Nº10 Agosto 2012

ISSN: 2174-6877

Editada por: Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño

La Asociación

ANHAD es la revista de la Asociación

Nacional de Historiadores de Arte y

Diseño, dedicada a la difusión de los

estudios y los acontecimientos más

relevantes del panorama cultural

actual.

Esta revista bimensual publica una

edición especial al año y consta de

dos espacios: uno dedicado al arte y

otro al diseño.

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¿Quienes somos?

Beatriz Marín Pereira y Celia Fernández

Quintana.

Fundadoras de la Asociación y editoras de la

revista ANHAD Arte&Diseño

para estos tiempos difíciles. Por eso en ANHAD hemos decidido que la nueva temporada sea mucha la oferta cultural que podamos poner a vuestra disposición: más cursos, jornadas, congresos y participaciones editoriales. Queremos potenciar nuestro departamento editorial y poder dar respuesta a todas las propuestas que nos planteéis. Os esperamos en Septiembre con las pilas cargadas.

Somos muchos a los que el mes de agosto se nos presenta lleno de trabajo y planificación de proyectos

Sumario

ARTE

Novedades pág.5

Agenda de exposiciones

Una mirada feminista sobre las vanguardias

Panorama pág.9

Interferencias: arte y diseño pág.48 Pablo Lobato

Zona Diseño

El papel del Diseño en la reconstrucción

de Japón

Panorama pág.53

Arte+Diseño+? pág.51

Best Packaging desing

Nuevos talentos pág.63

Arte Contemporáneo pág.23

Cultura alternativa pág.35

Espacio fotografía pág.43

Francesca Woodman

Grandes personajes del arte

contemporáneo pág.18

Álvaro Castro

Proyecto La Exposición Expandida

Perspectivas caleidoscópicas

Entrevistas ANHAD pág.28

Iluminación

Marilyn Manson

Charlotte Moorman

Peggy Guggenheim

Nuevos Estudios de Diseño pág.59

Zona

Los pioneros del Land Art en nuestros días

@ANHADarte #revistaANHAD

Únete a nuestra

comunidad y te

informaremos de

las últimas

novedades

Zona ARTE

Novedades: Agenda de exposiciones

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GAUGUIN Y EL VIAJE A LO EXÓTICO: Museo Thyssen. Desde el 9 de Octubre. Gauguin y el viaje a lo exótico (I) Un viaje de ida y vuelta al exotismo en la modernidad. Gauguin y el viaje a lo exótico (II) La influencia de Gauguin en los expresionistas alemanes y los fauves franceses. El acercamiento de artistas de finales del siglo XIX y XX a sociedades menos avanzadas supuso una mirada diferente al marcado positivismo historicista predominante de la época que las consideraba inferiores. En esta muestra se refleja como aquellos viajes a lo exótico supusieron todo un revulsivo para la mirada del arte, una vez más a la vanguardia. COLECCIÓN CUBISTA DE TELEFÓNICA

Espacio Fundación Telefónica. El movimiento cubista y el contexto de cambio tecnológico de las vanguardias. La muestra parte de la figura de Juan Gris como representante de una nueva definición del cubismo, en la que estuvieron también implicados

Vicente Huidobro, Albert Gleizes, Jean Metzinger, André Lhote o María Blanchard. Asimismo se pone de manifiesto, a través de obras de Emilio Pettoruti, Xul Solar, Rafael Barradas, Joaquín Torres García o Vicente do Rego Monteiro, la influencia del movimiento en la experiencia artística latinoamericana.

Novedades: Agenda de exposiciones

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ROBERT CAPA. LA MALETA MEXICANA Círculo de Bellas Artes de Madrid. Hasta el 30 de Septiembre. Las fotografías de la maleta perdida de Robert Capa se muestran por primera vez en Madrid. ¡No te lo puedes perder!

EDWARD HOPPER Museo Thyssen. Hasta el 16 de Septiembre. El Thyssen presenta una retrospectiva del maestro de la pintura realista americana. Os recordamos que Museo Thyssen-Bornemisza presenta una exposición del estadounidense Edward Hopper (1882 -1967), una de las figuras claves de la pintura realista del siglo XX. No podéis faltar. Hopper, formado en la New York School of Art y devoto de Edgar Degas y Édouard Manet, fue un pintor de producción lenta y escasa. Desde sus inicios desarrolló un estilo artístico propio, ligado a su carácter

apesadumbrado sellado en los cuadros mediante la soledad de los personajes representados. Su pintura, diferenciada por el tratamiento cinematográfico y el dominio de la luz, refleja la América de la Gran Depresión.

Una mirada feminista sobre

las vanguardias Denuncia y reflexión en torno a las desigualdades de

género.

Novedades

El museo Reina Sofía pone a disposición del público un nuevo itinerario que permite reflexionar sobre la representación de la mujer y su papel en el arte y la sociedad. Este recorrido por la colección 'Feminismo' nos aporta otros modos de ver el sistema que ha imperado en nuestra sociedad en el que las mujeres quedan relegadas a un segundo plano.

La muestra pretende ser una reflexión sobre la invisibilización de la mujer a lo largo de la historia, inmersa en un universo masculino. Una situación social que puede verse a través de la producción artística de años pasados. En las 6 salas en las que se distribuye la colección 'Feminismo' puede hacerse un recorrido por los problemas y los logros de las mujeres. Desde su

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Novedades

Novedades

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fragmentación y su visión como objetos a imágenes de mujeres que empiezan a participar en la vida social y política, como milicianas en la guerra o como artistas. Una mirada crítica sobre la dominación masculina y una historia escrita por hombres, de la que ahora esta exposición rescata trabajos de mujeres que lograron superar las barreras sociales del momento.

Panorama

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Panorama

Panorama

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Marilyn Manson,

puro sentimiento pictórico en su Neo-expresionismo-pop.

Por Beatriz Marín

Marilyn Manson es un gran desconocido para muchos; este compositor y cantante del metal, es también escritor, actor, pintor y director de cine. En 1999 Marilyn hace su incursión en el mundo de la pintura, experimentando con acuarelas y más tarde se aventuraría con otras técnicas. En 2004 expuso sus obras por primera vez en el Centro de Exhibiciones de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, bajo el título: La Edad Dorada de lo Grotesco. El título escogido por Manson daba ya una noción de la línea pictórica que seguiría el artista en adelante.

Panorama

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La muestra provocó una gran agitación entre el público y especialmente entre los críticos de arte. Max Henry, de la revista Art in America, comparó sus obras con las de un paciente psiquiátrico y dijo que su trabajo nunca sería tomada en serio, señalando que:

La crítica de Henry subestimaba la cultura pictórica de Manson y su raigambre expresionista (recogiendo el testigo de Egon Schiele- por quien ha manifestado su admiración-, Otto Dix o George Grosz) combinada con un colorido y un encuadre compositivo claramente pop. Ese mismo 2004 expuso sus obras en Paris y Berlin con mucha mejor aceptación por parte de la crítica. Con el tiempo, sus obras han sido muy cotizadas y apreciadas en el mercado del arte.

«Tengo la impresión de que estas imágenes son terapéuticas. Me recuerdan a los cuadros elaborados por pacientes psiquiátricos, cuando se les dan materiales de arte para ser usados como terapia. Allí, ves un montón de demonios, y en el trabajo de Manson, veo también un poco de esos demonios.»

Panorama

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En declaraciones a la ORF, el director de la Kunsthalle, Gerald Matt, definió el trabajo pictórico de Manson como «una incertidumbre existencial entre belleza y destrucción, entre el crimen y la moral, entre justicia y locura». A través de trazos finos y colores fuertes, Manson crea personajes de contornos difuminados que, pese a su grotesca apariencia, se presentan desnudos y desamparados ante el observador. Las heridas, principalmente en zonas sensibles del cuerpo, son frecuentes en estas criaturas y una clara manifestación del miedo humano al dolor. Respecto a esa particular obsesión, Manson se refirió a Sigmund Freud y al psicoanálisis del que dijo: «insiste en decirle a la gente que muchas de sus particularidades y fantasías que les convertirían en artistas son negativas o enfermizas». Manson reivindica la dimensión provocadora del arte:

«El arte que no causa malestar y reflexión, no es arte. Cada artista que no se identifica con su arte, no es un artista.»

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Panorama

Marilyn Manson

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Panorama

CHARLOTTE MOORMAN:

Topless Cellist y el espíritu del Fluxus

Por Lourdes Pérez Álvarez

La figura de la estadounidense Charlotte Moorman (1933 – 1991) es la de una violonchelista y creadora que estuvo comprometida con el mundo de la música y del arte en su tiempo sin tener complejos ni prejuicios. Colaboró con importantes autores de la vanguardia, pero fue sin duda la musa del compositor Nam June Paik, con quien realizó varias performances que tuvieron gran éxito y repercusión mediática. La primera fue la ópera Sextronique (1967), exigía que Moorman tocara el violonchelo y actuara semidesnuda, lo que la llevó a ser detenida por la policía de Nueva York en plena actuación. Esto le valió para adoptar el calificativo de Topless Cellist y supuso su exclusión de los círculos clásicos. Dos años más tarde Paik creó para Moorman una de sus obras más importantes, TV Bra for Living Sculpture (1969), una obra intermedial que combinaba performance, escultura y vídeo en el marco de una galería de arte, un espacio que había sido tradicionalmente para la exhibición de pintura y escultura. Fue una obra pionera de vídeo-escultura que transgredió no sólo los límites de diversas expresiones artísticas sino también los de la ciencia tradicional y la ingeniería. Paik concibió su TV Bra como una forma de humanizar la tecnología forzándola a una relación híbrida con el cuerpo humano, su idea era la de utilizar esta tecnología para subvertir los efectos nocivos de la era electrónica. Originalmente, cuando la performance se realizaba en directo, el sonido que producía Moorman con su violonchelo se filtraba a través de un procesador que cambiaba, modulaba, interrumpía y regeneraba las imágenes en directo que se reproducían en los monitores de su TV Bra.

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Panorama

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Panorama

Su siguiente colaboración sigue en la línea de explicar el potencial de la televisión como objeto de arte y medio de expresión. En 1971 Paik idea su obra Concerto for TV Cello and Videotapes, para la cual se requiere un instrumento construido con tres televisores, cada uno de los cuales mostraba diferentes imágenes: una señal directa de la actuación en vivo, un vídeo-collage de otros violonchelistas y un canal de televisión sintonizado. El TV Cello poseía una sola cuerda sobre un puente que permitía producir distintos sonidos electrónicos como si de un violonchelo se tratara.

Panorama

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Charlotte Moorman fue una artista controvertida que no dejó indiferente a nadie y supo emplear la voz del violonchelo y la creatividad como arma persuasiva ante la incomprensión social y cultural de su momento. Fue portavoz del arte avanzado y estuvo muy involucrada en el Fluxus, un movimiento artístico de las artes visuales, de la música y la literatura durante la década de los sesenta y los setenta en Estados Unidos, Europa y Japón. Al igual que el dadaísmo, el Fluxus es el antiarte y no quiere encasillarse en una definición o categoría particular sino más próxima a un

“estado del espíritu, un modo de vida (…), de expresar y de elegir” como dijo Robert Filliou, miembro de la vanguardia. Fluxus pretendía impactar en el público con una visión especial e inconformista de la vida, siendo en el campo musical una experiencia auditiva de libertad y causalidad empleando como formatos el Happening y el Videoarte, como homenaje a los artistas inmediatamente anteriores, además de Moorman también pertenecían a este movimiento John Cage, Joseph Byrd, Yoko Ono o Carolee Schneemann.

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GRANDES PERSONAJES DEL ARTE

CONTEMPORANEO

“Preferiría tener un Picasso antes que tener una hija”.

Grandes personajes del arte contemporáneo

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La vida de Marguerite Guggenheim, a la que todos acabarían conociendo por Peggy, fue siempre inestable, como su propia familia. Nacida el 26 de agosto de 1898, segunda de tres hijas, unía en ella dos apellidos que hicieron una gran fortuna desde el siglo pasado en Estados Unidos: los Guggenheim, judíos procedentes de la Suiza alemana, que acabaron haciéndose con la mayor parte de las minas de plomo y plata en Colorado, y los Seligman, que llegaron a banqueros. Ella tuvo poca suerte. Su padre, Benjamin, fue sexto de diez

hermanos, entregados con devoción a la causa empresarial familiar. Sólo Benjamin salió casquivano, dejó a su esposa e hijas y terminó hundiéndose en el viaje inaugural del Titanic, cuando volvía de París con una joven cantante. Esto, y la vida precedente del padre, hizo que Peggy y sus hermanas vieran pasar por delante, sin tocarla, la fortuna Guggenheim. Pese a ello, se educó siempre en un mundo culturalmente rico -eso sí, con preceptores, en vez de padres- y empezó pronto a viajar. París y Londres sellaron la primer a parte de

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Grandes personajes del arte contemporáneo

su vida en Europa, y no sólo porque su primer marido la pidiera en matrimonio en lo alto de la Torre Eiffel, sino porque en la capital británica tuvo su primera galería de arte, la Guggenheim Jeune, en la que, gracias a los consejos de Duchamp, que le presentó a Jean Arp, a Cocteau y muchos otros artistas, expusieron las vanguardias, hasta entonces ignoradas en el mundo anglosajón. El conocimiento de Samuel Beckett, con el que tendría una historia galante, la ayudó a decidirse por la protección del arte contemporáneo. La primera pieza de su colección fue la escultura Cabeza y concha, de Arp, expuesta en Venecia. La Segunda Guerra Mundial frustró la intención de la mecenas de abrir un museo de arte moderno en Londres, a imagen del MOMA neoyorquino, no sólo de pintura y escultura, sino también con diseño, fotografía y arquitectura. Abrazó entonces la idea de "comprar un cuadro al día", con los fondos que había destinado para el proyecto, y se instaló en París. Así reunió obras cubistas, abstractas y surrealistas, y conoció a Albert Gleizes, Vasily Kandinsky, Yves Tanguy, Constantin Brancusi, Alberto Giacometti . Dalí no le interesaba, pero se compró La naissance des

désirs liquides, de 1931-32, por disciplina, porque estaba en las listas de sus asesores. Karole Vail cuenta que con Picasso tuvo menos suerte, porque la tomó por un ama de casa burguesa con la lista de la compra, y la echó con cajas destempladas. En 1942 abrió en Nueva York Art of this Century, espacio donde se expusieron obras de artistas emergentes americanos. Para la inauguración se puso un pendiente de Calder y otro de Tanguy: quería demostrar su imparcialidad entre el arte abstracto y el surrealista. En Art of this Century acogió a Jackson Pollock, al que lanzó, y dio cabida a Hans Richter, Hans Hofmann, Baziotes, Rice Pereira, Jean Hélion, Henry Moore, Leonora Carrington. Hizo también dos muestras integradas sólo por mujeres, algo entonces bastante insólito. La Peggy del arte, de los trajes, los amantes, las casas de lujo y las fotos y cuadros hechos por los punteros del momento tendrá en Venecia la última etapa de su vida de coleccionista. En 1948, invitada por la Bienal, expone su colección, y se ve por primera vez en Europa a Pollock, Rothko o Arshile Gorky. Convertida en una celebridad, compra el Palacio Venier, una obra inconclusa de mediados del siglo XVIII.

Grandes personajes del arte contemporáneo

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En los años sesenta, su rechazo del pop art y el elevado coste del arte contemporáneo la llevaron a interrumpir su ahora magna colección. Se dedicó entonces a mostrar los principales movimientos representados en ella, y a garantizar un futuro a su museo veneciano. El 23 de diciembre de 1979 la artritis pudo con Peggy, que se apagó en un hospital de Padua. La víspera hubo agua alta en Venecia y su hijo Sindbad, junto con su esposa, se

preocupó de salvar las obras de arte y los libros de huéspedes de los agitados embites de la laguna. Peggy Guggenheim, llamada La gran Dama del Surrealismo, está enterrada en su jardín, junto a los seres que quizá más amó. Bajo el epitafio "Aquí yacen mis adorados bebés" se encuentran los catorce perros que acompañaron sus 30 años venecianos, el último de los cuales, Cellida, tuvo el detalle de morirse dos días antes que su dueña.

Amó el arte moderno en todos los aspectos. Se acostó con sus mayores representantes y vivió inmersa en un torbellino de relaciones fugaces y violentas. Max Ernst, Lawrence Vail y Samuel Beckett fueron algunos de sus hombres. Marcel Duchamp su íntimo amigo y consejero. Jackson Pollock, su protegido. Su historia se construye con retazos variados de éxitos profesionales y fracasos personales. Su vida marca los pasos del nacimiento del arte moderno.

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Grandes personajes del arte contemporáneo

Tuvo tantos amantes como artistas predilectos. Se le preguntó una vez “¿Sra. Guggenheim, cuántos maridos ha tenido?”, a lo que ella respondió desafiante “¿Se refiere a los míos o a los ajenos?”.

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LOS PIONEROS DEL LAND ART EN

NUESTROS DÍAS

Por Diana Martínez Castro

A finales de los años setenta, tanto en Estados Unidos como en Europa, surgió un nuevo movimiento artístico denominado Land Art. Este movimiento nació gracias a que los artistas se fueron desvinculando de los espacios propios del arte como: el taller, las galerías, los museos e incluso la propia ciudad. En el Land Art, también conocido como Earth Art, el paisaje natural se convierte en medio y en lugar de la obra de arte. El movimiento ha seguido evolucionando en los últimos años, y algunos de los artistas del Land Art han regresado ocasionalmente a los viejos espacios. Con este artículo se pretende hacer una aproximación a las obras más actuales desarrolladas por aquellos artistas pioneros en el movimiento. Dennis Oppenheim, fallecido el pasado año 2011, ha sido uno de los artistas más representativos del Earth Art cuyas obras son las más ensoñadoras dentro

Arte contemporáneo

del movimiento. Esta fantasía está presente en obras como Light Chamber del año 2010, situada junto al Centro Judicial de Denver (Fig.1). A primera vista vemos los pétalos de flores que delimitan la escultura. Este conjunto es interpretado como el proceso mental, un conjunto de rincones y grietas que tiene toda toma de decisiones dentro del sistema judicial. Los pétalos se abren al exterior, sin embargo la parte interna de la obra es oscura, la oscuridad que puede envolver cualquier actividad judicial que se dé. Richard Serra, hijo de padre español y ganador del premio Príncipe de Asturias en 2010, es uno de los escultores minimalistas, y de obras de gran tamaño, más relevante de Estados Unidos. Una de sus obras más recientes es la que lleva por título 7 del año 2011, y que está compuesta por siete planos.

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Arte contemporáneo

La escultura se encuentra situada en el puerto de la capital de Catar (Fig.2). La escultura de acero, de poco más de veinticuatro metros de altura, ya ha comenzado su proceso de oxidación, creando sombras de color naranja en la superficie de la obra. Por lo tanto es una escultura viva debido a este proceso natural propio de algunos materiales como los metales. Las siete placas están conectadas en la parte superior de la escultura formando así un heptágono (Fig.3). Esta obra se encuentra ubicada entre los edificios más modernos del mundo, los cuales se encuentran en la ciudad islámica de Doha.

Fig. 1

Fig. 2

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Richard Long es otro de los artistas relevantes del movimiento. Se trata de un artista tremendamente comprometido con el paisaje, lo cual está presente siempre en sus producciones. Este británico es un artista al que le interesa para sus obras los elementos que se

encuentran sobre la superficie de la tierra, tales como arenas, tierras o piedras. Su obra Blaenau Ffestiniog Circle del año 2011 es un ejemplo clásico de Richard Long, él cual ha desarrollado varias obras con forma circular (Fig.4). Para esta obra ha utilizado pizarra de Gales, pizarra que el artista recogió personalmente en la mina de Llechwedd.

Hans Haacke ha sido otro de los padres del Land Art que todavía sigue en activo en nuestros días. Una muestra de su aun constante actividad es que hasta el 23 de Julio del presente año ha estado exponiendo en el Museo Nacional Reina Sofía sus Castillos en el Aire (Fig.5). Las principales preocupaciones de Hans Haacke son el mercado y los efectos de la globalización, pues se trata de un artista crítico y en muchas ocasiones controvertido.

Fig. 3

Arte contemporáneo

“El Land Art fue un movimiento rompedor y experimental durante sus comienzos”

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Christo y Jeanne Claude eran una pareja de artistas que ha realizado múltiples proyectos dentro del Land Art (Fig.6). Desgraciadamente Jeanne Claude falleció en 2009, pero sus dibujos y proyectos siguen presentes. Over the river ha sido uno de sus últimos proyectos como pareja, se trata de un trabajo temporal que estará situado durante dos semanas sobre el río Arkansas. Christo está trabajando para obtener los últimos permisos y si el proceso sigue sobre lo previsto, esta instalación será exhibida entre 2014 y 2015. Esta obra, como el

resto de las obras de la pareja, se caracteriza por el uso de la tela como principal material. Se trata de unas telas traslucidas que taparán el cauce del rio Arkansas (Fig.7). Los artistas eligieron este rio porque sus orillas son lo suficientemente altas como para que se pueda navegar en balsas bajo la instalación y así poder disfrutar de este proyecto no solo visualmente, sino también de un modo lúdico. Podemos ver como los artistas del Land Art de la década de los setenta han ido recorriendo caminos diferentes, sin embargo todos continúan en una línea conceptual y minimalista. El Land Art o Earth Art fue un movimiento rompedor y experimental durante sus comienzos, cuando se estaba empezando a desarrollar la era de la postmodernidad, sin embargo en nuestros días múltiples artistas continúan el camino ya andando por los artista anteriormente citados tratándose todavía de algo novedoso, a pesar de tener medio siglo a sus espaldas, y para gran parte de nuestra sociedad siendo entre algo desconocido y rompedor.

Fig. 4

Fig. 5

Arte contemporáneo

Bibliografía:

Fig. 6

Fig. 7

BOZAL, V. Modernos y postmodernos. Madrid, Historia 16, 1993. GUASCH, A.M. El arte del siglo XX en sus exposiciones. 1945-1995. Barcelona, Ediciones Serbal, 1997. GUASCH A.M. El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Madrid, Alianza Forma, 2000. RAQUEJO GRADO, T. Land art. Madrid, Nerea D.L., 1998. VVAA. Arte del siglo XX. Barcelona, Taschen, 2001.

Arte contemporáneo

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ALVARO

CASTRO

ENTREVISTANDO A

Entrevistas ANHAD

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Entrevistas ANHAD

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Entrevistas ANHAD

Para aquel que no te conozca demasiado, háblame un poco de ti. Tu pasado, aficiones… Pues me llamo Álvaro Castro, tengo 25 años, nacido en Córdoba pero criado en un pueblecito de Cádiz (Conil de la Frontera) desde los 8 añitos. Soy maestro de Educación Física pero desde antes de hacer la carrera de magisterio me fascinaba el tema del diseño gráfico, creaciones de webs y maquetación. Mis aficiones siempre han sido los deportes, juego al fútbol siempre que puedo, al baloncesto y al paddel; voy al gimnasio a cuidarme un poco (aunque lo tengo un poco dejado) y sobre todo me gusta de siempre el tema del diseño y me gusta crear cosas, dedicarle tiempo relajado con mi música puesta. A parte de todo lo dicho anteriormente la música es algo que también me gusta, me levanto por las mañanas con música y me acuesto con ella, escucho todo tipo y sobre todo me gusta escuchar aquella que te alegra el día y te da energía, pero me gustan muchos estilos (aunque mi favorita es el rock). ¿Cómo empezaste a dedicarte a esto? ¿Fue algo vocacional?

Desde que tengo uso de razón he hecho dibujos en papel y cuando tuve mi primer portátil a los 18 años (antes solo teníamos un ordenador que compartía con mi hermano y mis dos hermanas) fue cuando le dedique mucho más tiempo al tema del diseño, tanto de webs como de creaciones propias. Siempre me gustó hacer montajes por Photoshop, creando diseños a partir de formas geométricas superponiéndolas, utilizando degradados en estas y transparencias para darle volúmenes y sombras. Supongo que es algo vocacional, además en mi familia hay muchos miembros a los que le gusta el tema de dibujar, a una de mis hermanas le encanta, se ha presentado a muchos concursos de carteles y a mi hermano también se le da bien el tema del dibujo. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de crear algo? Principalmente es mi imaginación, algunas de mis obras parten de algo que se me ha ocurrido en un determinado momento de la nada, pero la inmensa mayoría de mis diseños se inician por observar el mundo que nos rodea y de imaginar cosas a cada momento del día, en

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cada situación, cualquier momento es bueno para crear algo. También me gusta ver creaciones de otros diseñadores y tengo varios libros de ilustraciones muy variadas que siempre pueden abrirte la mente para cualquier tema. No es que utilice un diseño de otro y lo modifique de una forma para hacer algo nuevo, sino que me fijo en un elemento de cualquier ilustración, cartel, alguna situación de la vida real, etc. y creo mis diseños. También me inspiro en temas más profundos, como el amor, algo que me inspira mucho a la hora de realizar cualquier trabajo. ¿Sigues más o menos un mismo procedimiento a la hora de realizar tus trabajos? ¿Podrías contárnoslo a grandes rasgos? Cuando voy a crear algún diseño siempre parto de una visualización que he creado en mi cabeza, es decir, veo el trabajo finalizado y como quiero que sea antes de empezarlo. A partir de esta imagen voy creando lo que quiero conseguir, muchas de las veces acaban como me lo imagino en un principio pero otras veces varían a lo largo del proceso de creación. Me gusta trabajar con formas planas y colores alegres, siempre muy

Entrevistas ANHAD

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simplificadas pero impactando lo más posible en el público y haciéndoles llegar el mensaje que quiero expresar lo más claro, fácil y directamente posible. Pero lo que de verdad me satisface más en mis diseños es conseguir sacar una sonrisa, porque en la gran parte de mis diseños siempre intento incluirle un ingrediente especial, el humor. ¿Trabajas por series temáticas? Me gusta trabajar por series temáticas pero no es mi única forma de trabajo, aunque siempre intento con estas el exprimir al máximo un tema que me ha inspirado a la hora de realizar un proyecto u/o diseño. Actualmente tengo dos series temáticas realizadas una se llama "RUN" y represento ese afán de preocupación por el tiempo, como vamos con prisas a todos lados siendo esclavos del reloj, corriendo de un lado para otro sin un momento en el cual detenernos y disfrutar realmente de cada segundo de nuestras vidas, cada soplo de aire, cada mirada que se cruza con la nuestras, cara caricia de un ser querido, etc. Mi segunda serie se titula "OMG!" (Oh My God!) y son escenas bastantes peculiares y rocambolescas en las

cuales mi finalidad es la de divertir al público con un poco de humor y buscar esa sonrisa que anteriormente comente. De todos los trabajos que has hecho, ¿de cuál estás más orgulloso? Sinceramente del que estoy más orgulloso es de uno de los primeros diseños que realicé, creo que fue teniendo 19 o 20 años y es una representación desde mi propia visión del personaje de dibujos NARUTO, lo realicé por Photoshop partiendo de formas geométricas y enlazándolas hasta ir formando poco a poco cada parte. Aún lo conservo guardado en un disco duro sin que se me pierda porque la verdad es que me sentí muy orgulloso el día que lo hice e incluso hoy en día lo sigo teniendo muy presente.

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¿Algún proyecto interesante en el futuro? ¿Dónde ves tu trabajo en un plazo de 5-10 años? Pues siempre tengo proyectos en mente que hacer, uno de ellos es una nueva serie que estoy empezando a darle cuerpo y realizando diseños; el otro proyecto en el que ya estoy embarcado, es la creación de una revista dedicada buena parte de ella al tema del diseño, aunque también abordará otros temas como análisis de videojuegos y otras secciones.

Entrevistas ANHAD

Si te ha gustado el trabajo de Álvaro Castro y te has quedado con ganas de ver más, te recomendamos que eches un vistazo al primer número de su revista REVISTA BASIK y a su BLOG

Mi trabajo dentro de 5 o 10 años me gustaría que estuviese ligado al mundo del diseño porque es lo que siempre he querido y dedicarme a ello, pero el destino es caprichoso y nadie sabe con certeza donde puede llegar a estar. Y para terminar, algunas palabras para los que están empezando en el mundillo. Solo decirles que este mundillo puede ser muy competitivo pero que nunca bajen los brazos y se den a conocer, que no se corten a la hora de expresar sus ideas y de enseñar a todo el mundo sus diseños. Si es su sueño que nadie sea capaz de quitárselo, la ilusión y las ganas es el mejor motor para llegar a conseguir en esta vida todo lo que uno se proponga.

El devenir del arte

contemporáneo.

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Cultura alternativa

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Si desarrollas un proyecto y quieres mostrarlo en esta sección, contacta con nosotros

La Exposición Expandida es un proyecto experimental de comisariado colectivo que se enmarca en el nuevo contexto cultural, social y tecnológico en el que nos encontramos inmersos en la actualidad. Las herramientas 2.0. con las que estamos cada vez más familiarizados nos permitirán, por una parte, elaborar un discurso expositivo a través de diferentes salas y, por otra, estrechar los vínculos entre la obra y el espectador, favoreciendo el diálogo y la comunicación entre público, comisarios y artistas para facilitar la comprensión y el aprendizaje. En la Exposición Expandida han trabajado de manera colectiva y democrática a través de herramientas como Facebook y Google Docs para

En este número de la revista os hablamos del Proyecto la Exposición Expandida e incluimos el discurso expositivo de una de las comisarias participantes.

para sentar las bases del proyecto y definir sus fases en torno a un tema común elegido por consenso, la ciudad, que desarrollaron de manera individual en diferentes vertientes: la ciudad como espacio social, el patrimonio, la arquitectura, el arte urbano y los espacios abandonados. En total, 23 comisarios se han unido al proyecto, aportando nueve puntos de vista a los cinco propuestos inicialmente por la organización. Si quieres saber más del proyecto y visitar todas las propuestas expositivas te recomendamos que eches un vistazo a su web.

http://laexposicionexpandida.net/

Cultura alternativa

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PERSPECTIVAS CALEIDOSCÓPICAS:

UN PEQUEÑO ESTUDIO SOBRE EL USO DE LA PERSPECTIVA EN STREET ART

Este artículo, aunque en una versión más reducida, tuvo su origen en la oportunidad que se me brindó al participar en el proyecto de comisariado colectivo online de La Exposición Expandida. Lo que en principio iban a ser unos pocos párrafos se convirtieron en el descubrimiento de un mundo nuevo y dio lugar a lo que se va a poder leer a continuación:

Perspectiva:

La propia definición de la perspectiva (D.R.A.E.) presenta un juego de matices y significados en cada una de sus acepciones. Por su parte, la mímesis ha sido uno de los ejes de la representación en la Historia del Arte. Si se unen todas las vertientes en una sola oración, se verá que la perspectiva es un arte que enseña y representa conjuntos de objetos desde un punto determinado del espectador, una visión en principio ajustada a la realidad, favorecida por la observación, ya distante, espacial o temporalmente de cualquier hecho o fenómeno desde un punto de vista concreto que puede dar a una apariencia o representación engañosa y falaz.

1. Arte que enseña el modo de representar en una superficie los objetos, en la forma y la disposición con que aparecen a la vista. 2. f. Obra o representación ejecutada con este arte. 3. f. Conjunto de objetos que desde un punto determinado se presentan a la vista del espectador, especialmente cuando están lejanos. 4. f. Apariencia o representación engañosa y falaz de las cosas.

5. f. Punto de vista desde el cual se considera o se analiza un asunto. 6. f. Visión, considerada en principio más ajustada a la realidad, que viene favorecida por la observación ya distante, espacial o temporalmente de cualquier hecho o fenómeno.

Por Miriam Callejo

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Nosotros tenemos, como individuo pensante, una perspectiva propia en todos los aspectos. Sin embargo, desde que tenemos consciencia respecto a lo que nos rodea, hemos intentado imitar lo que vemos en el arte, y la perspectiva no va a ser menos. Dado que nuestra vista nos proporciona una forma tridimensional de ver los objetos, los artistas han intentado emular esa facultad desde la pintura, pero la sensación de profundidad ha sido uno de los principales caballos de batalla en la historia del arte, mezclando puntos de vista, distorsionando las imágenes o, simplemente, obviando que el ojo percibe las cosas en tres dimensiones. El Renacimiento supone un punto y aparte en cuando a estudio de la perspectiva se refiere. Por fin se idea un sistema de presentar la profundidad y la perspectiva surgiendo especialistas en la técnica del scorzo, de la que Andrea Mantegna es el más conocido por todos. No obstante, el juego entre autor-obra-espectador, tal y como nos interesa aquí, se puede observar ya en uno de los cuadros más famosos de la Historia del Arte: Los Embajadores de Hans Holbein. Su enigmática, a la par que magnética, calavera está realizada en perspectiva, de tal manera que solo es posible

verla como tal empleando una cuchara u observándola casi en paralelo con la tabla. Un hecho que incluso a nosotros nos resulta curioso e incomprensible teniendo en cuenta su realización, a mediados del siglo XV. Holbein el Joven parece adelantarse cinco siglos a su contexto, presentando la más conocida anamorfosis que se ha dado en pintura, y anunciando lo que será en los siglos XX y XXI, uno de los recursos más impactantes del arte urbano, en el cual nos detendremos más adelante.

Cultura alternativa

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No es hasta el siglo XVIII y sobre todo a comienzos del siglo XX, cuando se comienzan a desafiar las leyes de la perspectiva arriesgando en proporciones, puntos de vista y confundiendo brutalmente la mirada del espectador que llega a no discernir si lo que ve es un interior o un exterior, si se trata de un plano o una figura en perspectiva, si una figura empieza o termina o, que simplemente se pregunte qué diablos tiene delante. Uno de los primeros en jugar con las perspectivas de forma deliberada es Giovanni Battista Piranesi. Sus diseños de laberínticas cárceles, angustiosas, confusas, exasperantes para nosotros (no digamos lo que supondría para los supuestos destinatarios), planea sobre la

confusión, fusión e incoherencia de los espacios, no sabiendo bien si lo que se ven son fachadas externas o simples galerías del interior, cuándo empieza y/o termina una de ellas o si simplemente, llevan a algún lugar. Jugar con la perspectiva, muy posiblemente de forma consciente y deliberada, hace de las cárceles de Piranesi un proyecto de cualidades maquiavélicas. Dando un salto en el tiempo, llegamos a las Vanguardias, al arte contemporáneo. El artista aún no ha escapado del lienzo y el papel, pero comienza a jugar con las arquitecturas, las perspectivas y las formas, pidiendo a gritos una libertad de materiales y “lienzos” que décadas más tarde tendrá su momento al transgredirse el umbral del soporte artístico; del estudio a la calle. Quiénes mejor que dos artistas caracterizados por la ambigüedad, los efectos visuales, las perspectivas confusas, difusas y yuxtapuestas, y la llamada de atención a la agilidad mental del observador, para reflejar este cambio, nunca mejor dicho, de perspectiva: M. C. Escher y René Magritte. Mientras que el segundo fundía –y confundía- diferentes escenas y motivos, el primero se decantó por el estudio de problemas matemáticos en clave artística, las ilusiones ópticas y las figuras imposibles sobre la superficie plana del papel en minuciosos y complejos dibujos o grabados de enorme calidad técnica, muchas veces con la arquitectura como su objeto de investigación.

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Magritte. Les Promenades d'Euclide. 1953.

En estos momentos, el término anamorfosis no está muy extendido, ya mencionado, pero sí lo están los juegos visuales o los cuadros dentro de cuadros (y, temáticamente, ciudades en estudios o galerías, ciudades en ciudades, edificios sin principios ni finales –ni entradas ni salidas-). La ciudad como se conocía en el mundo del arte, desaparece en las Vanguardias, incluso literalmente al introducirse el artista en el mundo de la abstracción. Es a mediados del siglo pasado cuando la ciudad, fuente de inspiración para artistas, se convierte en su lienzo. Llega el arte urbano, la publicidad, las exposiciones al aire libre: ciudad y arte se funden

Irremediablemente convirtiéndose en partes cotidianas de los transeúntes. Unos pasan de largo, otros se alteran, otros sonríen, otros se detienen. Y es para estos últimos, observadores incansables de su entorno para quienes la perspectiva adquiere una mayor importancia si hablamos en términos artísticos. Este observador se para, inquieto por ver qué es lo que tiene ante él. Cuando descubre el secreto, ya ha atraído la curiosidad de unos cuantos; el público del artista urbano. El atrevimiento de éste se convierte en un misterio a resolver por el paseante. No solo las paredes son soportes del arte; el suelo, para desafiar las leyes de la planitud de la superficie, es el lugar perfecto, aunque no el único, sí es el más requerido. La anamorfosis, como se denomina este tipo de efecto visual, se define por verse tal y como es realmente solo desde un punto de vista, de lo contrario, se distorsiona o pierde su forma completamente. Uno de los artistas más conocidos en la realización de juegos de perspectiva en las calles es Edgar Müller, famoso por las dimensiones de sus creaciones, llegando a parecer que nos presenta la entrada a un mundo paralelo en nuestro propio pavimento, el mismo que pisamos a diario y que nunca habíamos reparado en ello.

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El caso español por excelencia de la creación de anamorfosis, y, famoso por la complejidad y realismo de sus obras es Eduardo Relero. Interactuar con sus figuras surgiendo del suelo, se hace inevitable, máxime si se cuenta con una cámara a mano. En la misma línea de los dos anteriores, se sitúa el británico Julian Beever. Se trata de uno de los artistas urbanos más populares en el terreno de la anamorfosis y las ilusiones ópticas en la calle, hechas, sobre todo, con tiza. Es palpable que estos tres artistas beben, en muchas de sus creaciones, directamente del arte clásico de lienzos, tablas y, en ocasiones incluso escultura y, en el caso específico de Relero, en algunas ocasiones parece haber sacado a la calle y magnificado las perspectivas de M. C. Escher.

Edgar Müller

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Eduardo Relero. Llotja del Mar. Barcelona

Sin embargo, no todo en el juego de perspectivas del arte urbano se centra en el suelo. El mobiliario urbano puede ser, por ejemplo, reconvertido en micromundos; un Lilliput en nuestras calles que encontramos de repente al mirar un parterre, o una caja de cuadros eléctricos. Evol (abajo) nos lleva no solo a otra perspectiva, sino a otra dimensión.

Julian Beever

También jugando con el mobiliario urbano, se encuentra Pavel Puhov, artista urbano ruso, quien utiliza las luces de la ciudad, dando lugar a dos obras en una: la diurna, y la nocturna, con la farola, una lámpara encendida o un pequeño fuego, que da significado completo a la obra. En este caso, no se trata solo,

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de utilizar los elementos de la ciudad, sino también el tiempo que hace que una obra cambie su significado –y, por su puesto, su perspectiva- solo con el paso del día a la noche. Si Evol utiliza como soporte el mobiliario urbano, el suizo Felice Varini (abajo) utiliza amplios espacios para realizar sus anamorfosis. Para mirar la obra de Varini hace falta, sobre todo, distancia, ya que sus composiciones se realizan pintando sobre las fachadas de los edificios, en fragmentos, cuya vista final desde el principio de la calle, resulta una figura geométrica, generalmente círculos y espirales, si se varía el punto de vista, solo se verán líneas sobre los edificios.

Cultura alternativa

Pavel Puhov. Vista diurna y nocturna

Las cosas no siempre son lo que parecen, incluso en el arte urbano, en el que la ciudad, el mundo mismo, se convierten en lienzos improvisados. Sus propias cualidades y la interactividad misma de la ciudad, el entorno y la persona que atraviesa las calles, hacen que el artista urbano se erija como el rey del engaño, una especie de ilusionista callejero que despierta de su sopor a la monótona masa con sus perspectivas cambiantes, caleidoscópicas.

Recomendamos leer el texto completo en su blog

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FRANSCESCA WOODMAN:

MUCHO MÁS DE LO QUE SE VE

Cuando me coloco tras la cámara siempre tengo una imagen en mente que pretendo ver después en el papel. Muy pocas veces lo he conseguido. Hablaba hace un rato con mi amigo ilustrador, al que aprecio mucho, y me preguntaba si realmente una fotografía es igual a lo que se ve. Sin pensarlo, respondí con un rotundo no. Y, al llegar a casa, comencé a darle vueltas al asunto. Sin darme cuenta, mi cadena de asociaciones mentales me llevó a Francesca Woodman, fotógrafa en la que, casi siempre, desemboco. Siempre que pienso en ella, me la imagino en silencio. No sé muy bien porqué, la visualizo en un parque de Nueva York, paseando despacio, sin nada en las manos, llevando un gorro de lana a juego con la bufanda, una falda larga y un ancho jersey, y cargando con cierto aire bohemio de romanticismo dramático que siempre gira en torno a los artistas de espíritu. Quizás sea eso lo que desprenden sus imágenes o lo que personalmente me transmiten. En ellas no importa lo que se ve realmente, a simple vista; en ellas, lo fundamental es lo que no se ve. Poco antes de cumplir los 23 años, la joven fotógrafa saltaba desde el Lower East Side de Manhattan explicando en una nota que prefería abandonar el mundo dejando una obra que hablase por sí misma, a envejecer convirtiéndose en un mero producto cotidiano. Aunque su muerte es un auténtico misterio, lo que sí es cierto, es que después de mandar su trabajo a múltiples agencias, nadie se interesó en ella. Sus fotografías no llamaron la atención de artistas, publicaciones o mecenas… y a Woodman solamente le quedaba un enorme vacío… un vacío interior que no supo llenar, y un vacío bajo sus pies.

Por Martha R. Barilari

Espacio fotografía

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Espacio fotografía

Entre paredes desconchadas y edificios en ruinas o fábricas abandonadas podemos ver cuerpos femeninos que cambian de postura, posan en silencio o se mueven despacio… desnudos, vestidos, o parcialmente vestidos, sin mostrar el rostro y creando un misterio que a veces puede resultar sobrecogedor y, sin embargo, en una segunda visión, tremendamente tierno y nostálgico. Preceden a la desesperación del suicidio pero no nos dejan verla. Nos hablan de los miedos y de los fantasmas de esa extrema sensibilidad de la que sufren los artistas.

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Espacio fotografía

Y esto es lo que no se ve en la fotografía pero que tiene una presencia mucho más poderosa que el propio cuerpo: no se ven el dolor de la vida y la alegría. Ni la ilusión por los nuevos proyectos ni el pánico al rechazo. Tampoco se ve el peso de la cámara. Ni la crisis del artista cuando se siente agotado y no encuentra la inspiración. La euforia que llega con las nuevas ideas o la curiosidad por todo lo nuevo, las ganas de aprender y de ser algo más, de llegar a algo más. Vitalidad, energía y juventud

parecen mezclarse con una carga, con una extraña tristeza que desequilibra y rompe el esquema del autorretrato como simple presentación.

Después de ver sus imágenes, nos damos cuenta de que no podemos ponerle un rostro a Francesca Woodman, a pesar de que son autorretratos y les hemos dedicado unos minutos de reflexión a cada uno de ellos. Y, sin embargo, podemos hablar de ella mucho más profundamente que de cualquier otro fotógrafo que nos presente en un primer plano las facciones de su cara o sus gestos más representativos. Porque sabemos, a través de sus imágenes, que la fotógrafa se sentía muy mujer, deseada por los hombres y acomplejada por sus propios

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Espacio fotografía

miedos. Sabemos que se sentía sola y que, desde el silencio, encontraba inspiración y respuestas hacia la proyección interior de sus propias preguntas y, sin duda alguna, que expresaba su dualidad a través de unas fotografías tan oscuras como esperanzadoras. Después de todo esto, vuelvo a la pregunta que me planteaba mi amigo, ¿podemos captar en una fotografía exactamente lo que vemos? Ahora, mi respuesta es más compleja pero, a la vez, más real: eso no importa, porque lo fundamental, es hablar de lo que no vemos.

Interferencias entre arte y diseño

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Interferencias entre arte y diseño

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Pablo Lobato

Su lista de clientes incluye nombres como: The New Yorker, Rolling Stone, Time Magazine, Los Angeles Times Magazine, Los Angeles Magazine, The New Republic, Boston Globe, Texas Monthly, Cosmopolitan Alemania, Consejero Delegado, Flare, AARP, Paste Magazine, o New York Daily News.

Personajes del cine y la música son los habituales protagonistas de sus creaciones. Los colores planos otra de sus señas. ¿El resultado? Más que magnífico, una brillante asimilación de lo más característico de cada personaje, un retrato psicológico que nos transmite la esencia y personalidad de cada uno de ellos. Desde Madonna a Bob Marley, pasando por los Beattles o Woody Allen, el desbordante talento de este ilustrador pesa por sí mismo.

Poco después de terminar sus estudios, Pablo comenzó a trabajar como diseñador gráfico para diferentes revistas. Esto, sin embargo, sólo duró cinco años, desde que el aburrimiento total lo condujo de vuelta a su primera pasión –la ilustración. Hoy en día, Pablo Lobato ha hecho un buen nombre para él mismo en Argentina, donde vive y trabaja.

Interferencias entre arte y diseño

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Zona Diseño

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Todo es susceptible de ser concebido poéticamente, desde lo más insignificante de una bolsa de té, unos auriculares, unas brochas, los cotidianos calzoncillos, el envase para llevar “comida rápida”, o un simple paquete de pasta.

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Esta es una muestra de la “estetización de la vida” que nos brinda el diseño.

Arte+Diseño+?

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Panorama

El papel del Diseño en la

reconstrucción de Japón

Por Ariadna Ruiz Gómez

¿Qué nuevos paradigmas son los que se formulan tras una catástrofe

de la magnitud de la del terremoto y el tsunami de Japón?

Con motivo del aniversario del desastre natural y nuclear por el que pasó Japón, el Colegio de Arquitectos de Catalunya quiso hacer una retrospectiva de los planteamientos arquitectónicos que se han llevado a cabo para la regeneración de la isla nipona. Para ello, el pasado mes de marzo, entre los días 8 y 31, tuvo lugar la exposición de Arquitectura Contemporánea Japonesa, un año después del terremoto y del tsunami, que estuvo acompañada de un ciclo de conferencias que dieron los arquitectos desarrolladores de esta empresa de reconstrucción. El planteamiento que siguió el Colegio de Arquitectos fue el de profundizar en el proceso de recuperación del pueblo japonés. Para ello establecieron una división cronológica, disponiendo en cada franja temporal las actuaciones que se habían llevado a cabo desde el primer mes, hasta el cumplimiento del primer año. Los proyectos estuvieron expuestos en la sala de exposiciones del Colegio. Dentro de la gran cantidad y variedad de planteamientos arquitectónicos, se podía atisbar una serie de ideas rectoras comunes en todos ellos. Por un lado el uso de la tradicionalidad, tanto en los materiales y técnicas de construcción, como los conceptos semióticos que estas fórmulas despiertan en la mirada japonesa. Otro de sus parámetros será la estricta organicidad, tanto del planteamiento urbanístico como en la distribución interna de la vivienda, por tanto, y en esta línea, es de obligada mención destacar la funcionalidad, ya que es uno de los rasgos por los que

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Panorama

destaca la industria japonesa, y en el caso que nos ocupa, como ya veremos, lo llevan a su máxima expresión. Pero el verdadero leitmotiv de todas estas actuaciones se encuentra en el uso y aprovechamiento de las energías naturales, que quedan al servicio de las poblaciones. Por seguir el esquema temporal de la exposición, abordaremos algunas de las actuaciones que se dieron desde el primer mes, hasta las últimas intervenciones del año. Las más próximas al desastre consistieron en labores de reubicación de la población afectada. Se realizaron pequeños módulos para que las familias pudieran tener algo más de intimidad en los pabellones de acogida, y una vez se limpiaron las áreas devastadas, se erigieron núcleos urbanos para que la población pudiera volver a asentarse. Muchas de estas tareas se centraban prácticamente en labores de bricolaje. Tenemos el caso del proyecto Heartquake Base Camp, realizado por Heartquake Project, que se trata de una concentración de edificios de baja densidad, reciclables y de carácter temporal, cuyo cometido es mejorar las condiciones de vida de los afectados por el desastre. El arquitecto Koji Kakouchi, con su

proyecto Gassho, en Iwate, ha aunado la simplicidad de formas con la tradición y la cultura japonesa. Sobre los cimientos de los edificios arrasados, Koji Kakouchi quiso levantar un espacio de refugio y recreo para los supervivientes. La construcción se realizó siguiendo las técnicas artesanales niponas. Mediante tablas de madera crea un tejado a dos aguas, una estructura simple y muy

utilizada en la arquitectura japonesa contemporánea. El valor de la forma reside en la importante carga conceptual que contiene, ya que es una alusión a la posición de las manos para la oración.

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Panorama

En los escombros de hormigón de las casas arrasadas se dispondrán zonas de cultivo, así pues, la cabina de madera se ancla en una de las habitaciones y el resto se deja para cultivar y regenerar la tierra.

En el plano del urbanismo, debemos destacar la actuación que se realizó tres meses después de la catástrofe, en la zona pesquera de Iwate y Miyagi, afectada por el terremoto del este. El proyecto, denominado Takadai (high land) Project, consistió en la ardua tarea de trasladar

población de la zona agrícola a una zona más elevada, en un monte cercano al núcleo urbano. Para ello se realizó un estudio integral, ya que era necesario tener en cuenta factores tales como la salinidad del terreno para el cultivo. A los seis meses se configuró el grupo Young Architects Plaza y comenzaron a mostrar sus exposiciones y trabajos para la reconstrucción de la zona más afectada, la del terremoto, el tsunami y la zona dañada por la radiación de las planta nuclear. Este grupo, configurado por jóvenes arquitectos y estudiantes de arquitectura, sirvió de estímulo a los supervivientes, ya que además de sus innovadores trabajos también interactuaban con la población, trabajando en equipo para conocer más de cerca sus necesidades. En estas mismas fechas, los estudiantes de arquitectura de la Universidad de Keio SFC Campus plantearon un proyecto para ayudar a la reconstrucción de Kesennuma, denominado Fish Arch. La tarea consistiría en la creación de un arco simbólico, una puerta emblemática que recuerde la tragedia, pero a la vez que también conmemore el poder de superación del pueblo de Kesennuma que se ve fortalecido por ese carácter gregario de la sociedad japonesa. La estructura del arco se basa en laminas de madera con forma de pez, haciendo un guiño al principal sustento de la

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comunidad, la pesca. La madera proviene de las toneladas de madera recogidas en la catástrofe y que posteriormente se reciclaron. Más tarde, mediante el corte digital, se le dio la forma de pez y mediante las ranuras se ensamblaron las piezas unas con otras. Las medidas estimadas para su realización fueron de 2 metros de altura y 4 de ancho. Durante el mes de agosto se presentó el arco en diferentes puntos de la ciudad, y una vez terminadas las fiestas de la Pascua japonesa se plantearon el llevar el monumento a un museo, o desmontar todas las piezas y distribuirlas por los habitantes de Kesennuma, para afianzar a un más los lazos que les unen y ese espíritu de comunidad.

Uno de los proyectos más atractivos, y emotivos que se han desarrollado, ha sido el planteado para el aniversario de la catástrofe de la isla nipona, el proyecto Ark Nova, de los arquitectos Arata Isozaki y Anish Kapoor. La empresa consiste en un anfiteatro con un aforo de 500 a 700 espectadores que destaca por su originalidad, ya que se trata de un anfiteatro portable, y lo es gracias a que la estructura del mismo se infla, dando lugar a un armazón orgánico ovalado de un color rojo brillante. En un principio se creó para el Festival de Lucerna, pero le dieron una magnifica salida llevando el anfiteatro nómada a las poblaciones de la región de Higashi-Nihon, devastadas por el tsunami del 11 de marzo.

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La labor de diseño es fundamental en este proyecto, ya que tiene que aunar la estética y la funcionalidad. En este caso el objetivo es que las condiciones acústicas en el espacio sean óptimas, y el encargado de estos requisitos fue Yasuhisa Toyota de Nagata. Las actividades que se llevan a cabo en su interior son conciertos de música clásica, jazz, programas de danza y proyectos multimedia. Con ello lo que se quiere es llevar

la esperanza a los afectados mediante esta cápsula musical. La dinámica seguida por los arquitectos y urbanistas japoneses ha sido la del reaprovechamiento, el reciclaje, tanto de los elementos naturales y sus propiedades energéticas, como la de los edificios en declive que habían entrado en desgracia. Estas ideas se ven en un proyecto muy sugerente del 2008, que aunque se encuadran fuera de nuestro marco cronológico, es un magnífico ejemplo ya que recoge todas las doctrinas que están sirviendo para la reconstrucción tras los desastres del 2011. Inujima Art Proyect Seirensho es un proyecto integral en el que tanto el arquitecto Hiroshi Sambuichi, como el artista Yukinori Yanagi, han trabajado codo con codo para rehabilitar una refinería de cobre. La factoría, en la zona del Mar Interior del Seto, se puso en marcha en 1909, pero su corta vida, de diez años, hizo que quedara abandonada por el desplome en los precios del cobre. Se le ha dado una funcionalidad expositiva, ya que es el único método para que no vuelva a perecer, y su peculiaridad es que se trata de un museo autosuficiente. Se hace uso de las chimeneas y de los ladrillos Karami que se encuentran en la refinería, pero además se utilizan las energías naturales como la solar o la geotérmica. Además, mediante el resultado de un estudio medioambiental, se tomaron aquellas plantas que mejor se adaptaban a Inujima y las utilizaron para un sofisticado sistema de purificación de agua. Todo el proyecto, tanto las obras de arte permanentes como el propio edificio, gira en torno a un nuevo concepto de sociedad basada en el reciclaje, dejando claro

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Panorama

que es posible la revitalización regional a través de cuatro pilares: el patrimonio industrial, la arquitectura, el arte y el medio ambiente. Algo que en estos momentos, después del desastre de la central nuclear de Fukushima, está teniendo mucha más acogida. Estos preceptos son el eje básico sobre el que se está desarrollando la arquitectura nipona, de manera que la necesidad y la tradición han hecho que su escala de valores, a la hora de reconstruir su país, se haya encaminado hacia el aprovechamiento de la naturaleza y de las tecnologías, tal y como ya habían planteado los Metabolístas japonés a mediados del s. XX, que veían el diseño y la funcionalidad de la ciudad y los edificios, como paradigmas orgánicos, como si de un proceso biológico se tratara. Así, desde el resto del mundo, no podemos más que admirar a un pueblo que ha sufrido tanto por el azote de la naturaleza, y que se embarca en un largo periodo de duelo, pero que ha entendido que la única fórmula para purgarse, sanear sus heridas y salir a delante es mediante el proceso de catarsis entre el ser humano y la naturaleza. De está manera, el país del sol naciente deposita sus esperanzas en un nuevo renacer mucho más sostenible para todos.

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ARTIREKIA es un estudio online de diseño y comunicación situado en Guipúzcoa. “Somos jóvenes, inquietos, nativos digitales y nos encanta la comunicación. Por eso hemos decidido lanzarnos al mundo online con este proyecto para dar a conocer nuestra pasión: la comunicación y todo lo que le rodea.”

Con sede en Argentina y fundado en el año 2010, Plenty en un estudio de diseño multidisciplinar que nace de la unión de Gula y Playful (Mariano Farías y Pablo Alfieri), dos jóvenes profesionales con amplia experiencia en diseño gráfico, ilustración, motion graphics y animación 3D. Han trabajado para clientes como

Plenty. Estudio de

diseño

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Nuevos estudios de Diseño

MTV LA, MTV International, VH1, NatGeo, AXN Japan, Schweppes, Gancia One & Pilsen… Podéis ver más proyectos del Estudio de Diseño Plenty en su portfolio de Behance y en su web.

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Nuevos estudios de Diseño

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Nuevos estudios de Diseño

Plenty es el desafío de satisfacer nuestros deseos de superación, creando, diseñando y contando historias. Buscando aquella utópica sensación de plenitud donde nos sentimos a gusto con lo que vemos y con lo que hemos logrado.

“La vasta experiencia, la fina calidad de nuestros clientes, la flexibilidad en el armado de equipos multidisciplinarios y nuestra pasión inagotable son la marca que nos define y la garantía del éxito de nuestros clientes.” No puedes perderte su página web: http://www.plenty.tv/index.php

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Nuevos talentos

BANG! es una lámpara de mesa con un mando a distancia en forma de pistola. El usuario puede disparar el "arma" para apagar la luz. La luz se apaga y el pantalla de golpes en la cara, mostrando que ha sido golpeado. Para volver a activarlo, basta con que disparó de nuevo, y la pantalla de la lámpara se levantará lentamente y girar la parte posterior de luz sobre al mismo tiempo. Del estudio Bitplay.

ILUMINACIÓN

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Dirección y edición: Beatriz Marín Pereira Celia Fernández Quintana Diseño: Beatriz Marín Pereira Coordinación: Celia Fernández Quintana Colaboran en este número: Lourdes Pérez Álvarez Diana Martínez Castro Miriam Callejo Sebastián Martha R. Barilari Ariadna Ruiz Gómez

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Ilustración de Andy Kehoe

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