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HISTORIA DE LA

ARQUITECTURA 2 VALENCIA, JULIO DEL 2015

Alumna: Rosa Bocaney

C.I: 20.697.562

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CONTENIDO

Estilo Renacentista pág. 3

Estilo Manierista pág. 10

Estilo Barroco pág. 14

Estilo Neoclásico pág. 18

3

RENACIOMIENTO

El renacimiento tuvo su origen en Italia

en los siglos XIV y XV, llegando a su

apogeo al iniciarse el siglo XVI. De

Italia se extiende lentamente por

Europa excepto Rusia. A lo largo de los

cincuenta años que van desde 1520 a

1570, discurre la madura plenitud del

Renacimiento y también se percibe un

ocaso. Toda la Europa Occidental toma

ahora parte de los movimientos de las

artes y de las letras. La recepción de

los gustos Italianos se generaliza, los

grandes maestros surgen ya no solo en

Italia, sino en todo el ámbito de

monarquías occidentales.

Pero el desarrollo normal de la cultura

renacentista se ve afectada por el

hecho simultáneo de las luchas

religiosas derivadas de la revolución

protestante. Así, en Alemania, se corto

el brote renacentista, al igual que en

Francia con las guerras civiles de la

segunda mitad de quinientos. Además

en los países adheridos a las

confesiones protestante, el credo

iconoclasta de los nuevos evangelios

suprimió la ocasión de ejercitar el

mecenazgo eclesiástico, y al menos en

la pintura y la escultura, suprimió la

temática abundante de los motivos

iconográficos, con la rara salvedad de

los temas bíblicos.

4

RENACIMIENTO

Se denomina renacimiento al

movimiento cultural q surge en

Europa en el siglo XIV, y que se

muestra como característica

esencial de su admiración por la

antigüedad grecorromana. Este

entusiasmo, que considera las

culturas clásicas como la realización

suprema de un ideal de perfección,

se propone la limitación en todos los

órdenes, lo que explica el calificativo

de Renacimiento pues en verdad,

se trataba de renacer, de un volver

a dar vida a los ideales que habían

inspirado aquellos pueblos.

El renacimiento, desde luego no fue

una simple exhumación de las artes

antiguas. El interés por el arte

grecorromano fue una

consecuencia. En principio, se

aspiro a una renovación en todas

las parcelas de la cultura humana,

filosofía, ética, moral, ciencia, etc.…

encaminadas a la hechura de un

hombre que fuera comprendido y

resumen de todas las perfecciones

físicas e intelectuales.

El hombre integral, el genio múltiple,

en el que se concilian todas las

ramas del saber en una actitud

fecunda, fue la gran creación del

Renacimiento que cristalizo en

figuras como mantienen vivas la

admiración a través de los tiempos,

como un Leonardo da Vinci, un

Miguel Angol, Un Rafael.

La Mona Lisa

Leonardo da Vinci

5

ARQUITECTURA

RENACENTISTA

Es aquella diseñada y construida

durante el período artístico del

Renacimiento europeo, que abarcó

los siglos XV y XVI. Se caracteriza

por ser un momento de ruptura en la

Historia de la Arquitectura, en

especial con respecto al estilo

arquitectónico previo: el Gótico;

mientras que, por el contrario, busca

su inspiración en una interpretación

propia del Arte clásico, en particular

en su vertiente arquitectónica, que

se consideraba modelo perfecto de

las Bellas Artes. Produjo

innovaciones en diferentes esferas:

tanto en los medios de producción

(técnicas de construcción y

materiales constructivos) como en el

lenguaje arquitectónico, que se

plasmaron en una adecuada y

completa teorización.

Otra de las notas que caracteriza

este movimiento es la nueva actitud

de los arquitectos, que pasaron del

anonimato del artesano a una nueva

concepción de la profesionalidad,

marcando en cada obra su estilo

personal: se consideraban a sí

mismos, y acabaron por conseguir

esa consideración social, como

artistas interdisciplinares y

humanistas, como correspondía a la

concepción integral del humanismo

renacentista. Conocemos poco de

los maestros de obras románicos y

de los atrevidos arquitectos de las

grandes catedrales góticas;

mientras que no sólo las grandes

obras renacentistas, sino muchos

pequeños edificios o incluso meros

proyectos, fueron cuidadosamente

documentados desde sus orígenes,

y objeto del estudio de tratadistas

contemporáneos.

6

ARQUITECTURA

RENACENTISTA

La Arquitectura del Renacimiento se

caracterizó por el empleo de

proporciones modulares, de cúpulas

colosales, hechas de conchas con

aristas, con tambores de ventanas

redondas, y linternas que cubren la

apertura del domo inspirado del

panteón romano.

Reaparece el arco de medio punto,

las bóvedas de canon y de aristas.

Aparecen las columnas adosadas

con capiteles clásicos, los fustes

lisos, los pilares cuadrados

decorados, los techos artesonados.

En exterior, los edificios están

frecuentemente coronados por una

balaustrada y sobre ésta se colocan

estatuas.

Las fachadas, inicialmente son

austeras, mas se puede observar el

dibujo de las piedras que subraya

las dovelas y les da continuidad.

Las ventanas están divididas por un

parteluz de piedra, terminadas por

un frontón encerrado en un arco

ciego decorativo. Se usa piedra

blanca (mármol) o gris claro. Hay

armonía y buen uso de elementos.

La línea ascendente, expresiva de

la espiritualidad medieval es

sustituida por el equilibrio de

verticales y horizontales.

Cúpula Colonial

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ARQUITECTURA

RENACENTISTA EN

ESPAÑA

La arquitectura renacentista

española pasó por tres fases. La

primera es la del estilo plateresco y

se puede considerar como una

combinación de elementos del

mudéjar y del gótico. El plateresco

se caracteriza por edificios cuyas

fachadas están ricamente

decoradas con adornos

almohadillados, medallones,

escudos, columnas con capiteles

corintios y pilastras decoradas con

insectos, hojas, etc.

La "Casa de las Conchas"

Salamanca, siglo XV

La segunda fase de la arquitectura

renacentista española pertenece al

Renacimiento pleno y se inició en la

segunda mitad del siglo XVI. Al

contrario del plateresco, el estilo

"purista" de este segundo periodo

se caracteriza por el uso de algunos

elementos concretos, inspirados en

la antigüedad -- como los arcos de

medio punto y las columnas lisas,

los almohadillados en los muros y

por una austera decoración que se

limita a las puertas y las ventanas,

lo que da a estos edificios un

aspecto más armónico y

equilibrado.

La tercera fase de la arquitectura

renacentista se conoce como el

estilo herreriano por su mayor

exponente, Juan de Herrera o

escurialense por el edificio

emblemático de este periodo: El

monasterio de El Escorial. El estilo

se caracteriza por la simetría y la

repetición de formas y motivos.

También predominan los elementos

constructivos, líneas rectas,

volúmenes cúbicos, formas

geométricas simples y la ausencia

de decoración

8

PINTURA

RENACENTISTA

La pintura renacentista abarca el

período de la historia del arte europeo

entre el arte de la Edad Media y el

barroco.

Como todo el arte del Renacimiento, la

pintura de esta época está relacionada

con la idea de volver a la antigüedad

clásica, el impacto que tuvo el

humanismo sobre artistas y sus

patronos, gracias a la adquisición de

nuevas sensibilidades y técnicas

artísticas.

Tiziano, Amor sagrado y amor profano, h. 1513-1514.

Se considera a Italia la cuna de la

pintura renacentista al confluir allí las

nuevas técnicas (como el

descubrimiento de la perspectiva) con

una nueva ideología humanista. Allí se

conservaban a la vista los monumentos

de la Antigüedad a la que se quería

hacer renacer, buscando modelos de

armonía y belleza.

Se fue perfeccionando a lo largo del

siglo XV en las ciudades-estado

italianas, comenzando por Florencia,

bajo el mecenazgo de los Médici. Este

papel de defensores de las artes que

rivalizaban entre sí por dar más brillo a

sus estados, fue desempeñado por los

Montefeltro en Urbino, los Sforza y los

Visconti en Milán, los Gonzaga en

Mantua y los Este en Ferrara. En Roma

fueron los papas quienes llamaron a los

distintos artistas de la época para

trabajar en los palacios papales.

Hay una serie de características que

distinguen la pintura renacentista de su

inmediata antecesora, la pintura

medieval.

Evocación de lo antiguo, cuya belleza

idealizada pretendían tomar como

ejemplo.

Observación viva de la naturaleza. Los

cuadros se sitúan en paisajes naturales

que se intentan recrear con fidelidad, o

en marcos arquitectónicos, en los que

columnas, frontones, palacios y

templos sirven de excusa a alardes de

perspectiva.

La figura humana se convierte en

centro y medida de todas las cosas. El

estudio de la anatomía, incluso la

realización de autopsias, ayuda a los

artistas a comprender la realidad del

cuerpo humano y sus mecanismos de

movimiento, de manera que lo

representan de forma más realista pero

normalmente, idealizada.

Los efectos de luces y sombras como

el claroscuro o la grisalla. De ahí

técnicas nuevas como el esfumado

(efecto brumoso, técnica en la que

destacó Leonardo da Vinci).

9

ESCULTURA

RENACENTISTA

La escultura del Renacimiento se

entiende como un proceso de

procuración de la escultura de la

Antigüedad clásica. Los escultores

encontraron en los restos artísticos y

en los descubrimientos de yacimientos

de esa época pasada la inspiración

perfecta para sus obras. También se

inspiraron en la naturaleza. En este

contexto hay que tener en cuenta la

excepción de los artistas flamencos en

el norte de Europa, los cuales además

de superar el estilo figurativo del gótico

promovieron un Renacimiento ajeno al

italiano, sobre todo en el apartado de la

pintura. El renacer a la antigüedad con

el abandono de lo medieval, que para

Giorgio Vasari «había sido un mundo

propio de godos, y el reconocimiento

de los clásicos con todas sus variantes

y matices fue un fenómeno casi

exclusivamente desarrollado en Italia.

El arte del Renacimiento logró

interpretar la Naturaleza y traducirla

con libertad y con conocimiento en gran

multitud de obras maestras.

Piedad del Vaticano, obra del Renacimiento de Miguel.

La escultura en el Renacimiento tomó

como base y modelo las obras de la

antigüedad clásica y su mitología, con

una nueva visión del pensamiento

humanista y de la función de la

escultura en el arte. Como en la

escultura griega, se buscó la

representación naturalista del cuerpo

humano desnudo con una técnica muy

perfeccionada, gracias al estudio

meticuloso de la anatomía humana. En

Italia convivieron por igual los temas

profanos con los religiosos; no así en

otros países como España y Alemania,

donde prevaleció el tema religioso.4

El cuerpo humano representó la

Belleza absoluta, cuya correspondencia

matemática entre las partes se

encontraba bien definida, y el

contrapozo fue utilizado

constantemente desde Donatello a

Miguel Ángel. En esta época es cuando

se dio prácticamente la liberación de la

escultura del marco arquitectónico, los

relieves se realizaron con las reglas de

la perspectiva y se mostraban a los

personajes con expresiones de

dramatismo que llevaban a la

sensación de gran terribilidad en los

sentimientos expuestos en las

esculturas de Miguel Ángel, como en el

rostro de su David.

10

MANIERISMO

Manierismo es la denominación

historiográfica del periodo y estilo

artístico que se sitúa

convencionalmente en las décadas

centrales y finales del siglo XVI

(Cinquecento en italiano), como parte

última del Renacimiento (es decir, un

Bajo Renacimiento).

Su caracterización es problemática,

pues aunque inicialmente se definió

como la imitación de la maniera de los

grandes maestros del Alto

Renacimiento (por ejemplo, el propio

Tintoretto pretendía dibujar como

Miguel Ángel y colorear como Tiziano),

posteriormente se entendió como una

reacción contra el ideal de belleza

clasicista y una complicación

laberíntica tanto en lo formal (línea

serpentinata, anamorfosis, exageración

de los movimientos, los escorzos, las

texturas, los almohadillados, alteración

del orden en los elementos

arquitectónicos) como en lo conceptual

(Forzando el decorado y el equilibrio

alto-renacentistas, una "violación de la

figura"), que prefigura el "exceso"

característico del Barroco. Por otro

lado, también se identifica el

Manierismo con un arte intelectualizado

y elitista, opuesto al Barroco, que será

un arte sensorial y popular.

Considerado como una mera

prolongación del genio creativo de los

grandes genios del Alto Renacimiento

(Leonardo, Rafael, Miguel Ángel,

Tiziano) por sus epígonos (como los

leonardeschi), el Manierismo fue

generalmente minusvalorado por la

crítica y la historiografía del arte como

un estilo extravagante, decadente y

degenerativo; un refinamiento erótico y

una "afectación artificiosa" cuya

elegancia y gracia no fue apreciada

plenamente hasta su revalorización en

el siglo XX, que comenzó a ver de

forma positiva incluso su condición de

auto-referencia del arte en sí mismo.

11

ARQUITECTURA

MANIERISTA

La arquitectura manierista es aquella

fase de la arquitectura europea que se

desarrolló entre 1530 y 1610, es decir,

entre el final de la arquitectura

renacentista y el comienzo de la

barroca.

El término «maniera», usado ya en el

siglo XV para indicar el estilo de cada

artista, fue empleado por Giorgio Vasari

en el siglo posterior para describir uno

de los cuatro requisitos de las artes

(orden, medida, diseño y maniera), con

particular referencia a las obras de

Miguel Ángel; luego lo utiliza Jacob

Burckhardt para definir de manera

peyorativa el arte italiano entre el

Renacimiento y el Barroco.

Fachada de la Iglesia del Gesù,Roma.

El manierismo rechaza el equilibrio y la

armonía de la arquitectura clásica,

concentrándose más bien en el

contraste entre norma y transgresión,

naturaleza y artificio, signo y subsigno.

Si en la arquitectura del Renacimiento

la fábrica de los edificios a menudo

denuncia su propia conformación

interna también hacia el exterior

(mediante, por ejemplo, la presencia de

cornisa intermedia, extradós e

intradós), las obras manieristas

generalmente se alejan de esta

tendencia, escondiendo su propia

estructura de base.

Desde el punto de vista decorativo,

asume particular importancia el

fenómeno de lo grotesco, un tema

pictórico de tiempos del imperio

romano, redescubierto a fines del siglo

XV, durante algunas excavaciones

arqueológicas.

Una serliana en Villa Julia; este elemento

arquitectónico atribuido a S. Serlio es

típicamente manierista.

12

PINTURA

MANIERISTA

La pintura manierista es un estilo

artístico que predominó en Italia desde

el final del Alto Renacimiento (ca. 1530)

y duró hasta alrededor del año 1580 en

Italia, cuando comenzó a ser

reemplazado por un estilo más barroco,

pero el manierismo nórdico persistió

hasta principios del siglo XVII por gran

parte de Europa1 hacia el año 1610. Se

inició en la Roma de los Papas Julio II y

León X, y se difundió por el resto de

Italia y de Europa.

El término manierismo proviene de

maniera moderna (término que profiere

de la Vite de Vasari), en referencia a

aquellas obras que se decían

realizadas a la manera de los grandes

maestros del Alto Renacimiento. La

imitación de las obras de Leonardo,

Rafael y Miguel Ángel hace que se

produzcan imágenes artificiosas. En

cierto sentido, la propia grandeza de

esas obras maestras cerraba las vías a

la creatividad artística, y a las jóvenes

generaciones no les quedaba sino la

imitación. Es un arte propio de la época

de crisis, tanto económica como

espiritual en el medio de la Reforma

protestante; los diversos problemas se

ven simbolizados en el Saco de Roma

en 1527. Los comitentes no son

burgueses, sino los aristócratas,

mecenas que deseaban complicadas

alegorías cuyo sentido no siempre es

claro. Resultaba un estilo inadecuado

para el tema religioso, por lo que en la

Contrarreforma se optó por otras

formas más apropiadas.

No se intenta representar la realidad de

manera naturalista, sino que se hace

extraña, un poco deformada, como un

capricho. Los cuadros ya no transmiten

el sereno orden y equilibrio del Alto

Renacimiento sino que se inclinan por

representaciones anteclásicas,

intrincadas y complicadas en cuanto a

su sentido. Los modelos adoptan

posturas complicadas. Se las

representa de manera

desproporcionada, elásticas, alargadas.

La perspectiva es infinita.

El manierismo resulta refinado y de

difícil interpretación, debido tanto a su

sofisticación intelectual como a las

cualidades artificiales de la

representación. La luz no es natural

sino fría y coloreada de manera

antinatural, lo mismo que los colores:

son extraños, fríos, artificiales,

violentamente enfrentados entre sí, en

vez de apoyarse en gamas y

operación.

13

ESCULTURA

MANIERISTA

Los rasgos manieristas superficiales

son patentes: el alargamiento de las

figuras, el gesto desmedido y poco

coherente, el espacio angosto...

Pero lo propio de Giambologna es

su capacidad para introducir estas

notas -que son generales a todo el

Manierismo- en un movimiento que

rompe de forma definitiva con la

estatua clásica. El rapto de las

sabinas responde todo él a la forma

serpentinata que ya había utilizado

Miguel Ángel, pero Giambologna

rechaza el punto de vista único y el

grupo incita a multitud de

perspectivas. No existe un delante y

un detrás sino una multiplicidad de

puntos de vista, de tal manera que

el grupo gira como una espiral. Esta

multiplicidad, insistimos, viene

impuesta por la misma escultura: el

movimiento de las figuras que se

retuercen y prolongan en su

contraposición no atiende ya a la

perspectiva frontal típica del

Renacimiento, visión estática y

serena sustituida, aquí, por un

enérgico dinamismo.

Giambologna introduce así una

creciente intranquilidad en el

espectador que, en relación con las

pautas clasicistas, puede resultar

como así fue para los hombres de la

época, de ahí su enorme éxito

enigmática. La imagen constituye un

problema casi imposible de resolver:

dónde termina una figura y empieza

otra, cuál es el juego de cortes,

paralelismos y contraposiciones,

son cosa sobre las que el

espectador nunca tomará una

decisión definitiva.

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BARROCO

El Barroco fue un período de la

historia en la cultura occidental

originado por una nueva forma de

concebir las artes visuales (el

«estilo barroco») y que, partiendo

desde diferentes contextos

histórico-culturales, produjo obras

en numerosos campos artísticos:

literatura, arquitectura, escultura,

pintura, música, ópera, danza,

teatro, etc. Se manifestó

principalmente en la Europa

occidental, aunque debido al

colonialismo también se dio en

numerosas colonias de las

potencias europeas, principalmente

en Latinoamérica.

Cronológicamente, abarcó todo el

siglo XVII y principios del XVIII, con

mayor o menor prolongación en el

tiempo dependiendo de cada país.

Se suele situar entre el Manierismo

y el Rococó, en una época

caracterizada por fuertes disputas

religiosas entre países católicos y

protestantes, así como marcadas

diferencias políticas entre los

Estados absolutistas y los

parlamentarios, donde una

incipiente burguesía empezaba a

poner los cimientos del capitalismo.

Como estilo artístico, el Barroco

surgió a principios del siglo XVII

(según otros autores a finales del

XVI) en Italia período también

conocido en este país como

Seicento, desde donde se extendió

hacia la mayor parte de Europa.

Durante mucho tiempo (siglos XVIII

y XIX) el término «barroco» tuvo un

sentido peyorativo, con el

significado de recargado, engañoso,

caprichoso, hasta que fue

posteriormente revalorizado a

finales del siglo XIX por Jacob

Burckhardt y, en el XX, por

Benedetto Croce y Eugeni d'Ors.

Algunos historiadores dividen el

Barroco en tres períodos: primitivo

(1580-1630), maduro o pleno (1630-

1680) y tardío (1680-1750).

15

ARQUITECTURA

BARROCA

La arquitectura barroca es un período

de la historia de la arquitectura que

vino precedida del Renacimiento y del

Manierismo; se generó en Roma

durante el siglo XVII y se extendió

hasta mediados del siglo XVIII por los

Estados absolutistas europeos.

El término Barroco, derivado del

portugués "barru", "perla de forma

diferente o irregular", se utilizó en un

primer momento de forma despectiva

para indicar la falta de regularidad y

orden del nuevo estilo. La característica

principal de la arquitectura barroca fue

la utilización de composiciones

basadas en líneas curvas, elipses y

espirales, así como figuras

policéntricas complejas compuestas de

motivos que se intersecaban unos con

otros. La arquitectura se valió de la

pintura, la escultura y los estucados

para crear conjuntos artísticos teatrales

y exuberantes que sirviesen para

ensalzar a los monarcas que los habían

encargado.

En algunos países europeos como

Francia e Inglaterra y en otras regiones

de la Europa septentrional se produjo

un movimiento más racionalista

derivado directamente del

Renacimiento que se denominó

Clasicismo barroco. A lo largo del siglo

XVIII se fue desarrollando en Francia

un movimiento derivado del Barroco

que multiplicaba su exuberancia y se

basaba fundamentalmente en las artes

decorativas que se denominó Rococó y

se acabó exportando a buena parte de

Europa.

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PINTURA

BARROCA

La pintura barroca es la pintura

relacionada con el movimiento cultural

barroco. El movimiento a menudo se le

identifica con el absolutismo, la

Contrarreforma y el renacimiento

católico, pero la existencia de

importante arte y arquitectura barrocos

en países no absolutistas y

protestantes por toda Europa

Occidental evidencian su amplia

popularidad. La pintura adquirió un

papel prioritario dentro de las

manifestaciones artísticas, y llegó a ser

la expresión más característica del

peso de la religión en los países

católicos y del gusto burgués en los

países protestantes.

La mejor y más importante pintura

durante el período que comienza

alrededor del año 1600 y continúa a lo

largo de todo el siglo XVII, y a

principios del siglo XVIII se identifica

hoy como pintura barroca. El arte

barroco se caracteriza por el realismo,

los colores ricos e intensos, y fuertes

luces y sombras. En oposición al arte

renacentista, que normalmente

mostraba el momento anterior a ocurrir

cualquier acontecimiento, los artistas

barrocos elegían el punto más

dramático, el momento en que la

acción estaba ocurriendo: Miguel

Ángel, que trabajó durante el Alto

Renacimiento, muestra a su David

compuesto y quieto antes de luchar

contra Goliat; el David barroco de

Bernini es captado en el acto de lanzar

la piedra contra el gigante. El arte

barroco pretendía evocar la emoción y

la pasión en lugar de la tranquila

racionalidad que había sido apreciada

durante el Renacimiento.

17

ESCULTURA

BARROCA

La escultura barroca es la

denominación historiográfica de las

producciones escultóricas de la época

barroca (de comienzos del siglo XVII a

mediados del siglo XVIII).

Sus características generales son:

Naturalismo, es decir, representación

de la naturaleza tal y como es, sin

idealizarla.

Integración en la arquitectura, que

proporciona intensidad dramática.

Esquemas compositivos libres del

geometrismo y la proporción

equilibrada propia de la escultura del

Renacimiento pleno. La escultura

barroca busca el movimiento; se

proyecta dinámicamente hacia afuera

con líneas de tensión complejas,

especialmente la helicoidal o

serpentinata, y multiplicidad de planos

y puntos de vista. Esta inestabilidad se

manifiesta en la inquietud de

personajes y escenas, en la amplitud y

ampulosidad de los ropajes, en el

contraste de texturas y superficies, a

veces en la inclusión de distintos

materiales, todo lo cual que produce

fuertes efectos lumínicos y visuales.

Representación del desnudo en su

estado puro, como una acción

congelada, conseguido mediante una

composición asimétrica, donde

predominan las diagonales y

serpentinatas, las poses sesgadas y

oblicuas, el escorzo y los contornos

difusos e intermitentes, que dirigen la

obra hacia el espectador con gran

expresividad.

A pesar de la identificación del Barroco

con un "arte de la Contrarreforma",

adecuado al sentimiento de la devoción

popular, la escultura barroca, incluso

en los países católicos, tuvo una gran

pluralidad de temas (religiosos,

funerarios, mitológicos, retratos, etc.)

La manifestación principal es la

estatuaria, utilizada para la

ornamentación de espacios interiores y

exteriores de los edificios, así como de

los espacios abiertos, tanto privados

(jardines) como públicos (plazas). Las

fuentes son un tipo escultórico

particularmente adecuado al estilo

barroco. Particularmente en España,

tuvieron un extraordinario desarrollo la

imaginería y los retablos.

En España también se manifestó en

imágenes religiosas talladas en

madera, en la llamada imaginería con

la que se esperaba despertar la fe del

pueblo.

18

NEOCLASICO

Es un estilo arquitectónico que produjo

el movimiento neoclásico que comenzó

a mediados del siglo XVIII, por una

reacción contra el estilo barroco de

ornamentación naturalista así como por

el resultado de algunos rasgos

clasicistas nacidos en el barroco tardío.

Se prolongó durante el siglo XIX,

confluyendo a partir de entonces con

otras tendencias, como la arquitectura

historicista y el eclecticismo

arquitectónico. Algunos historiadores

denominan el periodo de la arquitectura

neoclásica de la primera mitad del siglo

XIX como clasicismo romántico, a

pesar del oxímoron (oposición de

términos), dado que, además de

coincidir en el tiempo con el

romanticismo, estilísticamente

comparte rasgos con la estética

romántica, al añadir cierta expresividad

y espíritu exaltado a la sencillez y

claridad de las estructuras clásicas

grecorromanas.

Factores fundamentales que influyeron

en la creación de la arquitectura

neoclásica fueron los determinantes en

el contexto político, social y económico

de la época, en que se incluyen

destacadamente la revolución

industrial, la crisis del Antiguo

Régimen, la Ilustración, el

enciclopedismo, la fundación de las

Academias, el despotismo ilustrado,

etc.

El enciclopedismo, espíritu precursor

de la revolución francesa, trajo consigo

una concepción del pito romántica de la

Grecia Antigua. La Ilustración sostenía

que la infelicidad del hombre, se debía

a la ignorancia e irracionalidad y que

por lo tanto el único camino viable para

conducirlo a la felicidad era llevarle la

luz de la razón por medio de la

educación. En cuanto a arquitectura la

educación implicaba el conocimiento y

fuentes antiguas tales como Vitrubio,

Palladio, Vignola; por lo que ésta hizo

uso de los repertorios formales de la

arquitectura griega y romana.

19

ARQUITECTURA

NEOCLASICA

Fue en la arquitectura donde antes se

apreció el impulso renovador, con la

mano obra del Palacio Real de Madrid,

de donde surgieron los arquitectos más

notables de la segunda mitad del siglo

XVIII. En este ambiente primero, en la

Academia de Bellas Artes de San

Fernando después, se revisaron las

concepciones arquitectónicas,

coincidiendo todos, a pesar de los

diferentes postulados existentes, en el

desprecio hacia el Barroco castizo,

motejado despectivamente de

churrigueresco, al que se quería

asociar con la ignorancia y el mal gusto

populares.

Desde el proyecto ilustrado, la

arquitectura no debía limitarse a

intervenciones puntuales, sino que era

parte de un todo que tenía la misión de

conseguir un marco adecuado para la

vida de los ciudadanos. Así, las

ciudades debían mejorar sus servicios

de alcantarillado, acometida de aguas,

adecentamiento de calles con

iluminación y empedrado, hospitales,

jardines, cementerios, etc. En resumen,

había gran interés por dotar a las

poblaciones de un aspecto más noble y

lujoso que pudiera reflejar la grandeza

del soberano y el bienestar de sus

súbditos. También era preciso mejorar

la infraestructura de caminos, para

comunicar con facilidad las diferentes

zonas y agilizar así el comercio y la

industria.

La fundación de nuevas poblaciones

sirvió para colonizar zonas

escasamente pobladas y controlar de

esta manera el territorio. También se

impulsan las obras hidráulicas, como

canales y acueductos, para facilitar el

transporte y la distribución del agua

necesaria para el riego de los campos y

para el consumo.

20

ARQUITECTURA

NEOGOTICA

El estilo arquitectónico neogótico se

refiere al movimiento surgido en el

siglo XIX, peyorativamente*

denominado como pseudo** gótico,

consistente en la arquitectura

realizada a imitación de la gótica

medieval. Por su común rechazo al

racionalismo neoclásico, es un estilo

vinculado con el romanticismo, y por

sus implicaciones políticas, con el

nacionalismo. Como arquitectura

historicista es una reelaboración

que reproducía el lenguaje

arquitectónico propio del estilo

gótico con formas más o menos

genuinas.

Apareció en Inglaterra a mediados

del siglo XVIII. En el siglo XIX la

Europa continental vivió una

auténtica fiebre neogótica que

restauró y completó catedrales,

como la de Barcelona. En 1836 se

construiría en este estilo el

Parlamento de Londres. En Francia

destacó la labor restauradora y

reconstructora del francés Eugène

Viollet-le-Duc.

Comienzan a surgir construcciones

góticas que asocian al espíritu

romántico los estilos medievales, y son

apreciados no como un nuevo sistema

de reglas destinado a sustituir a las

clásicas, sino precisamente porque se

las supone carentes de ellas y fruto del

predominio del sentimiento sobre la

razón; el gótico aparece ahora como un

conglomerado confuso de torrecillas,

pináculos, pupitres tallados, bóvedas

tenebrosas y luces oblicuas filtradas

por vidrieras multicolores.

21

EXOTISMO

El exotismo es una actitud cultural de gusto por lo extranjero. El fenomeno se

constata habitualmente en la historia de las civilizaciones en expansion. La

curiosidad de la sociedad romana por las religiones de los margenes fr su

imperio, o los periodos de apertura de la historia de China a la cultura europea

podrian ser muestras de exotismo.

No obstante esta actitud se produjo con mas amplitud y variedad en Occidente,

con el proceso de globalización que va desde la era de los descubrimientos al

comercio globalizado actual, pasando por la colonialismo.

Claude levi-Strauss aportara un criterio esencial: la occidental va a ser de

ahora en adelante, una cultura antropologica, que no confunde lo extranjero

con la imatación que lo de ellos hacen, y sabe lo que quiere der cir el exotismo.

Una inspiración de creación extranjera deja de ser exotica cuando a su vez

inspira al extranjero, como el imoresionismo para el Japón o Picasso para

Africa.