles y grandes ciudades.

Coubert fue pintor muy polémico debido a la temática elegida en sus representaciones y su activismo político. Trata de temas cotidianos protagonizados por gente sencilla y plasma la comunicación de sus personajes con el espectador. Sus cuadros conjugan partes muy coloristas y partes casi sin color.

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Presenta el fin y el comienzo de la vida del hombre. El niño, de pie lleva la espuerta, mientras que el viejo, de rodillas, pica la piedra. Pese a sus claras convicciones socialistas capaz de transmitir es conciencia social, pues sus personajes resultan inexpresivos debido a que carecen de rostros; en la obra solo detectamos la sensación de fuerza, cansancio y pesadez. En ella no hay nada amable ni repulsivo, únicamente un duro esfuerzo. La pobreza del paisaje obliga a centrar la atención en las figuras.

María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

HHHOOONNNOOORRREEE DDDAAAUUUMMMIIIEEERRR (((111888000888 ––– 111888777999))) Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo niño debió trasladarse a París junto con su familia. En París, muy joven trabajó como ujier en un tribunal de justicia y como cadete en una librería, y luego se dedicó a estudiar pintura y dibujo. De este modo dio inicio a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet. Retornó a la sátira política con la Revolución de 1848. A partir de ese mismo año 1848 se apasionó por la pintura, teniendo entonces un estilo muy influido por Delacroix, Corot, Millet, Rousseau y -en sus últimas obras- por Fragonard (como en El estudio) y los impresionistas (por ejemplo en La lavandera). A medida que fue perdiendo vista, tuvo que dejar la litografía y centrarse en la pintura, que abordaba con una técnica directa y apenas retocada.

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También son muy valorados sus esculturas y bustos de yeso (escayola) y bronce que realizaba principalmente para que le sirvieran de modelos al realizar sus ilustraciones. Sus grabados se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados. Es interesante notar en sus litografías el sabio uso de las combinaciones cromáticas para lograr sus cometidos de expresar situaciones emotivas en un ámbito social (existe aquí un influjo -morigerado- desde la obra de Goya); sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas, por ejemplo en Emil Nolde, Ernst Barlach y Ensor.

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Jean-François Millet (4 de octubre de 1814 - 20 de enero de 1875) fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Nació en la aldea de Gruchy, municipio de Gréville-Hague, Normandía, pero se mudó a París en 1839. Recibió su enseñanza académica con Paul Dumouchel, y con Jérome Langlois en Cherbourg. Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la influencia de Honoré Daumier, de quien aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes.

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En 1849 llegó a Barbizon, entrando en el círculo de la escuela que toma el nombre de esta localidad. Millet, poseía un profundo sentido de la naturaleza, al igual que Théodore Rousseau: la interpretaba (más que reflejarla sin más) comprendiendo las voces de la tierra, los árboles o los senderos. Millet afirmaba sentir en la naturaleza más de lo que los sentidos le daban. El tono a ratos sentimental de sus obras (El Ángelus, La muerte y el leñador) le aleja un tanto del otro gran realista, Courbet, más áspero y rebelde. El autor buscará retratar a la gente humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural, seduciendo a los republicanos y exasperando a la burguesía por tratar esto como tema central en su obra. Millet y Rousseau pronto intimaron y Rousseau, con más recursos económicos ayudaba al pobre Millet. Ambos murieron en Barbizon con pocos años de diferencia y se encuentran enterrados a muy poca distancia uno de otro.

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El movimiento impresionista se desarrolló en Francia y luego se expandió a otros países europeos. Al plasmar la luz en los cuadros, se dejaba de lado la identidad de aquello que la proyectaba. El impresionismo muestra una preponderancia de los colores primarios, utilizados sin mezcla. Los tonos oscuros, en cambio, no son usuales. Los impresionistas postularon los

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principios del contraste cromático, que suponen que cada color es relativo a los colores que le rodean. Los artistas impresionistas, por otra parte, solían pintar sin intención de ocultar las pinceladas fragmentadas. De esta forma demuestran cómo, bajo ciertas condiciones, la perspectiva permitía que distintas partes inconexas dieran lugar a un todo unitario. Edouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Armand Guillaumin y Edgar Degas son algunos de los máximos exponentes de la pintura impresionista. Cada uno, sin embargo, mantuvo un estilo personal dentro de las características de estilo compartidas por todos los integrantes del movimiento.

Wikipedia (s.f.)

El Impresionismo es uno de los movimientos pictóricos más interesantes de la historia del arte, pues reivindica la autonomía del lenguaje artístico y la destrucción de los convencionalismos académicos. A través de la pintura impresionista podemos estudiar la transformación de la imagen artística tradicional.

EEEDDDOOOUUUAAARRRDDD MMMAAANNNEEETTT (((111888333222 ––– 111888888333))) Se le considera el creador del Impresionismo cuando provoca el escándalo en El salón de los rechazados con su obra El almuerzo campestre. Su pintura recibió fundamentalmente tres influencias: la obra de Velázquez y Goya (tras su viaje a España en 1865), la estampa japonesa, muy de moda en aquel momento, y las tertulias del café Guerbois, en que departía con un buen número de artistas y escritores. En sus obras utiliza el rojo, el blanco y el negro, este ultimo poco frecuente entre los impresionistas. Manet otorga mucha importancia al dibujo; presenta una gran proximidad con la pintura realista. Algunas de sus obras importantes son: El desayuno campestre, Olimpia, El piano, Retrato de Émile Zola, El bar de los Folies-Berbére

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María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

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Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel. Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix. Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.

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Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas, pero también sobre las carreras de caballos, uno de sus temas favoritos, en el que explora el movimiento. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas. A partir de 1880 usó cada vez más el óleo, en particular cuando trata desnudos femeninos. Esta técnica resultaba ideal para materializar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante. Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Degas fue uno de los pintores, junto a Ingres y Rafael, que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba, como señala el primero en una carta a Émile Bernard, datada en Arlés, 1888. Una de sus obras, a la que llamó La pequeña bailarina de 14 años, fue la única escultura exhibida por Edgar Degas en una exposición. Actualmente está esculpida en bronce, pero Edgar Degas la esculpió en cera. Unos estudios recientes han demostrado que el «esqueleto» de la escultura no se hizo de alambre, sino de madera de pinceles viejos.

PPPIIIEEERRRRRREEE AAAUUUGGGUUUSSSTTTEEE RRREEENNNOOOIIIRRR (((111888444111 ––– 111999111999))) Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 - 3 de diciembre de 1919), es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él.

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El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, en pinturas creadas directamente "in situ", no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces. En parte por la necesidad de abreviar la ejecución, se recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica. Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet y Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó, como Watteau. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. "El palco", "El columpio", "El Moulin de la Galette", "Le dèjeuner des canotiers", "Bañistas", son sus obras más representativas.

Wikipedia (s.f.)

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Fue un fecundo pintor valenciano que represento en sus obras a la luz sola y calidad de su tierra. En sus lienzos es evidente la preocupación por el dibujo y la composición, lo que hace indiscutible su inclusión por el movimiento impresionista. Empleaba colores claros, generalmente contrastados entre sí. Capta la vibración lumínica del cielo mediterráneo y sus brillos en las arenas, las velas y, sobre todo, en los cuerpos mojados de los niños jugando en la playa. Se pueden incluir entre sus obras fundamentales Paseo a orillas del mar y Niños en la playa.

María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

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El movimiento pictórico denominado impresionismo nació en Paris en 1870 y es de los más importantes y reconocidos de la pintura contemporánea. El origen del nombre está en un cuadro de Monet titulado “Impresion, soleil levant”, la crítica de entonces se burló del nuevo estilo bautizándolo como “impresionista”. El impresionismo tiene muchos puntos innovadores y originales y surgió como diferenciación del realismo, imperante hasta entonces en Francia. Puedes comprobar en los cuadros expuestos las características generales que identifican las obras impresionistas:

Se pinta la apariencia, no la existencia definida, por eso se alcanza la “desmaterialización”. No importan las formas sino el aspecto puntual.

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Se pinta al aire libre para captar lo instantáneo: la luz, los contrastes, lo fugitivo, lo cambiante. Predomina lo impreciso y lo vaporoso. El pintor tiene que trabajar deprisa porque luces y colores al aire libre cambian con rapidez, y no digamos nada de las nubes, la lluvia, la niebla, la nieve, puestas y salidas de sol, etc. En los impresionistas se adivina la hora del día y la estación del año según la luz y la atmósfera. Captar el agua (ríos, arroyos, playas) es la gran conquista de los impresionistas y les fascina puesto que está en cambio permanente.

Técnicamente se emplean pinceladas sueltas de colores puros, que hieren nuestra retina al verlos de cerca pero que, a cierta distancia, componen escenas definidas pues nuestra vista las compone. Si lo contemplas de cerca parecen cuadros emborronados, pero si te alejas, son visiones preciosas en su luminosidad y transparencia. Es la mezcla óptica que resuelve nuestro sentido de la vista. No se usa el negro, ni siquiera en los contornos, se busca el color limpio, puro y vigoroso con pinceladas separadas como si fuera un mosaico. La crítica de la época los puso a caldo, tachándolos de atrevidos y faltos de gusto.

Cossio.net (s.f.)

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Oscar-Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. LLLAAA SSSEEENNNAAA DDDEEE AAARRRGGGEEENNNTTTEEEUUUIIILLL ––– MMMOOONNNEEETTT --- 111888777444

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Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

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Alfred Sisley (París, 30 de octubre de 1839) fue un pintor impresionista franco británico. De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Empieza a pintar como aficionado e ingresa en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille. La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882. Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.

Sisley nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar cómo sus cuadros, que en angustiosos LLLAAA IIINNNUUUNNNDDDAAACCCIIIOOONNN DDDEEE PPPOOORRRTTT MMMAAARRRLLLYYY ––– SSSIIISSSLLLEEEYYY --- 111888777666

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momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.

Wikipedia (s.f.)

CCCAAAMMMIIILLLLLLEEE PPPIIISSSSSSAAARRRRRROOO (((111888333000 ––– 111999111000)))

Mantuvo una estrecha relación con Monet y fue, en cierto modo, consejero y protector de Cézanne. En su pintura emplea colores terrosos que dan consistencias a sus cuadros. Le interesa la representación de la naturaleza. Pasó por una etapa puntillista. Sus principales obras son: Aserrador de madera, Boulevard Montmartre en la tarde, Cosecha de manzanas.

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La revisión del Impresionismo fue protagonizada por otros pintores que solo tienen en común una etapa inicial impresionista y una reacción posterior en contra de esta estética. Para los postimpresionistas no basta con reproducir instantáneamente la realidad; más bien la observan y convierten el color el instrumento básico es su lenguaje pictórico.

María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

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PPPAAAUUULLL CCCEEEZZZAAANNNNNNEEE (((111888333999 ––– 111999000666))) Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven). Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos», subraya su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en evidencia igualmente con su pretensión de «revivir a Poussin del natural» (Vivifier Poussin sur nature). Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada. Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.

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Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica:

Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana como una esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos

proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de vista simultáneamente; Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en grados diferentes. La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la verdad de su propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo izquierdo como el derecho.

Wikipedia (s.f.)

VVVIIINNNCCCEEENNNTTT VVVAAANNN GGGOOOGGGHHH (((111888555333 ––– 111888999000))) Su obra está ligada a su turbulenta biografía; su pintura es la expresión de su fuerza interior. Sus primeras obras estuvieron por la pintura holandesa; desde ahí evoluciono hacia una pintura de características directamente relacionadas con su propia psicología. Sus cuadros tuvieron como tema los autorretratos, los paisajes, retratos de personas que le rodearon y bodegones o naturaleza muerta. Su pinceleda se curva, es corta y vigorosa. Las formas se hacen inestables como reflejo de su vida interior. Entre sus cuadros fundamentales se cuentan: Autorretrato, La noche estrellada, El doctor Gachet, Los girasoles.

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PPPAAAUUULLL GGGAAAUUUGGGUUUIIINNN (((111888444888 ––– 111999000333)))

Es el autor que hizo del color su vehículo de expresión. Logró esta finalidad en Tahití, donde realizo su serie de mujeres Tahitianas. Gauguin empleó el color, en abundantes superficies planas delineadas con negro, de forma tan arbitraria como invertida era la

realidad presentada. Sus obras son exaltación de lo primitivo, lo salvaje, pero con un tono poético. La aceptación de la pintura de Gauguin se fue produciendo a lo largo del siglo XX. Sus obras principales fueron la visión después del sermón, Arearea, Autorretrato, Mujeres de Tahití, El caballo blanco.

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GGGEEEOOORRRGGGEEESSS SSSEEEUUURRRAAATTT (((111888333999 ––– 111888555111)))

Es el creador de lo que llamó Divisionismo o Puntillismo: un movimiento de carácter científico que desea reducir los elementos a lo esencial. Realiza la pintura con base en pequeños puntos de color puro que la retina del espectador mezcla. Dentro del cuadro encontramos diferentes áreas de color. Las figuras adquieren un aspecto geométrico y un carácter estático. Destaca entre sus obras principales Domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte.

PPPAAAUUULLL SSSIIIGGGNNNAAAGGG (((111888666333 ––– 111999333555)))

Siguió fielmente las teorías de Seurat. En sus obras, su pincelada es más grande y redondeada que la de Seurat. Se inclina fundamentalmente por los temas marinos. Una de sus obras principales es Las velas amarillas.

HHHEEENNNRRRIII DDDEEE TTTOOOUUULLLOOOUUUSSSEEE --- LLLAAAUUUTTTRRREEECCC (((111888666444 ––– 111999000111)))

Reflejo en sus obras la vida de cabaret y escenas de circo. Fue el creador del cartel y una gran dibujante, capaz de realizar sus dibujos y apuntes con gran rapidez. Sus obras muy influenciadas por la estampa japonesa, dan la sensación de estar inacabadas. Presenta cierto paralelismo con las figuras de Degas.

Destacan entre sus obras fundamentales Bailando en el Moulin Rouge, Mujer peinándose.

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EEEVVVOOOLLLUUUCCCIIIOOONNN DDDEEE LLLAAASSS AAARRRTTTEEESSS FFFIIIGGGUUURRRAAATTTIIIVVVAAASSS

El arte es el reflejo de las circunstancias materiales, morales, económicas y sociales de su época. El siglo XX representa una ruptura con el pasado histórico y su arte es un esfuerzo de creación plástica basada en los principios revolucionarios. En nuestros días, la civilización y el arte occidentales están en crisis, ya que al elaborar un sistema de compresión de la vida y del mundo, necesitan de un régimen de formas apropiado para representarlo, y este régimen he entrado en una etapa de profundo deterioro. Sin embargo, lo que realmente se ha agotado es la civilización agraria, basada en el cultivo de los suelos, en las formas geométricas inherentes y en el respeto al realismo. A partir del siglo XVIII este sistema se resquebraja. La ciudad constituye al campo y al proletario al campesino. Las monarquías ancestrales se tambalean y del capitalismo se pasa al socialismo. La situación que atraviesa la tierra debido a la industria acelera los

BBBAAAIIILLLAAANNNDDDOOO EEENNN EEELLL MMMOOOUUULLLIIINNN RRROOOUUUGGGEEE ––– TTTOOOUUULLLOOOUUUSSSEEE LLLAAAUUUTTTRRREEECCC --- 111888999000 OOOLLLEEEOOO SSSOOOBBBRRREEE TTTEEELLLAAA --- PPPOOOSSSTTTIIIMMMPPPRRREEESSSIIIOOONNNIIISSSMMMOOO

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descubrimientos técnicos, mientras que la energía y la velocidad se adueñan de la vida. Se prefiere la intensidad a la calidad. La filosofía y la ciencia intentan explicar estos cambios. La nueva realidad repercute en el arte. Se huye de los clásicos por su artificiosidad inherente, se busca lo autentico y lo primitivo, lo oriental y lo africano, incluso en el arte infantil que se supone no contaminado por la civilización. El hombre pretende volver a su impulso original. El desmantelamiento del pasado, no es más que la búsqueda de la verdad en sus fuentes, pero en razón de que se rechazan las definiciones admitidas hasta entonces, se hace necesario plantear otras nuevas. Esta tarea será emprendida por intelectuales y artistas que pretenden llegar hasta el último reducto del arte. Descartes intenta volver al principio y el impresionismo busca la verdad autentica en detrimento de las formas aprendidas. En los primeros el arte es manifestación de la realidad más autentica del hombre, la expresión del sentimiento. Surge así el expresionismo. Pero el descubrimiento del subconsciente mueve a los surrealistas a buscar aquí, como fuente de la vida mental. En los segundos el arte es informal, pues rechazan las formas y las imágenes, no transmiten más que palpitaciones, mientras que el arte abstracto, debido a que prescinde de la naturaleza para reconocer el valor de la forma y el color, busca en la armonía la pureza del arte.

María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

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FFFAAAUUUVVVIIISSSMMMOOO Fauvismo es el estilo de les fauves (francés para "las bestias salvajes"), un grupo de corta duración y suelto de principios del siglo XX los artistas modernos, cuyas obras destacó pictórica cualidades y el color fuerte sobre la representación o realista los valores retenidos por el impresionismo. Mientras que el Fauvismo como un estilo comenzó alrededor de 1900 y continuó más allá de 1910, el movimiento como tal, duró sólo unos pocos años, 1904-1908, y tuvo tres exposiciones. Los líderes del movimiento fueron Henri Matisse y André Derain .

AAARRRTTTIIISSSTTTAAASSS YYY EEESSSTTTIIILLLOOO Además de Matisse y Derain, otros artistas incluidos Albert Marquet , Camoin Charles , Louis Valtat , el pintor belga Henri Evenepoel , Marinot Maurice , Jean Puy , Maurice de Vlaminck , Henri Manguin , Raoul Dufy , Othon Friesz , Georges Rouault , el pintor holandés Kees van Dongen , pintor suizo Alice Bailly , y Georges Braque (posteriormente compañero de Picasso en el cubismo ). Las pinturas de los fauvistas se caracteriza por el trabajo de pincel, aparentemente salvaje y colores estridentes, mientras que su tema había un alto grado de simplificación y abstracción. Fauvismo puede ser clasificado como un desarrollo extremo de Van Gogh 's post-impresionismo fusionado con el puntillismo de Seurat y otros neo-impresionistas los pintores, en particular Paul Signac. Otras influencias principales fueron Paul Cézanne y Paul Gauguin, cuyo empleo de zonas de color saturado-en especial en las pinturas de Tahití-fuertemente influenciado el trabajo de Derain en Colliure en 1905. En 1888, Gauguin había dicho a Paul Sérusier:

¿Cómo ve usted esos árboles? Ellos son de color amarillo. Por lo tanto, pone en amarillo, esta sombra, más bien azul, pintar con pura ultramar; estas hojas rojas? Poner en bermellón. "

Fauvismo también puede ser visto como una forma de expresionismo.

OOORRRIIIGGGEEENNNEEESSS Gustave Moreau fue el maestro inspirador del movimiento, un profesor de polémica en la École des Beaux-Arts en París y un pintor simbolista, fue profesor de Matisse, Marquet, Manguin, Rouault y Camoin durante la década de 1890, y fue visto por los críticos como el líder filosófico del grupo hasta que Matisse fue reconocido como tal en 1904. Moreau

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amplitud de criterio, la originalidad y la afirmación de la potencia expresiva del color puro fue una inspiración para sus alumnos. Matisse dijo de él: "No nos hizo en las carreteras bien, pero fuera de las carreteras. El perturbado nuestra complacencia. “Esta fuente de la empatía se lo llevaron a la muerte de Moreau en 1898, pero los artistas descubrieron otros catalizadores para su desarrollo. En 1896, Matisse, entonces un estudiante de arte desconocido, visitó al artista John Peter Russell en la isla de Belle-Île de Bretaña. Russell fue un impresionista pintor, Matisse nunca había visto una obra impresionista directamente, y se sorprendió por lo menos el estilo que se fue después de diez días, diciendo: "No podía soportarlo más." Al año siguiente regresó como estudiante de Russell y abandonó su tierra de color de la paleta de colores brillantes impresionista, más tarde diciendo: "Russell fue mi maestro, y Russell explicó la teoría del color para mí. " Russell había sido muy amigo de Vincent van Gogh y Matisse dio un dibujo de Van Gogh. En 1901, Maurice de Vlaminck encontró con la obra de Van Gogh por primera vez en una exposición, declaró poco después de que él amaba a Van Gogh más que su propio padre; Comenzó a trabajar por exprimir la pintura directamente sobre el lienzo de la sonda.

En paralelo con el descubrimiento de los artistas contemporáneos de arte de vanguardia fue la apreciación del pre- Renacimiento, arte francés, que fue mostrado en una exposición de 1904, primitivos franceses. Otro de alimentación estética en su trabajo fue la escultura africana, que Vlaminck, Derain y Matisse fueron primeros coleccionistas de. Muchas de las características Fauve primera cohesionado en Matisse pintura 's, luxe, calme et Volupté ("Lujo, calma y voluptuosidad"), que pintó en el verano de 1904, mientras que en Saint-Tropez con Paul Signac y Henri-Edmond de la Cruz.

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Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su carrera se le identificó con el Fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.

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El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal

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e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial

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del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior. El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvistas (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.

EEEDDDVVVAAARRRDDD MMMUUUNNNCCCHHH Edvard Munch, fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán

de comienzos del siglo XX. Sus obras son como variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana.

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El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego.

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Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, Alemania, 6 de mayo de 1880 - Frauenkirch en Suiza, 15 de junio de 1938), pintor expresionista. Fue uno de los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde que fundaron el grupo expresionista Die Brücke en 1905. Se interesó mucho por el grabado sobre madera. Kirchner cultiva formas angulosas que pueden estar inspiradas en la descomposición cubista o en el diseño normal de los grabados xilográficos.

Cartel para una exposición de Die Brücke (1910) Danza negra (h. 1911) La torre roja en Halle (1915) La calle (1908-19, posiblemente de 1913). Neben der Heerstrasse, serie de ilustraciones para el libro del mismo nombre de

Jakob Bosshart. Se publicó en 1923.

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Georges Henri Rouault (París, 27 de mayo de 1871 – 13 de febrero de 1958) fue un pintor francés fauvistas y expresionista. Trabajó además la litografía y el aguafuerte. En 1907, Rouault comenzó una serie de cuadros dedicados a tribunales, payasos y prostitutas. Estas pinturas se interpretan en clave de crítica social y moral. Le atrajo el espiritualismo y el existencialismo dramático del filósofo Jacques Maritain, quien fue un amigo cercano durante el resto de su vida. Después de esto, se dedicó a los temas

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religiosos. La naturaleza humana centró siempre su interés. Rouault dijo: «Un árbol contra el cielo posee el mismo interés, el mismo carácter, la misma expresión que la figura de un ser humano.» En 1910, Rouault vio por primera vez expuestas sus obras en la Galería Druet. Sus obras fueron estudiadas por los artistas alemanes de Dresde, que posteriormente formarían el núcleo del expresionismo. Desde 1917, Rouault se dedicó a la pintura. Buscó inspiración en los temas religiosos: primero de todo, en el tema de la pasión de Cristo. La faz de Jesús y los lamentos de las mujeres a los pies de la cruz son símbolos del dolor del mundo que para Rouault quedaba aliviado por la creencia en la resurrección. En 1930 comenzó a exponer en el extranjero, principalmente en Londres, Nueva York y Chicago. Al final de su vida quemó unos trescientos de sus cuadros, que actualmente valdrían quinientos millones de francos. Rouault murió en París en 1958.

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Wassily Kandinski, fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica. El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas. Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto. En de lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y

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Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma. En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921. A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinski desarrolla un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo está la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propicio la salida de Kandinski de Rusia. En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando el Tercer Reich clausura la institución. Desde 1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad, en Neuilly-sur-Seine (Francia).

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El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

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El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.

Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.

La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal.

Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el Fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

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PPPAAABBBLLLOOO PPPIIICCCAAASSSSSSOOO (((111888888111 ––– 111999777333))) Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando, pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra de El Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX. Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno. Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Terra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera. Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona, donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas.

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En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista. En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida. En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901. También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el

20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.

Wikipedia (s.f.)

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Los diferentes caminos abiertos por las primeras vanguardias afectaron, fundamentalmente en la pintura y escultura, a la propia especificidad del lenguaje artístico y dieron origen a un nuevo modo de percepción de los objetos que modificaría las relaciones entre estos y el espectador, y entre la obra y el artista. Esa intromisión de los hábitos convencionales de la percepción no tarda, en una Europa sometida a continuas convulsiones sociales, políticas y económicas, en formular un sueño, una utopía de intervención y guía de esos procesos externos al propio lenguaje artístico. La vocación política de la vanguardia artística ocasiono numerosas contradicciones, pero permitió la apertura de nuevas vías de investigación en las que los problemas formales intentaban proporcionar la nueva imagen de los procesos productivos y sociales. La necesidad de hacer evidente esa relación dialéctica entre vanguardia artística y la política hizo aparecer en escena una cantidad enorme de manifiestos y proclamas que, convertidos en un nuevo género, nos ayudaron a conocer mejor el sentido de las criticas figurativas y formales así como su capacidad y compromiso con una transformación del mundo que se veía íntimamente unida al mismo fenómeno en el campo visual.

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La crítica de las vanguardias, entre 1910 y 1930, se hizo desde planteamientos radicales, provocadores o comprometedores. Después de la segunda guerra mundial el arte se ha visto obligado, por un lado, a mantener un intenso e inquietante debate con la tradición reciente de las vanguardias, con su compleja herencia figurativa y, por otra parte, a abrir nuevas experiencias que, a veces estaban planteadas polémicamente con esa tradición. Volver a plantear el verdadero sentido disciplinario e histórico del arte y de la arquitectura suponía iniciar una nueva lectura del pasado sin olvidar las experiencias de unas vanguardias que modificaron tan radicalmente el propio concepto de lo artístico. Por otra parte, las numerosas y diferente imágenes y lenguajes legados por esa tradición han servido como fuente de estímulo para nuevas alternativas.

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Uno de los momentos de las vanguardias es sin duda el dadaísmo. En 1920 Picabia escribió “Dadá tiene la mirada azul; su rostro es pálido, sus cabellos rizados; tiene el aspecto de los jóvenes deportistas ingleses…” Dadá, significaba una nueva opción artística, es un estado de ánimo. Como otros grupos de vanguardias se enfrentaban radicalmente con la historia y con el arte del pasado, pero también lo hacían con el futurismo, el cubismo o el expresionismo. Su objetivo final era la destrucción del arte, no para proponer un nuevo código artístico sino para construir una categoría única: antiarte. No intentaban hacer arte, lo negaban todo, pero nos quedan objetos hechos por dadaístas y numerosos textos y crónicas de sus actividades. Dadá surgió simultáneamente, y sin ningún contacto, en Zurci y New Yorx, en 1916. Y aunque no asume ninguna de las aportaciones de las vanguardias, existen algunos antecedentes aislados como los “románticos malditos” o algunos planteamientos de artistas que entendían el arte como campo autónomo de la historia de la vida.

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En 1913, Marcel Duchamp había construido su primer readymade, una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete: la ironía no podía ser más elocuente al ofrecer como arte una arbitraria manipulación de objetos cotidianos. La obscenidad, la provocación, el escándalo, la ironía y la destrucción se presentaban intencionada e incoherentemente en su crítica negativa de la burguesía, de la guerra, del arte, de las convenciones. Con el traslado de algunos de sus protagonistas a Francia y Alemania, después de la guerra, se extiende Dadá a los focos más importantes de la vanguardia. En 1917, en la Great Central Gallery, los dadaístas americanos y europeos del grupo de New York organizan una escandalosa exposición en la que Duchamp presenta su famosa fuente, un urinario firmado con el seudónimo de Mutt.

La absoluta falta de todo y su demoledora crítica a cualquier tipo de género artístico produjo, sin embargo, una innumerable sucesión de objetos extraños, de comportamientos difíciles de transmitir y de contactos dispares con técnicas insólitas e imágenes críticas. Bajo una actitud común comienzan a aparecer posiciones ideológicas diferentes, sobre todo en los grupos dadaístas alemanes, en los que la crítica se extiende y se articula con los movimientos revolucionarios. Los distintos grupos dadaístas tuvieron una vida efímera, aunque la riqueza de sus propuestas y su consciente renuncia a la existencia de cualquier principio habrían de tener una enorme influencia en todo el arte del siglo XX, hasta el punto de que sus objetos inútiles se convertirían en piezas de museo o en un motivo de meditación estética para muchas tendencias posteriores. Es decir, todo lo contrario de lo que pretendían sus fundadores.

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El grupo Holandés De Stijl – el estilo- plantea, con una actitud radical, algunos de los problemas más debatidos por las vanguardias historias: la relación del arte con la historia; su disolución en la ciudad; la negación de la naturaleza, de la expresión y de la tragedia; el equilibrio compositivo basado en el elementos asimétricos y disonantes; la instauración de un nuevo código de arte que se pareció en ocasiones a la lógica matemática. El procedimiento utilizado consistía, en términos generales, en estudiar las posibilidades combinatorias de la línea recta y los colores puros. Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista. Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios. Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.

CCCAAARRRAAACCCTTTEEERRRÍÍÍSSSTTTIIICCCAAASSS::: Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental. Formas geométricas regulares y con ángulos rectos Uso de pocos colores: los puros (amarillo, rojo, azul) , y los neutros (blanco y

negro) Nunca se recurre a la simetría Aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las

formas y los colores. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente) Actuación por medios plásticos "puros" (colores y líneas) con los que se pretende

mayor claridad y precisión.

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La consecuencia en un arte puro, neoplásico, y la negación de la historia, del pasado y de cualquier sentimiento trágico, constituyen las bases para iniciar una producción cuyo último fin era conseguir el equilibrio universal y la individualidad: el arte y la vida ya no serán contradictorios, hasta el punto que en el futuro no podrán distinguirse.

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Durante la Segunda guerra Mundial y en los años posteriores son numerosos los artistas que se desplazan a Estados Unidos. New York se convierte en el centro más importante del nuevo arte de vanguardia y los jóvenes artistas de ese país no tardan en dar un nuevo sentido a la herencia directa que reciben de los maestros europeos. La tradición expresionista, la abstracción poscubista y el automatismo psíquico surrealista se convierten en elementos básicos a partir de los cuales se deberá iniciar un nuevo camino. En todo caso, la tradición europea es despojada de cualquier implicación de contenidos: el gesto expresionista de estos pintores ya solo nos habla del propio artista, el

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automatismo no propone una iconografía del sueño o del delirio sino del mismo acto de pintar como elección psíquica del artista. Este movimiento denominado expresionismo abstracto tuvo su inicial formación en pintores como Arshile Gorky y Willem de Kooning, que sirvieron de engarce entre la pintura europea y las propuestas más radicales de otros artistas. La primacía del color, del gesto, de la acción y a utilización cada vez más frecuente de grandes lienzos eran características del expresionismo abstracto que muy pronto serian modificadas por la abstracción cromática de Barnet Newman, Mark Rothko o Ad Reinhardt. Estos pintores eliminan la textura, la materialidad de la pintura, los gestos, para reducir las obras a grandes superficies con dos otros colores que hablan solo del espacio del lienzo. Este cromatismo puro, en el que las pinceladas aparecen para marcar alguna orientación en la superficie se radicalizaría, durante los años sesenta, para tomar únicamente en cuenta el soporte, el color y el campo visual que define. Las pinceladas se aplican de tal forma que borran su rastro con tal de conseguir una superficie plana, pura, sin espacio y no fotografiable, lo que explica sus obras monocromas en negro. Una última consecuencia de esta abstracción pospictorica, tan fría, tan excesivamente centrada en las relaciones entre el formato del lienzo, su superficie y el color, serian la exploración de formatos no rectangulares para el cuadro, con lo que todo el proceso de negación histórica de la pintura llegaría incluso a la forma del lienzo.

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Esta exposición encontraría una salida en el Minimal Art o Estructuras primarias; el afán de neutralidad y la negación absoluta del ilusionismo, la búsqueda de la mínima complejidad y el máximo orden, llevarían a la elaboración de objetos puros en los que fundamental era la idea. Escultura y pintura parecen coincidir en sus propósitos. La nueva abstracción recibió el nombre de informalismo, aunque este término engloba opciones distintas, unas marcadas por un acentuado lirismo en los colores utilizados, otras por una apasionada defensa del gesto y de la acción y otras volcadas en el empleo de la materia como origen de la composición e introduciendo contenidos simbólicos y críticos. Paralelamente, a lo largo de los años sesenta, tanto en Estados Unidos como en Europa, se asiste a un progresivo auge de las tendencias concretas y constructivistas, si bien despojadas, aunque no en todos los casos, del proyecto ideológico que les acompañaba en el periodo histórico de las vanguardias. Volver a proporcionar un orden perceptivo

basado en las leyes combinatorias del color y de la forma era la finalidad de Op Art practicado por Victor Vasarely o Julio Le Parc. La Introducción de espacios con objetos tridimensionales que abandonan el espacio del cuadro y se construyen con materiales, maquinas musicales o tubos de neon serán características del arte

cinético

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No solo como reacción sino como consecuencia de la hegemonía de las tendencias abstractas, tanto en Europa como en Estados Unidos aparecen diferentes movimientos que recuperan las imágenes e inician un nuevo dialogo con los objetos ya producidos por la sociedad de consumo. En el mismo marco del expresionismo abstracto del expresionismo abstracto y del informalismo surgen obras que recuperan imágenes en las que la poética del gesto

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permite la aparición de figuras atormentadas y deformadas por la propia pintura. Sin embargo, esas referencias no definen un nuevo espacio sino que colaboran eficazmente en la composición del cuadro. Aunque los matices que diferencian a los artistas que realizan este tipo de obras son importantes, no cabe duda de que con esas imágenes la pintura crea nuevos elementos dramáticos que establecen un nuevo tipo de relación con el espectador. Entre los pintores que han cultivado esta opción se destacan Antonio Saura, Jean Dubuffet, Jean Feautrier, Karen Appel, Asier Jorn o Pierre Alechinsky.

FFFAAARRRIIIBBBOOOLLLEEE EEETTT PPPEEERRRCCCEEEVVVAAALLL EEENNN EEELLL KKKEEENNNTTTUUUCCCKKKYYY CCCEEENNNTTTEEERRR,,, DDDUUUBBBUUUFFFFFFEEETTT... El problema de la incorporación de las imágenes a la pintura no podía hacerse, sin embargo, sin renunciar a las revoluciones sobre el concepto de arte llevadas a cabo por las vanguardias. A pesar de todo, no han faltado pintores y teóricos que han visto en este fenómeno la oportunidad de criticar la tradición moderna, considerando inevitable que la pintura debía volver a representar acontecimientos. El artista expresa así sus miedos, angustias e ironías a través del nuevo protagonismo. Estos fenómenos también han servido, utilizando aportaciones compositivas, figurativas y espaciales de las vanguardias, para formular un realismo critico de contenido político y social.

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La nueva valoración de imágenes y de los objetos de la sociedad de consumo no solo ofrecía posibilidades a la pintura a través de la representación, sino que tomados como datos físicos podían iniciar una relación distinta con la realidad. De este modo, recuperando el principio del collage, vemos algunos pintores vinculados al expresionismo abstracto incorporar objetos cotidianos a sus cuadros, como en el caso de Jasper Johns, o convirtiendo esos objetos en obras de arte como ocurre en la conocida Cama, realizada por Robert Rauschenberg en 1955, colgada y mancha de color.

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Italia es el pais donde esta corriente se desarrollo. El teorico, y el alma, de este movimiento fue el poeta italiano marinetti.

En sus escritos o manifiestos, a los era muy aficionado, recalca su interes por la velocidad. La necesidad de dotar a sus figuras de movimiento lo fuerza a representarlas con varias cabezas. Otro de los autores mas representativos del futurismo de giacono balla. La pintura metafisica, por su parte, cuenta con una figura excepcional: giorgio de chirico. HHHEEECCCTTTOOORRR YYY AAANNNDDDRRROOOMMMAAACCCAAA,,, CCCHHHIIIRRRIIINNNOOO,,, 111999111777

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SSSuuurrrrrreeeaaallliiisssmmmooo

La pintura surrelaista salta a la escena en 1925, determinada principalmente por el incosciente. En esta corriente jugo un papel importante la figura del loco y el salvaje; el espiritismo o el sonambulismo. Se dan dos corrientes: el subrrealismo abstracto y el surrealismo figurativo.

JJJoooaaannn MMMiiirrróóó Es uno de los representantes de la primera corriente. Posee una visión fantástica del mundo que se transforma en formas naturales. Sus colores son vivos y luminosos, llenos de ingenuidad infantil. Los elementos propios son el punto, la línea y la estrella. Los cuadros responden a esquemas planificados y ordenados, aunque a primera vista no lo parezcan.

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Se alineo al grupo de los surrealistas figurativos a partis de 1929. Su obra se caracteriszo por las asociaciones insolitas entre los elementos del cuadro. Sus formas crean una atmosfera onírica y delirante. Su colorido es brillante y luminoso, y representa los objetos con un realismo casi fotográfico.

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LLLaaa AAAbbbssstttrrraaacccccciiióóónnn

El arte abstracto prescinde de todos los elementos figurativos. Sus representaciones se basan en formas llenas de color que nada tienen que ver con la realidad. Están ausentes la figuras humanas, los paisajes, y todo elemento convencional; solo se presentan combinaciones de colores que expresan un lenguaje sin formas, lo mismo que ocurre con la música. Dentro de esta corriente encontramos figuras como Kabdisky y Klee.

PPPaaauuulll KKKllleeeeee Fue una figura ligada la Bauhaus, escuela que jugó un papel también muy importante en la pintura. Junto con Kandinky, Fiening y Jawlensky formaron el grupo llamado El Jinete Azul. Su pintura se encuentra entre el arte abstracto y el figurativo. Tiene una gran ingenuidad, infantilidad y misterio en sus obras. El color se ordena libremente siguiendo los impulsos de la creación.

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El arte abstracto prescinde de todos los elementos figurativos. Sus representaciones se basan en formas llenas de color que nada tienen que ver con la realidad. Están ausentes la figuras humanas, los paisajes, y todo elemento convencional; solo se presentan combinaciones de colores que expresan un lenguaje sin formas, lo mismo que ocurre con la música. Dentro de esta corriente encontramos figuras como Kabdisky y Klee.

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Se desarrollo en los años sesenta y represento el lenguaje de la sociedad de consumo. Su denominación es la abreviatura del llamado Arte Popular. Arte propio de la sociedad urbana, su lenguaje se nutre de la publicidad y se aleja de la naturaleza. Inicialmente, utilizo imágenes conocidas con el fin de mostrar una postura critica hacia la sociedad del consumo. Campbell´s Soup Can I", 1968. Andy Warhol

MMMAAARRRIIILLLYYYNNN MMMOOONNNRRROOOEEE PPPOOORRR AAANNNDDDYYY WWWAAARRRHHHOOOLLL

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LLLaaa AAAbbbssstttrrraaacccccciiióóónnn eeennn lllaaa EEEssscccuuullltttuuurrraaa

A medida que avanzó el siglo XX se dio una serie de cambios en las artes plásticas: 1. Las obras se vacían; es decir aparece el hueco. Como representante de esta

tendencia tenemos a Pablo Gargallo.

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2. Se procede a la deformación para encontrar nuevas posibilidades. Esta fue la

práctica de Henry Moore.

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3. La escultura se funde con el espacio, conteniendo un todo. Sus representantes más destacados son los hermanos Antonie Pevsner.

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4. Las formas se convierten en atracción pura, como en el caso de Eduardo Chillida.

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5. La representación del movimiento con las llamadas esculturas maquinas, practicando fundamentalmente por Claes Oldenburg.

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María del Rosario Farga y María José Fernández. (2008)

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CONCLUSIONES En el siglo XIX aparece el Romanticismo en el más amplio sentido, con su gusto por lo pintoresco, lo

anecdótico y lo legendario. La definitiva preponderancia de la burguesía y el desarrollo de una conciencia crítica llevo a los

artistas a interesarse por la realidad. Así, como al Romanticismo surgió el Realismo. El Realismo: frente al deseo de evasión del Romanticismo, aparece este movimiento pictórico que se

reafirma en la realidad. Presenta las siguientes particularidades: Es una pintura influida por la fotografía. Los artistas toman conciencia de los problemas sociales derivados de la industrialización y del

desencanto debido a los frascos revolucionarios. Los protagonistas de los cuadros son personas comunes y corrientes: campesinos, obreros. Francia es el país que mejor representa este movimiento.

El Impresionismo es uno de los movimientos pictóricos más interesantes de la historia del arte, pues reivindica la autonomía del lenguaje artístico y la destrucción de los convencionalismos académicos. A través de la pintura impresionista podemos estudiar la transformación de la imagen artística tradicional. Entre sus antecedentes es posible mencionar a: Los pintores de la escuela veneciana Rembrandt. Velázquez. Goya. Los paisajistas ingleses, como Turner y Constable.

Arte del siglo XX, al igual que el resto de facetas de la sociedad humana de este siglo, experimentó una evolución continua con movimientos artísticos que se sucedían de forma rápida. El arte del siglo XX

Por otro lado, a los artistas de este siglo no les interesaba reflejar fielmente la realidad, sino representarla e interpretarla de una forma personal y subjetiva. El arte del siglo XX

Otra característica del arte de este siglo es el compromiso social y político de muchos de los artistas que utilizaban sus obras para denunciar situaciones injustas, guerras... o bien para ponerse de parte de una determinada posición política. El arte del siglo XX.

Pablo Picasso es el pintor más importante del siglo XX en el mundo. A lo largo de su vida pasó por diferentes épocas y estilos de pintura. Veamos algunas: La pintura del siglo XX

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GLOSARIO ABANDERA: Defender o ponerse al frente de una causa, movimiento u organización.

DADAISMO: Movimiento artístico o literario, que nació en 1916, basado en lo absurdo, lo

irracional y lo espontaneo, eliminando la relación entre el pensamiento y la expresión.

PROPUGNADO: Defender o apoya una postura o idea por creerse conveniente.

CULTURA BIERDEMEIER: El Biedermeir es el nombre de un gusto, de una literatura, de una corriente figurativa y de un estilo ornamental que se desarrollan en la época de la Restauración en el Imperio austríaco y el resto de Europa Central.

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Pintura_del_realismo