P U L S OC R E A C I Ó N I N T E R D I S C I P L I N A R

U N I V E R S I D A D D I S T R I T A LF R A N C I S C O J O S É D E C A L D A S

F A C U L T A D D E A R T E SA S A B

P U L S OC R E A C I Ó N I N T E R D I S C I P L I N A R

P A R AD A N Z A - M Ú S I C A - P R O Y E C C I Ó N V I S U A L

D I A N A M I L E N A J I M É N E Z M O L I N AN I C O L Á S A L E J A N D R O O L I V E R O A N C H I Q U E

B O G O T Á D . C

Resumen

PULSO es una composición interdisciplinar entre la Danza, la Música y la Proyección Visual que pretende aplicar algunos conceptos científicos acerca del origen y principio del universo, la relación y similitud de funcionamiento entre sus distintos tamaños, y de cómo todo este proceso dio origen a la vida y sobre todo su nivel máximo de evolución en la tierra; El hombre. Este proyecto pretende trasladar el concepto de PULSO a una composición corporal, sonora y visual, con el fin de explorar la relación existente entre definiciones científicas y procesos creativos artísticos (Ciencia y Arte). Esta interrelación entre disciplinas artísticas y ciencia está determinada mediante una plataforma de control en tiempo real encargada de sincronizar la música y la proyección visual a través de dos ordenadores que se interconectan de forma digital y física (Software y Hardware) para la puesta en escena junto con la danza. Finalmente se plantean reflexiones acerca de la relación entre la ciencia y el arte, en torno al análisis del aporte creativo de este tipo de creaciones interdisciplinares.

Palabras Clave: Composición interdisciplinar, Ciencia, Arte, Plataforma Digital y Física, Sincron-ización.

Abstract

PULSO is an interdisciplinary composition between Dance, Music and Visual Projection that pre-tends to apply some scientific concepts about the origin and principle of the universe, the relation and similarity of functioning between its different sizes, and how all this process gave origin to the Life and above all its maximum level of evolution on earth; The man. This project aims to transfer the concept of PULSO to a body composition, both sonorous and visual, in order to explore the relationship between scientific definitions and creative artistic processes (Science and Art). This in-terrelation between artistic disciplines and science is determined by a real-time control platform in charge of synchronizing music and visual projection through two computers that are interconnect-ed in a digital and physical way (Software and Hardware) for the staging together with the dance. Finally, reflections on the relationship between science and art are presented, based on the analysis of the creative contribution of this type of interdisciplinary creations.

Keywords: Interdisciplinary Composition, Science, Art, Digital and Physical Platform, Synchro-nization.

Contenido

Capítulo

Capítulo

Introducción

Configuración Técnica y Estructura Formal

Gráfica de Estructura Formal y Estructura Técnica

S O F T W A R E

H A R D W A R E

Ableton Live

Resolume Arena

VideoProyección DigitalRear Projection

FuncionamientoMapping

Adobe After EffectsFuncionamiento

FuncionamientoSession ViewArrangement ViewTipos de CanalBeat RepeatersSincronización de Video desde el AudioConfiguración MIDI

Configuración MIDI

Conexión entre ordenadores de Video y Audio

Animación y SincronizaciónTrapcodeAudioreactTamaño

1Capítulo I Partícula

Estructura Interna

Música

Proyección Visual

DanzaTiempoDinámicaDirección y Nivel de Movimiento

Encuadre

Tiempo / FramesSecuencia Animación

InstrumentaciónTexturaRitmoArmoníaDinámicaFrecuencia

Audio

Ensamble con el Cuerpo

Configuración Estética

La Sombra y la SiluetaColor y VestuarioSatge Plot con Interprete

Interface de Audio

Estructura de ProyecciónStage Plot

2

Capítulo II Cúmulo

Estructura Interna

3

Capítulo III Colisión

Estructura Interna

Música

Música

Proyección Visual

Proyección Visual

Tiempo / Frames

Tiempo / Frames

Secuencia Animación

Secuencia Animación

Instrumentación

Instrumentación

Textura

Textura

Ritmo

Ritmo

Armonía

Armonía

Dinámica

Dinámica

Frecuencia

Frecuencia

4

DanzaTiempoDinámicaDirección y Nivel de Movimiento

Encuadre

Encuadre

DanzaTiempoDinámicaDirección y Nivel de Movimiento

Capítulo

Capítulo

IV Entropía

V Cosmos

Estructura Interna

Estructura Interna

Música

Música

Proyección Visual

Proyección Visual

Tiempo / Frames

Tiempo / Frames

Secuencia Animación

Secuencia Animación

Instrumentación

Instrumentación

Textura

Textura

Ritmo

Ritmo

Armonía

Armonía

Dinámica

Dinámica

Frecuencia

Frecuencia

5

6

Danza

Danza

Tiempo

Tiempo

DinámicaDirección y Nivel de Movimiento

Encuadre

Encuadre

Capítulo

Capítulo

Conclusiones

Bibliografía

78

I N T R O D U C C I Ó N

“El movimiento a favor de la interdisciplinariedad surgió alrededor de una serie de preocupaciones emana-das de las ciencias naturales y formales y de epistemólogos de las ciencias. Así, nuevos desarrollos de la física cuántica, la teoría del caos, la teoría de la complejidad y la teoría de sistemas en las ciencias físicas y biológi-

cas durante los años veinte y treinta del siglo XX forman parte del contexto de la aparición del movimiento hacia la interdisciplinariedad. Igualmente, no fue el movimiento que busca la unidad del saber de parte de un

grupo de filósofos de las ciencias y de científicos con el proyecto de la enciclopedia unificada.” (Corrales Roa, y otros, 2003, p. 28)

Desde días inmemoriales rindió el hombre culto a la naturaleza y con el paso de los tiempos su contemplación y el deleite de su interpretación poética adquirieron un sentido elevado. El desar-rollo de los conocimientos mediante observaciones y experimentaciones se denominaron Ciencias1

dichos conocimientos debían de ser clasificados y organizados en ámbitos específicos, disciplinas2 .El conocimiento en un campo concreto de estudio nos dio la ventaja de separar esta información de una “manera” especializada hacia los diferentes fenómenos naturales. La especialización trae como consecuencia un aumento en la capacidad de profundizar en el conocimiento, pero también una pérdida de la perspectiva de conjunto. (Corrales Roa, y otros, 2003, p. 15) “Se dice que lo singular de la producción del conocimiento en el mundo contemporáneo es un escenario de trascendencia de las disciplinas”. La esencia de la interdisciplinariedad es la construcción o producción de cono-cimiento bien sea para enfrentar problemas que requieren de una mirada múltiple, para buscar una perspectiva holística en medio de la creciente compartimentación del saber en especialidades cada vez más alejadas unas de otras.

Partiendo de esta idea, “PULSO” es un trabajo de investigación interdisciplinar que plantea la interrelación de las disciplinas (Danza, Música y Proyección visual) para lograr la construcción de una obra que no podría lograrse con la partición de una sola disciplina o de un reducido grupo de ellas, que mediante la creación de una obra y su presentación en vivo, busca develar como los difer-entes elementos de cada disciplina se unifican para formar un nuevo lenguaje. Es por esto, que este trabajo debe verse como un todo una unidad compuesta de las disciplinas ya mencionadas.

El proyecto toma su nombre “PULSO” de dos definiciones fundamentales; en la música, de una unidad que nos sirve para medir el tiempo de forma constante, señal transitoria que sirve para mar-car el ritmo en partes iguales o irregulares, acelerándose o desacelerándose a lo largo de una pieza musical, haciendo uso de este para comparar la duración de las notas y los silencios3. Y de la ciencia médica, de una palpitación provocada por la circulación de la sangre bombeada por el corazón de

1Ciencia (del latín scientĭa ‘conocimiento’) es un sistema ordenado de conocimientos estructurados que estudia, in-vestiga e interpreta los fenómenos naturales, sociales y artificiales. ( Everest Sociedad Anónima, 2014, pág. 3)2Una disciplina académica o campo de estudio es el desarrollo del conocimiento sobre un tema en específico, el cual es pensado o investigado en una escuela superior, un centro de estudios o una universidad. (Fagin, Halpern, Moses, & Vardi, 1995)

un ser vivo4, trasladando estas definiciones para reinterpretarlas sobre tres aspectos que componen la obra de la siguiente manera:

Teórico

Tomando como punto de partida elementos de la astronomía y física de partículas, hicimos la comparación del funcionamiento de los múltiples sistemas del universo y sus diversos tamaños (diminuto-gigante), que la obra determina como los distintos niveles de pulsación, organizados por sistemas independientes que funcionan de forma simultánea, creando una sumatoria de materia-les artísticos organizados, buscando una similitud con el cosmos; mundos funcionando de forma armónica que se pueden analizar desde puntos pequeños y detallados a enfoques más amplios de funcionamiento de múltiples sistemas a la vez, como lo es la interacción entre los cinco movimien-tos que componen PULSO.

“Un estado de completa disgregación y dispersión se forma de un modo natural, no fortuito ni ciego, un todo bello y proporcionado; todos estos mundos y sistemas de mundos revelan semejanza no solo por su modo de su formación sino también por su estructura” (Tursunov, 1975, p. 98)

Técnico

En búsqueda de una estética que se acoplara al diseño teórico partimos de dos configuraciones que van a ser desarrolladas a lo largo del trabajo. La primera y con la que se estructura el proyecto es el minimalismo; “El termino minimalismo se emplea en la actualidad para referirse a un estilo marcado por una ascetismo en las artes. El significado de la palabra se entiende como idea especifica o tendencia a otros aspectos de nuestra vida y abarca propuestas con las siguientes premisas: simplicidad, reducción formal, diseño de trabajo llevado al mínimo.” (Todo Minimal-ismo, págs. 9 - 10), la relación que existe de esta definición y el proyecto, es la búsqueda de sintetizar elementos o trasfondos complejos en conclusiones simples y claras a la hora de componer y organi-zar procesos artísticos, esto llevado a cada detalle de las distintas fases de construcción de la obra, incluyendo este trabajo.

La segunda configuración es el uso de un elemento inmerso en los ordenamientos del mundo digital, los datos o “data5”, el universo de los números son la sustancia que atraviesa todo existir de la producción digital, son una representación simbólica de una variable ya sea cualitativa o cuan-titativa, son la información que un programador manipula en la construcción o la búsqueda de patrones de hechos empíricos, el fantasma detrás de la organización de la red de comunicaciones, del funcionamiento de un aeropuerto, de la configuración de los estados para dar cuenta de sus situaciones económicas, etc. La conexión que existe de esta armazón digital con el proyecto está fundamentada en una abstracción de esta información de una manera gráfica, la visualización de 3(Hasty, 1997, pág. 129)4(U.S Department of Health and Human Sevices, 2017)5(Akash, 2011, p. 22)

6(McCandless,2017)

datos (data visualization6) es una representación gráfica de esta información para poder ver los patrones y conexiones importantes que sintetizan tal vez cientos o miles de variables a la hora de analizar datos. Así mediante la visualización de esta información se convierte en un escenario ex-plorable con los ojos, una clase de mapa de datos. Es esta dimensión grafica de los datos de donde parte pulso para gran parte de su estética visual no solo en su (performance o presentación en vivo) sino de este trabajo que es la abstracción de la información que obtuvimos en el diseño formal del proyecto, de sus diferentes niveles de funcionamiento, la estructuración de cada movimiento en las tres disciplinas ya mencionadas (Danza, Música y proyección visual) y sobre todo en la premisa que gran parte de la identidad de la obra y de este trabajo es su configuración visual.

En tercer lugar, siendo la interdisciplinariedad el eje central de la producción artística, se buscó diseñar una interface informática para ejecutar la sincronización de la composición sonora junto con la imagen a través de la proyección visual, esto debido al uso necesario de software para la in-teracción de las mismas y de que pudiesen funcionar como una maquinaria compuesta de las tres disciplinas.

Practico

Esta es la consecuencia de las dos anteriores configuraciones, lleva a cabo las previas estructura-ciones como en la parte teórica y luego delimita la identidad de la obra con los elementos que utiliza de las estéticas ya descritas en la parte técnica. Es la síntesis y filtro de cada elemento descrito y desarrollado para ser llevado a la acción, y de cómo cada disciplina determina estos elementos a sus especificidades juntándose para lograr el lenguaje obtenido. Ya que este es un proyecto de creación – interpretación, este trabajo se divide en cuatro partes: el primer capítulo es la metodología que llevamos a cabo para la creación del proyecto, los proced-imientos y técnicas de las que partimos para su concepción y desarrollo. El segundo capítulo son los resultados obtenidos de dicha metodología de trabajo. Es la organización de cada componente de la obra y de su función dentro de la misma. El tercer capítulo es el análisis de los resultados para determinar los alcances obtenidos en cada material expuesto. Y el cuarto y último capítulo son las conclusiones obtenidas en la producción y presentación de la obra.

1C O N F I G U R A C I Ó N T É C N I C A

E S T R U C T U R A F O R M A LY

er. Capítulo

“La sucesión eternamente repetida de los mundos en el tiempo infinito no es más que complemento lógico de la coexistencia de los innumerables mundos en el espacio infinito (…)”

(Engels, 1961, p. 362)

Este capítulo es el conjunto de procedimientos que llevamos a cabo para el diseño y desarrollo del proyecto, iniciando el proceso por la delimitación en la estructura formal y la fundamentación teórica de los componentes científicos a la hora de nombrar los movimientos de los que se estruc-tura la obra, y del significado estético que decidimos otorgarle a la hora de diseñar la organización formal de la misma. Posteriormente se describirán los procesos creativos de cada disciplina, de las corrientes estéticas que se tuvieron en cuenta para el diseño corporal, sonoro y grafico de PULSO, y ya que consideramos que un componente esencial en la obra es el uso de la imagen, la represent-ación visual de los elementos o datos que lo componen es para nosotros fundamental para una apreciación completa de la obra.

El modelo de creación de la obra partió de que para poder reunir los tres lenguajes implicados debía de crearse una plataforma o interface de comunicación informática por medio de software y hardware, ya que determinamos que la música y la proyección visual iban a ir de la mano a través de la interface MIDI8, protocolo y sistema de conexión entre varios instrumentos musicales elec-trónicos, computadoras y en este caso la proyección. Este armazón digital es la base en donde la danza se enlaza e interactúa para luego a partir de la exploración con estos elementos concebir los movimientos que determinan la estructura formal de PULSO.

La configuración de los movimientos y de la organización técnica está determinado por la idea de desarrollo progresivo de los elementos científicos teóricos trasladados a la creación artística, de la idea de que una partícula es el elemento inicial y primordial para la creación de nuestro universo, de que la acumulación y colisión de estas permiten formar los demás componentes del universo hasta llegar a la vida como la conocemos y sobre todo su nivel máximo de evolución en la tierra; la humanidad vista como la entropía en el sistema, el hombre como elemento que hace parte de esta organización pero que a la vez se separa por el uso de la lógica y la razón, es el universo que se mira así mismo, y de cómo el cosmos es una constante de esta ordenanza, las partículas vistas como es-trellas que se acumulan y colisionan por millones en las galaxias y cuásares, desde una vista mucho más amplia son la red de cúmulos y súper-cúmulos de todo esto engendrando una formación muy similar al de un tejido de células neuronales del cerebro de un hombre.

3 MIDI (abreviatura de Musical Instrument Digital Interface) es un estándar tecnológico que describe un protocolo, una interfaz digital y conectores que permiten que varios instrumentos musicales electrónicos, computadoras y otros dispositivos relacionados se conecten y comuniquen entre sí. (Swift, 1997)

P U L S OE S T R U C T U R A

PLATAFORMA

E N S A M B L E

M O V I M I E N T O S

CON EL

V

IV

III

II

I

HARDWARE SOFTWARE

V I D E OV I D E O A U D I OA U D I O

I F O R M A T I C A

C U E R P O

Proyección Visual

Música

Danza

Laptop (1. Video, 2. Audio)

Multi-display

MIDI Interface

Sub Woofer

V Cosmos

IV Entropía

III Colisión

II Cumulo

I Partícula

Software (Adobe After Effects, Ableton Live- Video/Audio) (Resolume Arena - Proyeccion)

S O F T W A R E

El uso de un soporte informático fue fundamental para el diseño y desarrollo creativo de la obra, establecido en la comunicación e interconexión entre ordenadores por medio del protocolo de con-exión MIDI , la animación, dinámica y puesta en escena de todo lo relacionado con la producción de los elementos visuales y de la composición musical y sonora.La obra fue concebida a partir de tres software que fueron esenciales para la composición visual, sonora y la producción en tiempo real para el estreno, divididos sistemáticamente en tres fases fun-damentales:

Pre – ProducciónComposición Visual – Adobe After EffectsComposición Musical – Ableton Live

ProducciónComposición Visual – Adobe After EffectsComposición Musical – Ableton Live

Post – ProducciónMezcla y Composición Musical – Ableton LiveProyección Visual – Resolume Arena

V I D E O A U D I O

Adove After Effects

Es una aplicación que tiene forma de estudio destinado para la creación o aplicación en una com-posición, así como realización de gráficos profesionales en movimiento y efectos especiales, que desde su raíz han consistido básicamente en la superposición de capas, está dirigido a diseñadores gráficos, productores de video. (Adobe Systems, 2017)

Funcionamiento

La interface principal se compone de los tres paneles más utilizados: Panel de Proyecto, el de composición y el de línea de tiempo. El primero actúa como un contenedor para importar imágenes fijas, videos y elementos de material de audio. Los elementos o materiales del panel de proyecto se coloca dentro de la línea de tiempo, donde el orden de cada capa y tiempo se pueden ajustar según lo que se planea construir, los elementos visibles en el marcador del tiempo actual se muestran en el panel de composición.

I. Panel del ProyectoII. ComposiciónIII. Línea de Tiempo

I

II III

Animación y Sincronización

Ya definidas las partes e interface de trabajo del programa es necesario describir los procesos de construcción de los elementos visuales dentro del software, de los distintas herramientas y procesos para la composición de los mismos. Ya que el programa cuenta con la unificación e integración de diferentes tipos de plug-in9, fue fundamental el uso de dos tipos de formas de construcción dentro del programa: Trapcode y mov-imiento y dinámica de objeto de formas. Para este proceso es fundamenta la sincronización del audio ya que de este depende la forma, velocidad y estructura de la animación. El proceso inicia con la separación por canales independientes a la hora de exportar los audios, esto quiere decir que este proceso depende del proceso compositivo de la música, de su dinámica y configuración. Llegado a este punto es clave describir como no solo se hace uso de sincronización por medio del cálculo de BPM por FPS, ya que el plug-in trapcode, determina esta nueva dinámica a través de una opción de movimiento llamada Audio react.

Trapcode

Trapcode es un plug-in diseñado para la creación y dinámica de movimiento a partir de la ani-mación, en la composición visual fue indispensable para la selección estética que escogimos para la identidad de los distintos movimientos de los que se compone la obra. Su estructura consiste en la animación de objetos 3d a través de la interface de After Effects, determinando formas y configura-ciones dadas por el editor. Una de las funciones que delimito gran parte del trabajo de animación fue la dinámica creada desde su habilidad de generarla por medio de la reacción a la frecuencia de un audio “Audio React”.

Audio React

Dentro de After Effects el plug-in se conforma de la siguiente manera: el primer paso luego de la creación del proyecto dentro del programa es la creación de un Sólido:

9 En informática, un complemento o plug-in es una aplicación (o programa informático) que se relaciona con otra para agregarle una función nueva y generalmente muy específica. Esta aplicación adicional es ejecutada por la apli-cación principal e interactúan por medio de la interfaz de programación de aplicaciones. (WordPress, 2017)

Luego de este proceso se activa por medio del panel de efectos, la inserción del plug-in Trapcode – form:

Una vez dispuesto el plug-in dentro del sólido, pasamos a importar el archivo de audio del que queremos su frecuencia que luego va ser convertida a movimiento:

El siguiente paso es la activación de la herramienta “Audio React” para producir el movimiento del objeto o forma por medio de la activación sonoro del audio que importamos:

Pantalla I (1920x1080px)Pantalla II (1920x1080px)

Tamaño

El tamaño de los sólidos dentro del programa fue fundamental para el resultado final a la hora de proyectar, esto debido a que se hizo un cálculo del tamaño de la zona proyectada con respecto al tamaño en pixeles del video a la hora de exportarlo, según la siguiente proporción:

Partiendo de que el tamaño que íbamos a proyectar son dos pantallas con relación de aspecto de 16:910, esto quiere decir que el tamaño de cada pantalla es más ancha que alta con la proporción en pixeles a la hora de exportar el video. Este tamaño en pixeles en proporción de 16:9 es de 1920x1080 para cada pantalla, pero debido a la posiciono particular de las pantallas de proyección esa medida se duplico en el ancho ya que quisimos que al juntar las dos pantallas formase una más grande, determinando así un tamaño de 3840x1080, el doble del tamaño en el ancho para cumplir este ob-jetivo.

I II

10 La relación dimensional, a menudo llamada relación de aspecto, de una imagen, es la proporción entre su ancho y su altura. Se calcula dividiendo el ancho por la altura de la imagen visible en pantalla, y se expresa normalmente como X:Y. (PHILIPS MEDIA COMPANY, 2017)

Ableton Live

Ableton Live es un secuenciador de audio y MIDI, aplicación también conocida como DAW (Dig-ital Audio Workstation). Está pensado tanto para la composición musical como para la música en directo. (ABLETON LIVE, 2017)

Funcionamiento

Su interface consiste de una sola ventana con diferentes secciones. La sección principal se divide en dos tipos de vista: la primera (Session View) sirve para disparar en cada pista fragmentos audio o MIDI llamados clips. Su objetivo es realizar sesiones en directo o grabaciones improvisadas. La segunda vista (Arrangement view) muestra una secuencia en una regla de tiempo al estilo de un secuenciador tradicional. (ABLETON LIVE, 2017)

Session View

Arrangement View

Tipos de Canal

Las funciones de los modelos de canal dentro del programa se separan en 3 tipos con carac-terísticas propias según la función que cumplen dentro de la composición musical o de emisor y receptor de mensajes MIDI. El primer tipo de canal es el canal de Audio, este manipula y determina los movimientos o automatizaciones de impulsos sonoros dentro de una composición, lo que hace posible trabajar desde una sección particular de audio, transformándola según lo quiera el editor. El segundo tipo de canal es el canal de Auxiliar o Envió, este canal funciona para insertar efectos de ecualización como ( Reverb, Delay, Chorus, etc.) . El tercer tipo de canal es el canal MIDI, este determina la recepción o envió de comunicación MIDI, con un instrumento electrónico, controlador y ordenador con el que exista esta conexión, además sirve de soporte para la inserción de instrumentos virtuales MIDI, y en este caso en partic-ular la programación del plug-in Kontack11 y MiniMoogV12.

11Es un plug-in de Native Instruments, compañía de tecnología que desarrolla software y hardware para producción musical y para DJs. (Native Instruments, 2017)12Es un plug-in de Arturia, compañía basada en Grenoble, en Francia, especializada en el desarrollo de software y de hardware musical, con productos orientados tanto para aficionados como para profesionales. (Arturia, 2017)

I II III

I. AudioII. Auxiliar III. MIDI

Beat Repeaters

Esta función del programa es necesario nombrarla, ya que se usó en múltiples secciones de la composición musical en los diferentes movimientos, este produce breakbeats irregulares, caóticos y glitch13 haciendo que la sensación del beat se rompa y se cree un efecto que simula un erro o falla de un ordenador.

Su organización y funcionamiento consta de knobs o perillas que determinan: el inicio y salida del efecto (Offset), la velocidad de repetición según el beat (Grind), la posibilidad en la que puede activarse (Chance), si queremos que en la repetición exista una variación en la altura (Pitch, Pitch Decay), si queremos que la repetición sea solo de una frecuencia especifica (Filter), y la opción de escoger si la salida del efecto es la mezcla entre la repetición y la fuente original, o tan solo la repet-ición hecha por el plug-in.

Sincronización de Video desde el Audio

Ableton Live, es el punto inicial del trabajo interdisciplinar entre la música y la proyección visual, de aquí parte la configuración en la velocidad y el tiempo en el que va a ser configurado la imagen y por supuesto la danza. El programa permite trabajar desde el panel Arragement View no solo con el tiempo inicial y final de la composición, sino de poder hacerlo en FPS14 esto permite a la hora de organizar las secciones de la pieza musical saber exactamente que cuadro corresponde a cierta sección en la animación. Esta función, nos permite saber exactamente el número de cuadros y extensión temporal de las secciones de la estructura interna de cada composición sonora.

13También denominado clicks and cuts, es un género de música electrónica que tiene como base el uso de sonidos de fallos electrónicos y pequeños pedazos de sonidos y sampleos, con lo que se produce el efecto de cortes y clicks. (Cascone, 2000)

14Fotogramas por segundo, también llamada tasa de refresco, imágenes por segundo, cuadros por segundo o FPS (del inglés «frames per second»), es la velocidad (tasa) a la cual un dispositivo muestra imágenes llamadas cuadros o fotogramas. (Read & Meyer, 2000, p. 24-26)

Configuración MIDI

Esta es la función más importante del programa luego de servir como plataforma para la com-posición sonora, se encarga de él envió y recepción de lenguaje MIDI con el software Resolume Arena, en la puesta en escena de la presentación, además de comunicarse con instrumentos elec-trónicos y controladores.

Resolume Arena

Este es un software para la creación o manipulación de imágenes en tiempo real a través de la mediación tecnológica (Proyección Visual) en sincronización con la música.

Funcionamiento

Este programa funciona por medio de cuatro paneles principales: Composición, Monitor de sal-ida, Clip y Layers (Capas). Estos determinan el tamaño, número de imágenes, salida de la com-posición en uno o más proyectores en este caso, las capas determinan los diferentes clips que va a ir siendo activados progresivamente, y las diferentes características del clip desde su velocidad y sincronización con el audio.

Mapping

El mapping es la capacidad para poder proyectar un espacio determinado sin importar el ángulo o posición del proyector. Esto quiere decir que gracias a esta capacidad se pueden proyectar diferentes espacios al mismo tiempo y con diferentes clips o imágenes distintas.

Esta es la contra parte de comunicación MIDI junto con la de Ableton Live, estos dos softwares se comunican mediante esta programacion para cada programa en dos ordenadores, el primero encargado del proceso visual y el segundo del proceso sonoro.

Configuración MIDI

V I D E O A U D I O

Luego de construir las bases informáticas para la creación sonora y visual, es necesario determinar ahora el funcionamiento físico de estos mismos elementos para la puesta en escena y características técnicas necesarias para el estreno.

Conexión entre Ordenadores de Video y Audio

Ya que un solo ordenador no puede aguantar la carga de manejar simultáneamente los softwares de audio y video fue necesario dividir la carga en dos ordenadores para que pudiese ser posible la comunicación de los lenguajes gracias a la interface MIDI. Esto permitió que cada computador fun-cionara sin complicación, pero fue necesario sincronizar su funcionamiento de la siguiente forma:

Tanto Ableton Live, como Resolume Arena son softwares que su especialidad es la capacidad de funcionar para situaciones en vivo, son manipulados por medio de controladores MIDI que facili-tan el manejo de sus funciones y en este caso la sincronización de eventos. Para el primer ordenador (VIDEO), se asignó una interface de audio que sirvió como receptora del segundo ordenador (AU-DIO) que a través de otra interface de audio envía mensajes de activación a los diferentes clips y así dar inicio a cada movimiento. Creando un canal de MIDI en Ableton Live con el nombre del primer ordenador, se creó un mapa MIDI que activa el lanzamiento de un clip en la línea de tiempo de la vista (Arrangement View) para enviarla a Resolume Arena determinando el inicio y el final de los movimientos a través de los clips. En consecuencia, las estructuras de hardware en el video y en el audio cuentan con diferentes particularidades en su funcionamiento interno.

H A R D W A R E Video

Proyección Digital

Un proyector de video es un proyector de imagen que recibe una señal de video y proyecta la imagen correspondiente en una pantalla de proyección usando un sistema de lentes. Todos los proyectores de vídeo utilizan una luz muy brillante para proyectar la imagen, y la mayoría de los modernos pueden corregir cualquier curva, borrosidad y otras inconsistencias a través de ajustes manuales. (Cadena, 2006) Un proyector de video, también conocido como proyector digital, puede proyectarse sobre una pantalla de proyección reflectante tradicional o puede estar integrado en un armario con una pan-talla de proyección posterior translúcida para formar un único dispositivo de visualización unifica-do (Rear Projection). El coste de un dispositivo se determina por su resolución y su salida de luz. Se requiere un proyector con una salida de luz más alta (medida en lúmenes, “lm”) para una pantalla más grande o para una habitación con una mayor cantidad de luz ambiental.

Rear Projection - (Proyección Trasera)

La proyección trasera (también conocida como fotografía de proceso) es parte de muchas técnicas cinematográficas de efectos en cámara en la producción de películas para combinar actuaciones en primer plano con fondos pre-filmados. Fue ampliamente utilizado durante muchos años en escenas de conducción, o para mostrar otras formas de movimiento de fondo “distante”. Los actores se paran frente a una pantalla mientras un proyector colocado detrás de la pantalla proyecta una imagen invertida del fondo. Esto requería un espacio grande, ya que el proyector tenía que ser colocado a cierta distancia de la parte posterior de la pantalla. Frecuentemente la imagen de fondo parecería débil y lavada en comparación con el primer plano. La imagen que se proyecta puede estar inmóvil o en movimiento, pero siempre se denomina placa. (Charles, 1964, p. 153)

Escogimos esta técnica de proyección debido a que la proyección frontal nos presentaba un proble-ma fundamental, y era que al estar el intérprete (DANZA) frente a los proyectores creaba una som-bra que hacia perder la idea visual que se estaba desarrollando atrás, asi que creamos una estructura que permitía la interacción del interprete con la proyección sin alterarla con su sombra, develando un efecto con la luz de la proyección sobre los paneles translucidos combinándose de una manera muy armoniosa con la danza.

Estructura de Proyección

Experimentando la mejor forma de hacer sentir a las personas que vivieran la presentación estan-do inmersos en los diferentes momentos de la obra, determinamos una estructura de la siguiente manera:

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5,4

mm

.

Interface de Audio

La interface de audio digital o DAW por sus siglas en inglés (Digital Audio Workstation) es un sistema electrónico dedicado a la grabación y edición de audio digital por medio de un software de edición de audio; y del hardware compuesto por un ordenador y una interfaz de audio digital, encargada de realizar la conversión analógica-digital y digital-analógico dentro de la estación. (Sonic Network, 2017)

Ya que esta herramienta transforma el sonido digital a análogo, busca-mos que la salida de audio de nuestro ordenador encargado fuese la adec-uada según lo que precisábamos. Ya que la composición musical contiene bastantes elementos electrónicos donde los niveles de frecuencia eran demasiado bajos para que una salida Stereo con un rango de frecuencia standard pudiese reproducir, elegimos una salida Stereo con una salida de Sub Woofer16 - (2.1).

16Es un subtipo de altavoz pasivo o activo de vía única diseñado para reproducir, aproximadamente, las dos primeras octavas (las más graves, normalmente entre 20 y 80 Hz) del total de 10 que conforman el espectro completo de audiof-recuencias. Los altavoces de sub - graves pretenden, por tanto, complementar los altavoces convencionales de dos vías que nunca cubren la primera octava (de 20 a 40 Hz) y con frecuencia sólo alcanzan a reproducir los componentes más agudos de la segunda (de 40 a 80 Hz). (The Subwoofer DIY Page, 2017)

Ensamble con el Cuerpo

Luego de la composición de la interface digital en los procesos de software y hardware, se inició el acoplamiento de la danza sobre esta estructura, buscando que los tres procesos se enlazaran de forma armónica y que ningún se viese alterado por otro.

La composición e interpretación corporal, fue surgiendo a partir de las ideas sonoras iniciales y luego de su conexión con el diseño visual que en esencia tenía un elemento estructural dentro de su composición; la proyección trasera (Rear Projection) generaba una iluminación constante detrás del interprete perdiendo la claridad de su parte frontal que define su forma, rostro y color, este efec-to nos permitió determinar los elementos que definen la forma en que el intérprete iba a ser visto. La sombra y la silueta se convirtieron en parte de la identidad de la creación corporal y de la unidad estética dentro de los tres procesos en la percepción completa de la presentación.

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“Nuestro pensamiento, en definitiva, pro-cede análogamente: creo que lo bello no es una sustancia en si sino tan solo un dibujo de sombras, un juego de claroscuros producido por yuxtaposición de diferentes sustancias. Así como una piedra fosforescente, coloca-da en la oscuridad, emite una irradiación y expuesta a plena luz pierde toda fascinación de joya preciosa, de igual manera la belleza pierde su existencia si se le suprimen los efec-

tos de la sombra.”

(Tanizaki, 1933)

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Gracias a esta config-uración visual donde la sombra y la silueta de-finen en gran parte la es-tética junto con el mini-malismo por cada detalle de la construcción de la misma, seleccionamos el negro como el color que se adecuaba mejor a toda esta idea en el vestuario para la interpretación corporal.

IP A R T Í C U L A

Mov.

Capítulo 2.

P A R T Í C U L A es el primero de cinco movimientos del que se estructura y construye la obra, es el inicio de la dinámica sonora, visual y corporal ligada a la idea de determinar el principio o el elemento inicial para empezar a construir un sistema, en este caso la presentación de las “partículas” o partes que constituyen la obra; la Danza, la Música y la Proyección Visual.

Tomando la definición de partículas elementales; “Constituyentes elementales de la materia; más precisamente son partículas que no están constituidas por partículas más pequeñas ni se conoce que tengan estructura interna.” (Gribbin, 2000), es el componente inicial y primordial para la creación del universo, en este caso la obra misma.

Nuestro trabajo inicia, en la descomposición de esta definición de partícula, buscando como primera medida el vínculo con la construcción sonora, visual y corporal. Para la Música, comenzó con la premisa de encontrar una pulsación inicial que generase la sensación de nacimiento de una partícula, y que dicho despertar fuese identificado por este pulso como palpitar o dinámica motriz que dentro del lenguaje musical seria el material elemental para el desarrollo de este primer mov-imiento. Para la Proyección Visual, fue la construcción grafica de una partícula, y convertir esa pulsación dada por la música en movimientos que imitasen la palpitación sincronizada con este pulso, y luego desarrollándose buscando variaciones de dicha estructura. En la danza, el trabajo fue muy similar, sincronizando dichas pulsaciones con cualidades de movimiento corporal, ligados a interpretar estos ataques en ciclos motores.

Estructura Interna

La organización de los elementos está estructurada sobre la composición musical, que es la base de ordenamiento para las de más disciplinas, dicho esto, este primer movimiento está dispuesto de la siguiente manera en su forma básica:

SECCIÓN Tiempo Inicial Tiempo FinalIntro 00.00.00.00 00.01.08.21

Entrada Pulsación (Palpitar) Inicial 00.01.08.21 00.01.28.02Entrada del motivo principal sobre la pulsación 00.01.28.02 00.01.59.04

Tutti Motivo principal 00.01.59.04 00.02.29.141era Variación del Motivo 00.02.29.14 00.03.15.06

Puente 00.03.15.06 00.03.45.222da Variación del Motivo 00.03.45.22 00.04.16.14Outro / Intro (Cumulo) 00.04.16.14 00.05.01.08

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Capítulo 3.

Tomando la definición básica de cúmulo, como la reunión de cosas materiales o inmateriales que se sobreponen unas con otras en el espacio o en el tiempo, sin algún orden especifico donde la fuerza gravitatoria les lleva a formar un sistema complejo de numerosas posibilidades, que em-piezan a funcionar ya no como formaciones individuales sino como una agrupación que posee un comportamiento distinto al de sus componentes, y de cómo la interacción entre los mismos genera un evolución dinámica dentro del movimiento en el cuerpo, imagen y sonido.

En la astronomía sean estudiado los grandes cúmulos estelares gracias a la luz que viaja millones de kilómetros hasta ser captada por la tierra, este factor de la luz y su viaje es un componente pri-mordial en la creación de la proyección visual dentro del movimiento, el tránsito de la luz sobre el espacio indica el paso del tiempo que además es la superposición de sucesos que juegan dentro de lo visible, la oscuridad y la sombra, la intención esta en crear extensiones de luz en franjas que crean siluetas conjunto con los demás elementos del espacio. Decidimos dividir la proyección de un único plano con el material principal al centro, variándola en las dos pantallas individualmente buscando la sensación de acumulación e interacción de más de un cuerpo. Esto con la premisa de que interactúe la danza con este tipo de estructura, donde es la sombra y la silueta lo que prima. Dada la conexión con la imagen, la danza se desarrolla gracias a este juego de claroscuros que la composición corporal entremezcla con movimientos y silencios buscando la amalgama entre la luz que aparece dejando una imagen fija gracias a que se marcha rápidamente, para luego emerger y transformar lo que va construyendo junto con el cuerpo. En la música, que es nuestro material pri-mario, se mantuvo la idea de pulso propulsor o eje motriz de la dinámica constante en toda la obra, en este caso viene a ser el impulso de la masa de partículas o entidad compleja compuesta de dichas partículas. Haciendo una transformación dinámica considerable con respecto al primer movimien-to, el segundo parte de una identidad mucho más tranquila y estable que busca semejar la atracción e interacción de dichos cuerpos de forma metafórica.

SECCIÓN Tiempo Inicial Tiempo FinalIntro Motivo Cello Col Legno (Pulso) 00.05.01.08 00.05.21.06

Entrada Piano 00.05.21.06 00.05.36.04Pausa del Cello 00.05.36.04 00.05.41.04Retoma Cello 00.05.41.04 00.06.21.00

Puente (Piano) 00.06.21.00 00.06.58.00Tutti 00.06.58.00 00.07.58.03

Coda (Sub Bass) 00.07.58.03 00.08.37.23Final CUMULO/ Inicio COLÍSION 00.08.37.23 X

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Capítulo 4.

Colisión, es el movimiento que está situado en el centro de la obra, y este representa el contraste creativo con respecto a las dos primeras partes que contienen elementos similares dentro de sus especificidades dinámicas, tímbricas, armónicas, corporales y visuales. Este nuevo movimiento quisimos diferenciarlo con respecto al lenguaje inicial con la finalidad de que el carácter de la obra no se tornase repetitivo y monótono, sino que fluctuase su temperamento dentro de la lógica de sus cinco movimientos e independientemente en sus estructuras internas.

Tomando la definición de colisión: “El choque entre dos o más cuerpos de los cuales el impactado está en reposo. Un choque físico o mecánico es percibido por una repentina aceleración o desaceleración causada normalmente por un impacto, por ejemplo, de una gota de agua, aunque también una explosión causa-choque; cualquier tipo de contacto directo entre dos cuerpos provoca un choque. Lo que mayormente lo caracteriza es la duración del contacto que, generalmente, es muy corta y es entonces cuando se transmite la mayor cantidad de energía entre los cuerpos.” (J E, 2015)

Esto lo dispusimos de la siguiente manera en la composición; La música, se construyó a partir de la premisa de descomponer el pulso que había sido pronunciado en los dos primeros movimientos, está descomposición se tradujo a una ruptura de la sensación métrica, fracturando los sonidos en múltiples ataques que crean un flujo constante de actividad. Esto llevado al punto en el que esta multiplicidad de sonidos converge en un último ataque que representa un choque final como clímax tímbrico y dinámico. En la proyección visual, se construyó una variación considerable en torno al color siendo este el fondo de pequeños círculos de materia que circundan la pantalla hasta llegar a colisionarse de forma masiva sincronizados con el clímax tímbrico de la música.

En la danza la colisión es transferida a una serie de impulsos producidos por ataques sonoros que se comportan como una fuente energética que choca contra el cuerpo haciendo que este reaccione en sentido contrario y se produzca un cambio, en donde el estado de reposo pasa a ser movimiento, velocidad y fuerza, lo que sucede con el cuerpo es que cada aceleración producida por el impulso de la colisión lo va transformando de forma potencial y en aumento, produciendo una extenuación que lo lleva a ponerse sobre el suelo, transformando el espacio ingresando en el siguiente estado (Entropía).

SECCIÓN Tiempo Inicial Tiempo FinalIntro (Pad) 00.08.37.23 00.08.51.07

Entrada 1er Motivo (Violines) 00.08.51.07 00.09.29.03Solo 1er Motivo (Violines) 00.09.29.03 00.09.37.08

1era Variación del Motivo (Violas y Cellos) 00.09.37.08 00.10.10.23Entrada 2do Motivo (CB y Cellos) 00.10.10.23 00.10.59.04

Entrada 3er Motivo (Maderas) 00.10.59.04 00.11.07.08Solo 2do Motivo (CB y Cellos) 00.11.07.08 00.11.47.18

Tutti 00.11.47.18 00.12.25.02Silencio 1er Motivo (Violines) 00.12.25.02 00.12.53.17

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Capítulo 5.

20Es un sistema de notación para registrar y analizar el movimiento humano que se derivó de la obra de Rudolf Laban que lo describió en Schrifttanz (“Danza Escrito”) en 1928. (Hutchinson-Guest, 2005)Dirección y nivel del movimiento Laban clasifica nueve direcciones diferentes en el espacio, especificando el nivel del movimiento.Cada “símbolo de dirección” indica la orientación de una línea entre los puntos proximal y distal de una parte del cuerpo o una extremidad. Es decir, “los signos de dirección indican la dirección hacia la cual los miembros deben inclinarse”.

En la proyección visual se buscó una que el lenguaje dispuesto en el movimiento anterior se trans-formara hacia lo que consideramos que es una visión orgánica de la composición hasta ahora. Con el objetivo de que se evidenciara el papel que le quisimos dar a la entropía en la obra, y es la posición del hombre en el universo siendo esto muy significativo ya que son estas particularidades lo que lo sitúan en todo este proceso desde la partícula pero con una diferencia radical; el razonamiento, habilidad que le brinda la capacidad de saber qué papel cumple en todo este sistema.

Estructura Interna

SECCIÓN Tiempo Inicial Tiempo FinalIntro (Pad) 00.13.18.06 00.15.21.00

Entrada 1er Motivo (SEQ) 00.15.21.00 00.17.58.00Entrada 2do Motivo (Voz) 00.17.58.00 0.20.58.03

Drop (Voz y Pad) 00.20.58.03 00.23.37.23Entrada 3er Motivo 00.23.37.23 00.25.21.06

Tutti 00.25.21.06 00.27.21.06Drop II (Voz y Pad) 00.27.21.06 X

Este movimiento es parte importante de la construcción del ciclo que hasta ahora desarrolla PUL-SO, es el instante donde la evolución y la transformación se hacen presentes de manera inevitable e irreversible. Nos hemos basado para su definición en la segunda ley de la termodinámica, “La entropía figura dentro de esta rama de la física como una especie de desorden de todo aquello que es sistematizado, es decir, como la referencia o la demostración de que cuando algo no es controlado puede transformarse y desordenarse. La entropía, además, supone que de ese caos o desorden exis-tente en un sistema surja una situación de equilibrio u homogeneidad que, a pesar de ser diferente a la condición inicial, suponga que las partes se hallan ahora igualadas o equilibradas.” (Cuesta, 2006) La entropía no debe de ser considerada solo como el estado de desorden de un sistema, sino más bien como su grado de homogeneidad, por ejemplo si se lanza un vaso de cristal al suelo este ten-derá a romperse y a esparcirse, mientras que nunca será posible que lanzando los trozos de cristal se construya un vaso por sí solo. Sin embargo la entropía no está directamente relacionada con el desorden, en muchos de los casos es directamente proporcional al orden. Trasladando este concepto de entropía a la creación artística, de la idea de que una partícula es el elemento inicial para la creación de nuestro universo, de que la acumulación y colisión de estas permiten formar los demás componentes en el universo hasta llegar a la vida como la conocemos y sobre todo su nivel máximo de evolución en la tierra; y de como el hombre se relaciona con esta configuración como elemento que hace parte de este sistema pero que a la vez se separa por el usos de la lógica y la razón, el hombre visto como la entropía en el sistema. Es entonces donde este concepto dentro de la obra se configura como el proceso de transformación hacia una nueva organización sonora, visual y corporal, luego de venir de un proceso sintético nos trasladamos a comportamientos orgánicos relacionándolo de forma poética con la vida. En la música se buscó reubicar el timbre de la instrumentación con el objetivo de ligar sonoridades orgánicas dentro del proceso armónico, rítmico y melódico. Este proceso se construyó con el uso de la manipulación de voces humanas, instrumentos de percusión no convencionales y paisajes so-noros de entornos humanos. En la danza se inicia por poner el cuerpo en el suelo como una premisa para el desplazamiento donde la mayoría de partes se mueven en el piso, modificando así la direc-ción del movimiento en el espacio debido al cambio de nivel tomado como profundo de acuerdo con la clasificación de la Labanotation o Kinetography Laban20 considerando que los movimientos anteriores (Partícula, cumulo y colisión) se desarrollaron con el manejo de la verticalidad y un pun-to focal en el espacio como lo es el centro, para el movimiento de entropía la linealidad del espacio es transformada a tal punto en que se reorganización el cuerpo frente a esta nueva condición que le permite abordar la gravedad y el peso buscando, naturalizar el comportamiento corporal.

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Capítulo 6.

Cosmos, constituye el final del curso de PULSO, siendo a su vez el comienzo de un nuevo ciclo, manteniendo la idea de la evolución constante, gradual y en aumento como sucede con las etapas mencionadas anterior mente, abarcando lo más pequeño a lo más colosal, donde cada sistema puede ser incluido dentro del otro y cada estructura siguiente puede ser en sí misma contenida en otra estructura más amplia y similar, de manera que podemos pasar por una partícula y ubicarnos de manera continua en el universo observable y lo que estaría más allá de este; Comprenderemos la definición de cosmos como un sinónimo de universo donde el “El universo es la totalidad del espacio y del tiempo, de todas las formas de la materia, la energía, el impulso, las leyes y constantes físicas que las gobiernan.” (Zeilik & Gregory, 1998)

El Cosmos es todo lo que es o lo que fue o lo que será alguna vez. (Sagan, 1980)

Definimos Cosmos como un sistema ordenado y armonioso que luego de pasar por la entropía encuentra una manera particular y orgánica de disponerse, representando el estado más amplio en el que se pueden concebir los movimientos, para realizar la composición visual fue inevitable inspirarse en el mismo universo, de sus colores y patrones que decidimos ampliar desde un plano que mostrase dicho entorno hasta reducirse por completo y llegar a enfocar una partícula con un pulso final.

La construcción musical se estructuro en base a la idea de ambientes sonoros que causaran la sensación de amplitud espacial por el uso de reverberaciones con tiempos de repetición largos, y sufrir una transformación donde el timbre de la voz humana tomase una relevancia mayor con re-specto a la textura presentada inicialmente.

Para la composición en la danza se consiente el imaginario de que los movimientos son ejecuta-dos de manera dilatada manteniendo un conducto constante de la energía que se conduce a cada paso y conecta las acciones corporales, percibiendo que el movimiento es una especie de fluido que transita por el espacio por medio de redes vinculadas entre sí, el carácter que toma el cuerpo es cuerpo sensible, flexible y expresivo, la coreografía que se crea es constante casi sin pausas, debido a los movimientos incesantes y directos sobre el espacio.

SECCIÓN Tiempo Inicial Tiempo FinalIntro (voz) 00.27.21.06 00.29.41.04

Entrada 1er Motivo (Cuerdas) 00.29.41.04 00.31.21.00Estribillo (Voz) 00.31.21.00 00.32.21.06

Entrada 2do Motivo (Guitarra) 00.32.21.06 00.34.58.03Tutti 00.34.58.03 00.37.37.23

Solo Guitarra 00.37.37.23 00.38.36.04Entrada 3er Motivo (Pulso Final) 00.38.36.04 X

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7C O N C L U S I O N E S

mo. Capítulo

La creación interdisciplinar, posibilito la comunicación entre las distintas disciplinas y conformo un canal de relación que para la obra fue la manera más eficiente de solucionar los problemas que surgieron en la concepción multidimensional de los fenómenos que hicieron parte del proyecto, los conceptos que se desarrollaron se basaron en la relación que surgió entre ciencia y arte, vínculo que se planteó con un orden especifico de composición; para exponer dicho resultado decidimos estructurarlo de la misma forma como iniciamos este trabajo, disponiéndose en la construcción teórica, técnica y práctica.

Al introducirnos al lenguaje interdisciplinar, para nuestra investigación encontramos una manera efectiva de construir la obra que se convirtió en nuestro método de creación, donde abordamos las disciplinas involucradas de forma individual con un ordenamiento singular y reiterativo a lo largo del desarrollo de la obra. Este proceso partió en principio por la indagación teórica de los elemen-tos científicos que consideramos relevantes para la base argumentativa sobre la que fue diseñada la misma, esto quiere decir que para nuestro método creativo fue esencial disponer la estructura y forma general de la totalidad de PULSO sin aun abarcar los detalles y especificidades de cada dis-ciplina artística. De este proceso dimos origen a los movimientos o partes de las que se compone PULSO que sería nuestro primer vínculo, tomando el lenguaje científico como un cimiento para el desarrollo artístico.

En segundo lugar la creación artística se organizó tomando como materia prima la composición musical, elemento que dio lugar a la creación visual debido a que estas dos disciplinas jugaron con un elemento esencial en su propio desarrollo y es la capacidad de ser sincronizadas de forma tempo-ral por medio del protocolo de comunicación MIDI, determinando sus estructuras y características. Por consiguiente se dio lugar a la construcción corporal, que tomo la música y la proyección visual desarrollándolas y terminando el proceso compositivo, erigiendo el armazón escénico de PULSO. En tercer lugar descubrimos que este proceso se comportaba de manera cíclica a la hora de detallar el resultado final de cada movimiento, con un proceso retrospectivo y analítico de la sensación gen-erada por la interacción de las tres disciplinas.En consecuencia determinamos, que nuestro trabajo interdisciplinar no fue creado con una estruc-tura donde las disciplinas se iban desarrollando a la par en la construcción de los procesos creativos y llegando a conclusiones paralelas, sino que el proceso que determino nuestro desarrollo fue el paso modular en las disciplinas con el orden música-imagen- cuerpo el que nos permitió llegar al resultado obtenido.

Los resultados técnicos los clasificamos en dos partes, el primero, en el uso de la tecnología como medio para hacer posible el desarrollo de ideas que de manera física serían muy complejas de re-alizar, la capacidad de crear un escenario con sensaciones y ambientes que apoyan el lenguaje de las otras disciplinas construyendo una visión global única gracias a la interacción de estos elementos.

La primera conclusión obtenida en este aspecto fue la realización de esta interfaz de comunicación entre ordenadores que contenían la información visual y sonora de toda la obra, esta comunicación llego a ser exitosa gracias al uso de sincronización MIDI que nos permitió desencadenar una serie de eventos audiovisuales con completa concordancia a la construcción corporal.

Las disciplinas se vieron potenciadas gracias al uso de medios tecnológicos de forma indepen-diente, en la música fue la capacidad de contener múltiples sonoridades y timbres análogos y sin-téticos, de poder interactuar en tiempo real con el ordenador y de crear posibilidades sonoras que se ajustan a ser manipuladas por un solo interprete. En la composición visual fue el uso de herra-mientas de animación simple ligadas a la estética de creación minimalista y a la capacidad de ser alteradas por eventos sonoros, además de configurar un espacio de interacción con la danza, donde el cuerpo sufre una transformación a la hora de disponerse con estos elementos, apoyándose de los mismos para crear un juego con la luz, la silueta, el movimiento y el espacio, develando que al emplear estas herramientas tecnológicas se crean interpretes sustitutos con labores específicas y esenciales que funcionan de forma autónoma o con interacción humana. La segunda parte, es la síntesis de la información obtenida en las tres disciplinas en donde fue necesario buscar una manera gráfica que explicase los resultados creativos; la infografía y la iconografía como la herramienta para condensar dicha información que pone en evidencia los patrones y hechos recurrentes en la composición artística, esta sistematización permite desde un ámbito académico dar una nueva perspectiva a la hora de clasificar y organizar resultados, que se ven sustentados por estas herramientas para que los procesos artísticos puedan ser reinterpretados y útiles para futuras generaciones.

Por ultimo este proyecto es útil en el ámbito académico no solo por fomentar la creación interdis-ciplinar entre ciencia – arte, sino la capacidad de evidenciar los procesos de construcción en cada disciplina de manera gráfica que pueden ser trasladados a otras concepciones artísticas y que apoy-en la sistematización, sobretodo en la danza donde el nivel de complejidad en la interpretación y su carácter efímero la hacen difícil de reinterpretar solo con una descripción textual.

“Somos seres transitando fugazmente atreves de la existencia, creados a partir de residuos estelares. Somos polvo de estrellas, a la espera de reincorporarnos al lugar de nuestro origen.” (Sagan, COSMOS, 1980)

8B I B L I O G R A F Í A

vo. Capítulo

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